100 beste filmer gjennom tidene

Alejandro Jodorowsky Prullansky, den berømte chilensk-franske filmregissøren, poeten, dramatikeren og musikkkomponisten, sa en gang: Jeg har alltid trodd at av all kunst er kino den mest komplette kunsten. Jeg er enig. På flere måter er kino faktisk en sammenslåing av alle andre viktige kunstformer: maleri, skriving og musikk. Det kan ikke være tilfeldig at kino også er den mest moderne av kunstarter. Tross alt var utviklingen av andre kunstformer nødvendig for at kino skulle komme til. Det faktum at det forblir den mest populære kunstformen nesten fra det øyeblikket den ble til, forteller deg både dens styrke og svakhet: den er lett tilgjengelig og derfor mer kommersialiserbar.

Med det i tankene er jeg glade for å presentere for deg listen over The Cinemaholic 100 beste filmer gjennom tidene . Før du begynner å utforske listen vår over de 100 beste filmene som noen gang er laget, la oss minne oss selv på at lister i sin natur aldri er perfekte. Så vi hevder ikke at dette er den hellige gral på listen over absolutt beste filmer i verden. Men det jeg kan forsikre deg om er at mye forskning har gått bak å sette sammen denne listen. Tusenvis av filmtitler ble vurdert og hvert siste valg ble diskutert. Jeg er sikker på at du vil finne mange av favorittfilmene dine som mangler på listen. Mange av mine favoritter mangler også! Men i stedet for å bli frustrert over det, benytt anledningen til å se filmene du ikke har sett. Hvem vet, du kan ende opp med å oppdage dine nye favoritt(er)!

100. The Umbrellas of Cherbourg (1964)

Jacques Demy farger sin romantiske opera med en myk, uovertruffen sofistikering som fremstår som en liten hipster. Men denne fargen er ikke bare den på veggene, klærne og paraplyene. Det er også på kinnene til en ung jente som er umulig forelsket når hun krysser gaten for å hilse på kjæresten sin og dens fravær når vi ser det ansiktet i et slør, den unge jenta nå en annens brud. Det er farger også i måten folk snakker på, eller for å være mer presis, synger til hverandre. Men deres lyriske samtaler rimer ikke som de fleste sanger. Når alt fra kjærlighetsyrker til bekymringer om penger er fylt med lidenskap som ikke kan skilles, vil det ikke hjelpe deg å fiske etter rim eller fornuft. Mens filmen og alle dens melodiske avsløringer, forsterket av Michel Legrands overjordiske musikk, er hjerteskjærende romantiske, er alle avgjørelser karakterene våre tar, som alt annet i livet, definitivt ikke slik.

For et plott som er så kjedelig kjent, etter å ha sett det være grunnlaget for utallige popsanger og såpeoperaer, er hver ramme av «The Umbrellas of Cherbourg», full av melankoli, forlokkende frisk, til og med ukjent. Du kan tilskrive det hvor ekte følelsene er, og hvor oppriktige uttrykket deres er. 'Umbrellas' opererer på en så ydmyk skala som den gjør, og ødelegger deg med de minste refleksjoner. Jeg ble overrasket over hvor betydelig virkningen av to tomme stoler, en gang fylt av de to elskerne, kunne være. I Demys kjærlig laget delikatesse marsjerer vi i karneval fylt med bånd og konfetti, vi pynter juletrær og gir hverandre gaver, og putter alle følelsene våre et sted i hjertekrokene, for uansett hvor vanskelig noens fravær er å bære eller fortiden er å glemme, alt vi kan gjøre er å leve i dagens fantasi.

99. Trainspotting (1996)

Det er litt vanskelig å forklare cinefilene som oss selv om fanatismen til «Trainspotting». Det kom rundt en tid da virkeligheten av narkotika så vidt hadde begynt å synke inn. Man kan si at det glamoriserte narkotikamisbruk, og til en viss grad er det sant. Det faktum som kom ut av det, var Danny Boyles forsøk på å vise det høye og laveste av narkotikamisbruk, uten å ta side. 'Trainspotting' er en kultfilm som forteller en historie om fire venner og deres prøvelse med avhengighet. Opprørende og bisarr er de eneste to ordene som beskriver det. En narkoman som ønsker å bli ren, bare for å vakle ved hvert trinn på grunn av sin dypeste trang til å bli høy. Sjenerøst overdosert med humor, prøver filmen å understreke et faktum med full alvor: Til tross for luksusen som livet byr på, fornekter ungdommen dem med stor selvtillit. Og årsakene? Det er ingen grunner. Hvem trenger grunner når du har heroin?

98. The Graduate (1967)

Ah, ungdommens dager! Bekymringsløs og glad. Moro fylt uten noe å bekymre seg for. Ingen omsorg for fortiden, som har blitt etterlatt og ingen bekymring for fremtiden, som ennå ikke kommer. Benjamin Braddock ledet dette bekymringsløse livet, etter endt utdanning fra college. Og da han endelig kom tilbake til hjembyen, møtte han fru Robinson der. Flammen til en affære begynner å brenne. Livet tar en lumsk vending når unge Ben forveksler sex med vennskap. Det blir surt når han faller for datteren hennes. En tankevekkende film, i drakten av en komedie, 'The Graduate' er en av de morsomste filmene noensinne. Med Dustin Hoffman i hovedrollen, har den den ikoniske linjen – 'Mrs Robinson, prøver du å forføre meg?'

97. The Double Life of Veronique (1991)

Kanskje ingen annen filmskaper forsto kvinner til så dype følelsesmessige dybder som Krzysztof Kieslowski gjorde. Mannen bare elsket dem, og han viste det med en slik lidenskap og intimitet at du ikke kan unngå å føle deg forelsket av dens rå følelsesmessige kraft. 'The Double Life of Veronique' kan bare være hans største kunstneriske prestasjon. Filmen handler om en kvinne som begynner å føle at hun ikke er alene og at det er en del av henne som lever et sted i verden i en annen sjel. Veronique og Weronika er de to identiske kvinnene som ikke kjenner hverandre og likevel deler en mystisk intim følelsesmessig forbindelse mellom dem. Slawomir Idziaks svært stiliserte kinematografi maler filmen med et ømt melankolsk preg som omslutter deg og ikke lar gå forbi. Det er følelser og følelser vi synes er veldig vanskelig å sette ord på, og filmen gir liv til de uforklarlige følelsene av ettertenksom tristhet og ensomhet. 'The Double Life of Veronique' er et fantastisk kunstverk som skildrer menneskesjelen i all dens vakre skrøpelighet og ømhet.

96. Cinema Paradiso (1988)

Mange mennesker ser på kino som en overbærenhet, en fritidsaktivitet, en fornøyelse som ikke har noen som helst konsekvens i livet. Men jeg, med en hær av ivrige kinofile til å støtte meg inderlig, kan med absolutt overbevisning slå fast at kino er like nødvendig for livet som livet er for kino. Og 'Cinema Paradiso' er en vakker, om enn ironisk, måte å gjøre poenget mitt på. Den suksessrike filmregissøren Salvatore vender hjem en dag for å få nyheten om at Alfredo er død, hvorpå han blinker tilbake til hjembyen sin på 1950-tallets Sicilia. Den unge og rampete Salvatore (kallenavnet Toto) oppdager en varig kjærlighet til filmer som lokker ham til landsbyens filmhus Cinema Paradiso, hvor Alfredo er projeksjonist. Etter å ha fått lyst på gutten, blir den gamle bubben en farsfigur for ham mens han møysommelig lærer Toto ferdighetene som ville være et springbrett for hans suksess med filmskaping.

Å se Toto og Alfredo diskutere kino med ærbødighet, og å se Alfredo gi livsråd gjennom klassiske filmsitater, er ren glede. Gjennom Totos historie om voksende alder kaster «Cinema Paradiso» lys over endringer i italiensk kino og den utdøende handelen med tradisjonell filmskaping, klipping og visning, mens den utforsker en ung gutts drøm om å forlate den lille byen sin for å dra ut i verden utenfor. En av de beste 'filmene om film' som noen gang har vært.

95. One Flew Over the Cuckoo's Nest (1975)

En av de sjeldne filmopplevelsene som får deg til å føle en mengde følelser på en gang. Det er morsomt i deler, oppløftende i noen og rett ut hjerte knusende i andre. Det er også en av de andre sjeldne bragdene innen forenklet, effektiv historiefortelling, som forteller om Randle McMurphy, en kriminell som i håp om å unngå fengselsstraff, forfalsker å være psykisk syk og erklærer seg ikke skyldig på grunn av sinnssykdom. Da han ankommer en mentalinstitusjon, gjør han opprør mot den autoritære sykepleieren Ratched (spilt av en stålsterk Louise Fletcher) i et klassisk orden vs. kaos-scenario. Filmen slår fast at det faktisk ikke er noen som er bedre til å spille karakterer med knekk og sjarm i like stor grad enn Jack Nicholson selv, og ga ham en fortjent Oscar-gevinst for hans opptreden i filmen. Det som starter som en varig og hjertevarm film, eskalerer til en tragisk om enn håpefull slutt, etter urovekkende scener som involverer et selvmord og elektrokonvulsiv terapi på pasienter. Filmen slipper likevel aldri seerens oppmerksomhet og patos for karakterene på skjermen, og fremkaller ekte følelser og hurrarop for den menneskelige ånden som utstråler selv i møte med ubesvart autoritet.

94. Pyaasa (1957)

Tett med ideer om sosial endring, og skarpe kommentarer til den sittende ondskapen og stigmaene i samfunnet, 'Pyaasa' var ikke bare et eksempel på gullalderen til indisk kino, men var også en refleksjon av den indiske borgerligheten selv. Det er en film som har en subtil kvalitet om seg selv, der alle de frekke sannhetene og de harde realitetene i samfunnet ulmer under overflaten under og venter på å bli utforsket og ekstrapolert av det oppmerksomme publikummet. ‘Pyaasa’ er en tidløs klassiker ikke uten grunn. Selv etter 60 år etter utgivelsen er den fortsatt relevant i moderne tid, fordi India fortsetter å være plaget av de samme samfunnsforbannelsene – korrupsjon, kvinnehat, materialisme – som «Pyaasa» direkte eller indirekte adresserer.

93. Moderne tider (1936)

‘Modern Times’ er en humoristisk film med et sterkt budskap. Dette bildet bærer Chaplins varemerkedemaer om håp og fattigdom, og fokuserer på de negative effektene maskineri og andre former for teknologiske fremskritt har på vanlige folk, ved å trekke inn i rampelyset en fabrikkarbeider hvis liv går gjennom mange vendinger mens han prøver å takle den nye verden. Selv om slapsticken er tåretrekkende morsom, er det hele inneholdt i et kar av tristhet. 'Modern Times' bruker smarte, subtile elementer for å stille viktige filosofiske spørsmål nå og da. Klimakset er et av de mest rørende noensinne, og involverer en trist form for lykke og ingen reell svar eller løsning. Denne filmen kan meget vel være Chaplins best skrevne verk, og det er overraskende hvor relevante ideene som presenteres her er også i dag. Etter å ha utvilsomt stått tidens tann, er veien Modern Times tar for å dele sine tanker sannsynligvis det beste aspektet ved denne filmatiske triumfen.

92. The Thin Red Line (1998)

Terrence Malicks tilbakevending til filmskaping etter en 20 års pause var preget av dette nydelige krigsdramaet som utforsker, ikke krig, men følelsen av å kjempe mot krig. Filmen er virkelig Malick-iansk av natur med mer vekt på det visuelle enn historien, slik at du kan suge inn opplevelsen av den. Det geniale med filmen ligger i Malicks visjon om å se skjønnhet i noe så mørkt og blodig som krig. Det krever et absolutt geni for å gjøre noe så brutalt og blodig som krig til en slik hypnotisk opplevelse som overskrider krigens realiteter og i stedet lar deg suge inn i følelsene til karakterene. Det er en så oppslukende opplevelse som ber deg om å føle menneskene bak våpen og bomber. Dette er ødelagte sjeler akkurat som oss, som lengter etter en delikat berøring, savner varmen fra pusten til sine elskere og koner mens de må forholde seg til den styggeste virkeligheten langt borte fra dem. ‘The Thin Red Line’ er rett og slett en opplevelse uten like; en som må sees, føles og reflekteres over.

91. Blade Runner (1982)

The Final Cut av Ridley Scotts 'Blade Runner', tror jeg er den største dystopiske filmen som noen gang er laget. Selv om Metropolis er et diskutabelt valg, må man observere de uautentiske bildene knyttet til tysk ekspresjonistisk kino. ‘Blade Runner’ er derimot mer enn perfekt når det gjelder å bygge opp en verden som lider av økonomisk ulikhet, befolkningsboom, mangel på noe naturlig fordi selv kjøtt ikke kan stoles på her. Den glitrende belysningen er kontekstuelt naturlig, fordi det er en elektronisk verden og Jordan Cronenweth bruker den på samme måte som de dagligdagse lysende objektene i film noir. Selv om det kanskje ikke stiller spørsmål så vidtrekkende som 'A Space Odyssey', men det får oss til å lure på om androider drømmer om elektriske sauer.

90. Fargo (1996)

Voldelig, morsom, varm og brutalt intens, 'Fargo' er en av de fineste amerikanske filmene på 90-tallet og en av de største krimdramaene som noen gang er laget. Filmen handler om en mann som ansetter to menn for å kidnappe sin kone og presse penger fra sin rike svigerfar. Coen Brothers' strålende bruk av mørk humor gjennomsyrer filmen med en luft av varme som gir en veldig særegen tone til filmen. Det er denne mesterlige blandingen av komedie, drama og vold som gjør 'Fargo' til en så minneverdig kinoopplevelse. Det nydelige åpningsbildet av et snøfylt Minnesota, vakkert komplimentert av et uhyggelig partitur, setter tonen for filmen og etablerer en følelse av dyp tristhet som ligger under volden og humoren filmen er fullpakket med. Frances McDormand er helt klart filmens stjerne og stjeler showet, og skildrer en gravid politisjef fanget i en verden av ondskap og brutalitet, men klarer å finne lys og håp. ‘Fargo’ er et følelsesmessig rått, brutalt intenst, innbydende morsomt og smertefullt realistisk stykke ren medrivende kino.

89. Eraserhead (1977)

'Eraserhead' er en lærebok om atmosfærisk skrekk. Denne filmen forteller historien om en mann med rart hår som prøver å skape en slags familie alene, og blir mer til et surrealistisk mareritt for hvert minutt som går. Ved å bruke lyd og nærbilder for å gi en følelse av klaustrofobisk frykt og samkjøre dette med et plot som gir lite mening ved første visning, viser David Lynchs debut seg å være en av mesterregissørens aller beste, noe som i seg selv er stor ros. Det «Eraserhead» gjør er å skape en dystopisk verden – oversvømmet med stygge bygninger og mekaniske innretninger dyppet i ond svart-hvitt – og kaste inn karakterer som er mer eller mindre forvirret av omgivelsene. Selv om det er nesten umulig å finne ut betydningen av dette bildet, må man innse at dette aldri er intensjonen. ‘Eraserhead’ gir publikum en følelse av fullstendig ubehag ved å bruke både det visuelle og surrealistiske stilen, og finner en måte å manipulere tankene deres på. Bare en håndfull bilder er like vakkert strukturert, men unektelig truende som dette, og det er noe bare noen som Lynch kan få til.

88. Boyhood (2014)

‘Boyhood’ er en kjær påminnelse om svunne år med uhemmet glede, urokkelig optimisme og boblende uskyld. Den er avhengig av å hente skjønnhet, glede og følelser ut av de vanlige livene til mennesker og ikke fra noen økt dramatikk (brød og smør for de fleste av filmene). Det er fascinerende å se hvordan fra scene til scene, ikke bare er det endringer i fysiske karakterer, men du vil også legge merke til transformasjonen i deres mote, frisyre, musikksmak og generelt perspektiver om livet. «Boyhood», på en måte som svært få filmer gjør, overskrider kinoens grenser og blir en bitteliten del av vår egen eksistens og opplevelse. Linklater minner oss igjen på hvorfor han er best i bransjen når det kommer til å fortelle enkle historier om vanlige mennesker.

87. Days of Heaven (1978)

Terrence Malicks utvikling til en fullt kontrollert, autoritativ filmvisjonær er en av de største tingene som noen gang har skjedd med amerikansk kino. Det er tydelig fra hans tidlige arbeider at han var desperat etter å hoppe ut av kinoens konvensjonelle grenser. Filmer som 'Badlands' og 'Days of Heaven' hadde tilsynelatende enkle fortellinger, men dette var filmer som prøvde å være noe mer. Noe mer enn bare en historie. En opplevelse. «Days of Heaven» oppnår dette mer briljant enn «Badlands». Mange mennesker har ofte kritisert filmen for dens svake historie. Jeg kunne ikke si at de er helt feil, men historien er uansett ikke det viktigste aspektet ved en film. Det Malick gjør her er å bruke visualiteten til kino som legger vekt på stemningen i historien i stedet for selve historien. Hensikten hans er ikke å gjøre deg emosjonell ved å bruke karakterenes situasjon, men å la deg observere dem, føle landskapets skjønnhet og duften av stedet. Og å lage en slik opplevelse er intet mindre enn et mirakel.

86. Grave of the Fireflies (1988)

En gripende, rørende film som er på nivå i alle aspekter du kan tenke deg, med de andre live action-filmene som fremhever krigsbyttet. Denne japanske animasjonsfilmen sentrerte seg om grusomhetene under andre verdenskrig ved å fokusere på livene til et søskenpar, knuste hjertet mitt på en måte som ingen annen film har klart, og fortsatte å trampe på brikkene helt til slutten. Som en krigsfilm gjør den også underverker på den menneskelige fronten, og realiserer og utvikler på en vakker måte det ømme forholdet mellom Seita og Setsuko i møte med motgangen som var andre verdenskrig. Budskapet er høyt og tydelig. Ingen krig er virkelig vunnet, og all ære som innebærer seire er også ledsaget av jamring av uskyldige liv ødelagt i krigen. Jeg vil applaudere filmen for ikke å være åpenlyst følelsesmessig manipulerende for å få oss til å rote til karakterene; men ikke ta feil, dets mektige og kompromissløse syn på krigen og rovdriftene som søskenparet har gjennomgått, vil redusere deg til et hulkende rot. Det er SÅ trist. Når det er sagt, er det ingen annen måte jeg ville ha det. Det er perfeksjon, i sin mest hjerteskjærende form.

85. Manhattan (1979)

Romantikk i Woody Allens filmer har alltid følt seg smertelig sannferdig og deprimerende realistisk til tross for den deilige gripende humoren han omgir dem med. Mens «Annie Hall» fortsatt er hans mest vågale film, fremstår «Manhattan» som et mer modnet verk, kunstnerisk. Allen spiller en lei, forvirret New Yorker, nylig skilt, dater en jente på videregående skole, men ender opp med å bli forelsket i elskerinnen til bestevennen hans. Allen tonet litt ned humoren for denne filmen for å la oss virkelig føle tristheten som oppsluker karakterene hans, noe som gjør det til en så følelsesmessig drenerende opplevelse. Det er bare et dypt gripende portrett av flaksende forhold og mangelfulle mennesker som sliter med seg selv og sin eksistens, desperat på jakt etter lykke som de aldri ville gjenkjenne og oppnå. Og det er denne søte delikate, gripende erkjennelsen av den menneskelige tilstanden som gjør 'Manhattan' til en så sterk film.

84. Marketa Lazarova (1967)

Det tsjekkiske ikonet František Vláčils ukroppslige drømmelandskap, Marketa Lazarová, er ganske enkelt et av de mest utrolige kunstverkene som har kommet ut av de 20^thÅrhundre. Dens avantgardistiske tilnærming til filmspråk passer knapt grensene for den ofte fordømte vendingen – for det er noe mer. En forbløffende blanding av syn og lyd, løsrevet av konvensjoner, struktur eller en hvilken som helst skriftlig regel, opprørske kinoforskere har slått på filmformen gjennom årene. Til sammenligning ser alt annet så strengt kontrollert ut - så unaturlig og konstruert i utførelse. Marketa Lazarová er rå, visceral og oppsiktsvekkende dynamisk. Kort sagt: det er det gratis – et sant høydepunkt av mulighetene for å utforske hver tomme filmatisk medium. For det er den blant de største filmene som noen gang er laget.

83. Singin’ In The Rain (1952)

Singin’ In The Rain er den mest definerende musikalen i Golden Age of Hollywood. Det er umulig å glemme bildet av Gene Kelly som danser ved gatelykten, når vi snakker om de strålende øyeblikkene på kino. Filmen feirer ikke bare sine egne ferdigheter herlig, men også overgangen til kino fra å være et visuelt medium til et resonerende og stimulerende. En monumental prestasjon i Technicolor-kino, Kellys regiinnsats ble underholdende forkastet av kritikere og publikum, til å begynne med. Jeg tror at relevansen til denne klassikeren blir sterkere dag for dag, ettersom gapet mellom tidsperiodene som dekkes av filmen (virkelig og reel liv) og nåtiden øker. Vi mister kontakten med en viktig epoke, og denne filmen svermer deg med sin nostalgi.

82. Ikke se nå (1973)

Det er veldig vanskelig å finne et visuelt kunstverk som er like hypnotisk som Nicolas Roegs «Dont Look Now». På mange måter er dette mesterverket som den fæle dvergen på slutten. Den er vakkert drapert i ekstatiske farger, men rommer den verste delen av livet: døden. Uansett hvor effektiv Sutherlands karakter er, tror jeg at dette er en følelsesdrevet film, ettersom Roeg setter jakten på tapt kjærlighet over en avgjørende historie. Det gotiske grunnlaget er et veldig kraftfullt redskap for å utbryte viktigheten av båndene den er avhengig av, den av fars- og familiær kjærlighet, samt å gi en vag form til spøkelsene som hjemsøker hovedpersonen. Noen steder er som mennesker, noen skinner og noen gjør det ikke.

81. Fight Club (1999)

En gang i blant kommer det et kunstverk som definerer psyken til en generasjon. Når det gjelder kino, hadde 50-tallet 'Rebel Without A Cause', 60-tallet hadde 'The Graduate' og 70-tallet hadde 'American Graffiti'. Og selv to tiår senere passer «Fight Club» den grublende, misfornøyde, anti-etablissementet til vår generasjon som hånd i hanske. Som så mange flotte filmer, er 'Fight Club' veldig splittende og kan tolkes filosofisk på mange forskjellige måter - noen synes den definerer samtidens manndom, mens andre mener den glorifiserer vold og nihilisme.

I hovedsak en thriller, er filmen fortalt fra POV-en til en navngitt hovedperson som lider av søvnløshet og misfornøyd med sin monotone jobb som krysser veier med en heftig såpemaker ved navn Tyler Durden. Durden og hovedpersonen starter snart en underjordisk 'Fight Club' som en måte for misfornøyde medlemmer av samfunnet å få ut sin vrede. Men snart kommer Tylers planer og fortellerens forhold ut av hans kontroll, noe som fører til et eksplosivt klimaks (bokstavelig talt!)

Sammen med djevelen-may-care-holdningen den forplanter, er 'Fight Club' også et kjennetegn på en ess-retning fra samtidslegenden David Fincher. Den dystre fargepaletten, skarpe redigeringen og det glatte kameraarbeidet har inspirert en horde av mørke thrillere etter filmen. En vannskillefilm fra 1990-tallet.

80. Before Sunset (2004)

Her er sannheten om menneskelig evolusjon som ingen vil fortelle deg: Menneskeheten kommer snart til å miste kunsten å snakke. Teknologiske fremskritt har en stor bieffekt: Folk blir mindre og mindre interessert i å finne ekte samtaler - fordi de har teknologi å gjemme seg bak. Og det er nettopp derfor Before-serien vil holde seg i flere tiår fremover. En serie filmer som handler om to personer som er engasjert i ekte samtale er en sjeldenhet selv for denne generasjonen. I fremtiden vil ikke slike filmer bli laget i det hele tatt. Det er derfor fremtidige generasjoner kommer til å se tilbake på Before-trilogien med ærefrykt og undring. Og jeg vil ikke bli overrasket om trilogien finner sin fortjente plass i ikke bare filmhistorien, men også alle filmskolers bibliotek.

Blant de tre Before-filmene skiller ‘Before Sunset’ seg ut fordi den er den mest hjerteskjærende vakre. En film som iboende handler om det sterkeste menneskelige begjæret: ønsket om å være sammen med noen du kan tilbringe resten av livet med. Hvis du ser nøye etter, blir 'Før solnedgang' til slutt et speil, ved å se nærmere på det, kan du bedømme dine egne forhold: Hvor gikk du galt? Hvem var egentlig den for deg? Hvilke muligheter gikk du glipp av? Hva kunne vært? Det er en av de sjeldneste av sjeldne filmer der din egen opplevelse i livet vil berike og gi næring til opplevelsen din med filmen.

79. The Matrix (1999)

En genial, smart idé gjengitt på skjermen av Wachowskis, som resulterte i en film som fikk mange seere til å bli skeptiske til virkeligheten de befant seg i. Det er sant, når 'The Matrix' først ble laget, var det ingen vei tilbake, den endret seg tingene. Ikke bare brøt filmen noe ny mark i historien, den revolusjonerte også måten science fiction og actionfilmer ble unnfanget etterpå. Suksessen til 'The Matrix' som film ligger også i hvordan den på mesterlig vis tusler mellom temaer, inkludert filosofi, eksistensialisme og til og med religion, samtidig som den har på seg en action- og sci-fi-film. Neos evne til å manipulere den simulerte virkeligheten for å utføre tilsynelatende umulige bragder og bruken av kuletid, en actionteknikk som er intet mindre enn ikonisk nå, bidrar til filmens oppfinnsomhet. Sjangeren er kanskje overfylt nå, men da den kom ut først, er det trygt å si at publikum ikke hadde sett noe lignende.

78. Det syvende kontinentet (1989)

Å kalle Michael Hanekes ‘The Seventh Continent’ for en skrekkfilm høres veldig feil ut for meg, men det er slik den omtales av de fleste som har sett den. Det er vanskelig å krangle med dem, fordi en visning av denne filmen får en til å føle seg håpløs, deprimert og redd. Denne klassikeren fra 1989 har å gjøre med en familie som hater verden og livet generelt, og tar en kald og fjern holdning for å isolere de tre spillerne ytterligere fra resten av samfunnet, noe som sakte men sikkert får publikum til å føle dypt for dem som deres. tilværelsen tar en mørk vending. Hanekes debutverk er en av de mest urovekkende filmene som noensinne har prydet skjermen, og håner seeren og slipper aldri taket. Hvis publikum kaller det en skrekkfilm, så gjør de det med henvisning til en skummel film som er ulik noen annen. Dekket av tvetydighet og realisme, Det syvende kontinentet er en personlig, intim og skremmende gjenfortelling av en sann historie som etterlater deg i stillhet, fordi i minst et par minutter etter at den er over, blir du ute av stand til å si et eneste ord.

77. Zodiac (2007)

‘Zodiac’ er ikke din konvensjonelle thriller; det er sakte tempo og fokuserer mer på stemning og karakterer enn plot. Det er en aura som David Fincher bygger så mye at du kan føle stemningen i filmen i beinene dine. Det er ikke en film som vil gjøre deg glad når den er over. Det er også en film hvor den slemme gutten vinner, den gode gutten taper. Og det er derfor det er så bra. Ikke bare bra, men et moderne mesterverk. Når en film klarer å rykke i deg i hele to og en halv time, og få deg til å tenke i flere dager, må det ha løst mange ting som de rutinemessige thrillerne ikke gjør. Etter min mening er ‘Zodiac’ Finchers beste film, hvor han med sin disiplin og spekter av ferdigheter viser hvorfor mindre noen ganger er mer.

76. Magnolia (1999)

‘Magnolia’ er utvilsomt Paul Thomas Andersons desidert mest personlige verk. Den hysteriske stemningen Anderson tilfører filmen, bringer en viss følelsesmessig flyt til melodramaet som er så utrolig vanedannende og utrensende i sin energi. Filmen foregår utelukkende i San Fernando-dalen med forskjellige innbyrdes beslektede karakterer som går gjennom forskjellige faser i livet, og sliter med å håndtere sine egne indre demoner og følelsesmessige konflikter. Anderson elsker disse menneskene, han kjenner dem og forstår dem, men presenterer dem som uunnskyldende hvem de er; helt nakne mennesker, rå og rene, som konfronterer og overvinner deres dypeste frykt og skrøpelighet. Det som gjør ‘Magnolia’ så spesiell er at det er en film som forteller så mye om filmskaperen. Vi får et innblikk i Andersons liv, stedet han tilhører og menneskene i livet hans. Det er så mye av Anderson i hele filmen. En film som 'Magnolia', hadde den blitt regissert av en annen filmskaper, ville ha følt seg datert og virket ganske mye som et produkt av sin tid, men med Anderson bidrar det bare til filmens appell.

75. Rosemary's Baby (1968)

'Rosemarys baby' er et mørkt, vridd kunstverk som leker med uskyld for å bygge en følelse av redsel. Med å gjøre med en kvinne som opplever komplikasjoner under graviditeten, tar filmen en helt ny vei med plottet ved å la ritualistiske elementer spille en stor rolle. Det er så mye å elske ved denne filmen, fra de velskrevne karakterene til det fjerne, grublende miljøet som omgir hver hendelse som skjer. Det er alltid en følelse av spenning gjennom hele bildet, og det er delvis takket være den stille, dvelende kinematografien utført med Polanskis stramme registil. Mia Farrow gir den beste karrieren her som Rosemary Woodhouse, en kvinne som blir svakere når hun sliter med smertene som følger med å bære et barn. Totalt sett matches atmosfæren som fanges av denne filmen av få andre, og måten den siver inn i huden din på er virkelig noe annet.

74. The Good, The Bad And The Ugly (1966)

Medrivende karakterer spilt av legendariske skuespillere, uhemmet, brutal skuddveksling, hekkende musikk og intens kinematografi – den tredje delen av «Dollars»-trilogien, som sies å være fødselen til spaghettiwesterns, er overbærende, fengslende, underholdende kino på sitt beste. Blondie or No Name (The Good), en profesjonell revolvermann og Tuco (The Ugly), en ettersøkt fredløs, danner en uvillig troskap når de finner ut en viktig detalj om et gullbeholder gjemt av en flyktet konføderert. som Angel Eyes (The Bad), en leiemorder, har fått kontrakt om å drepe. Trioens reise danner kjernen i et medrivende plott som ender i en klassisk westernstil-nedstirring. Clint Eastwood som Blondie er bildet av machismo, Lee Van Cleef som Angel Eyes er ond personifisert og Eli Wallach som Tuco tilfører en karakterkompleksitet av impuls og raseri til de enklere, men mer prangende Good Vs Evil-aktene til de to større stjernene. Men tøylene er for alltid regissøren i Sergio Leones hender – han bruker viltvoksende langskudd og intens nærbilde etter behov for å skape en spenning i saksgangen. En sjangerdefinerende film Quentin Tarantino, en av de største eksponentene for den moderne western, en gang kalt Den best regisserte filmen i verden.

73. The Travelling Players (1975)

Altfor lenge var Theo Angelopoulos’ intime, delikat sammensatte epos kjent for få filmentusiaster, og kanskje verdsatt av enda færre. Den staselige, gradvise oppføringen av et filmmonument over vårt esoteriske, kryptiske forhold til tid er forståelig nok ikke for alle. Men for de nysgjerrige blant oss har det vært kjent for å gi trøst, gi visdom og gave en oppfatning som hjelper til med å finne konstanter å henge på i denne universelt og grusomt dynamiske verden. Blant de mange tingene denne filmen får til, er dens uberørte forståelse av avsløringene i historien om 'Orestes'. Mytologien knyttet til den tragiske figuren er fanget med en bedøvende ydmykhet, og likevel klarer filmen å transportere oss gjennom sin smidige visjon til et melankolsk, dvelende syn på Hellas på midten av 1900-tallet. Dens tidsmessige eleganse rettferdiggjør å se historien ved å stå ved siden av troppen: fra utsiden og inn. Du har en tendens til både å fornemme det harde i den og reflektere over dens tilblivelse. Det er en sjelden antifascistisk historieleksjon fordi den aldri forteller oss hva vi skal tenke. Det viser oss bare hva vi skal føle. Angelopoulos og kinematograf Giorgos Arvanitis plasserer oss i hjertestoppende lokaler og vasker dem ut med periodens ødeleggende ondskap. «The Traveling Players» er en ydmyk, sjelden perle som føles som om den ble reddet fra opptøyerfylte gater og overlevd gjennom sult. I enklere termer, vi fortjener det ikke.

72. Cache (2005)

Michael Haneke blir ofte anklaget for alltid å ha beskjeftiget seg med dystre fortellinger. Den karakteriseringen er fullstendig urettferdig fordi det han i hovedsak gjør er å gi menneskelig innsikt i mørket som omslutter oss alle, hvordan våre feilaktige oppfatninger fører til pinefull isolasjon og hvordan vrangforestillingene våre reduserer sjansene våre til å overvinne isolasjonen. 'Caché' er ikke bare et massivt, brennende dokument som peker på ondskapen ved Seine-massakren i 1961, og vår umenneskelighet som samfunn, men også en poetisk universell karakterstudie. Georges, vår hovedperson, oppfatter livet og hans nærvær som et sosialt vesen i en forvrengt følelse av glede. Han flykter fra komforten ved å stole på og kommunisere med andre. Han nyter sin fremmedgjøring, akkurat som han fremmedgjør så mange som holder ham så kjær. Med det håner Haneke generasjonen som ønsker å bli alene. Kameraet hans er til tider uvanlig fjernt, akkurat som så mange av oss i forhold til omgivelsene. Men i hans kontroll må vi konfrontere vår uanstendighet, vår hensynsløshet, vår virkelighet. En av de mest utfordrende kinobitene du noensinne vil se.

71. Spirit of the Beehive (1973)

Den spanske mesteren Victor Erice lagde bare tre spillefilmer før han gikk av med pensjon. Fortsatt i live i dag, filmer som El Sur, Quince ‘Tree of the Sun’ og spesielt Spirit of the Beehive, hans udefinerbare debut, får oss alle til å ønske at han fortsatt laget filmer. En parabalisk fortelling om to barn, den ene utforsker hans eksistens med uskyldig, ofte forvirrende fascinasjon og den andre besatt av filmen «Frankenstein» som spilte i deres lokale teater. Dens mystifiserende portrett av det spanske hjertelandet etterlates i forlokkende tvetydighet av Erices karakteristiske nøytrale regi - som sjelden våger seg på en filmisk metode til fordel for stille observasjon. Det resulterende arbeidet er forvirrende, fengslende og vil la deg undre over selve livets iboende gåte: dets ubesvarte spørsmål, dets store mysterier og deres forvirrende uangripelighet. For å etterlate deg helt ødelagt eller usammenlignelig rørt, er det ingen tvil om at «Spirit of the Beehive» vil være en viktig opplevelse til begge ytterlighetene.

70. Alle presidentens menn (1976)

Watergate. Ett ord som brakte gardinene ned for Richard Nixons presidentskap og fikk folk til å innse at selv en person av presidentens statur kan bøye seg ned i lavest mulig grad for å få tingene sine gjort. Mens kumpanene til presidenten var opptatt med å rydde opp i rotet han skapte, var det to reportere som fikk eimen av det. Til tross for truende trusler, jobbet de utrettelig, forfulgte selv de minste sporene og brakte til tider fare over seg selv i prosessen for å få fakta til folket. Basert på boken med samme navn, skrevet av journalister, Bob Woodward og Carl Bernstein, er 'All the President's Men' en skarpsynt observasjon av hva ekte journalistikk bør være. Regissert av Alan J Pakula, ble dette nominert til åtte akademipriser, og vant til slutt tre og mistet forresten det beste bildet til 'Rocky'.

69. Army of Shadows (1969)

Jeg tror et utmerket sammenligningspunkt for nykommere i Jean-Pierre Melvilles arbeid er Stanley Kubricks. Begge praktiserer ekstrem teknisk presisjon og utstråler absolutt selvtillit i hver innsats de legger ut over lange og kreativt lukrative karrierer. Når det er sagt, er en billig, men utfordrende klage alle kan sende inn til den amerikanske regissøren hans 'sjeleløshet'. En ledig stilling av menneskelig uttrykk. Slik er det ikke med Melville. I 'Army of Shadows' brenner Melvilles karakterer med en bitter fortvilelse-drevet gnist som får hver handling til å ose av menneskelighet. I den dødelige verdenen til Wartime Resistance-bevegelsen kan ett falskt trekk resultere i fullstendig ødeleggelse, og det er med den nevnte nåden og virtuose kontrollen over kinoen hans at Melville syr frøene til en helt troverdig, overbevisende død verden. ‘Army of Shadows’ er et av de mest stille, spennende og monumentalt påvirkende verkene som har kommet ut av fransk kino – og å gå glipp av en så kriminelt oversett klassiker ville være å gjøre deg selv en alvorlig bjørnetjeneste.

68. The Shining (1980)

Med sin tilpasning av Stephen King-klassikeren skapte Stanley Kubrick i 1980 en film som fortsatte med å redefinere skrekksjangeren. Her er det ikke bare historien eller karakterene som føder frykt. Miljøet og måten det har blitt filmet på, hjelper på en fantastisk måte å la følelsesløsende spenning trenge inn i hodet til publikum. Filmen følger Jack Torrence, en nyutnevnt vaktmester ved The Overlook Hotel, og familien hans mens de tilbringer en periode med fullstendig isolasjon i den mystiske bygningen. Gjennom fantastiske forestillinger og utmerket kameraarbeid sørger Kubrick for at innholdet i filmen synker dypt inn i underbevisstheten vår. Måten han manipulerer lyd og atmosfære på er helt utrolig og skaper uforglemmelige og ryggradskjølende to og en halv time. Verden til 'The Shining' er vakkert mørk, og griper deg hardt i kragen under hele den fantastiske tredje akten.

67. Chinatown (1974)

Det er film noir og neo-noir, og midt mellom de to sitter Jake Gittes, pent kledd med en skarp fedora for å komplimentere det gliset i ansiktet hans. Selv om han er en stor beundrer av Polanki, er det alltid noe som ikke samsvarer med sluttproduktet til filmene hans. Bortsett fra Chinatown. Dette banebrytende mesterverket skapte ikke bare en identitet for seg selv, men blir alltid sett på av filmskapere som låner stilen for å skape en identitet for filmen sin. Polanski er en magiker på jobben, og lurer oss med tydelige leads samt klassisk noir-tempo og setting. Men så kommer Chinatowns siste akt, som så raskt bryter ned hver konvensjon som opprinnelig var knyttet til lignende mysteriefilmer, at du sitter igjen med en overveldende følelse av sjokk og fortvilelse. Dens unnlatelse av å slå Godfather II forundrer meg fortsatt, men etter et halvt århundre har folk glemt Sicilia, men aldri Chinatown.

66. Satans tango (1994)

Bekjennelse nummer én: Jeg har nesten aldri sett Béla Tarrs vidstrakte, fantastiske mesterverk. Man skulle anta dens all-time cinephile favorittstatus og det enestående ryktet den har opparbeidet seg blant amerikanske art house-kretser og blant noen av de mest informerte filmkritikere over hele verden ville få meg til å fascinere. Men den enorme varigheten av dens varighet (ca. 432 minutter) og det loris-lignende tempoet jeg hadde hatt så glede av i Tarrs ‘Werckmeister Harmonies’ virket skremmende. Tilståelse nummer to: Jeg så ‘Sátántangó’, for første gang, på én gang. Jeg ble hypnotisert av dens pragmatiske følelse av den virkelige verden og dens tålmodige, kloke sans for kino. Den observerte mer enn den reflekterte og kontemplerte mer enn den leverte pent utformede utsagn. Dens mytiske, dystre realisme var for god til å være sann og altfor brutal til å ha blitt realisert med et slikt øye for skjønnhet.

Alt jeg ønsket å gjøre til slutt var å lukke alle vinduene mine og omslutte meg i mørket fordi filmen for meg hadde vært som den galningen i kirken og dens jamring hadde gitt for mening. Tilståelse nummer tre: Jeg er opprømt over å rapportere at «Sátántangós» kloke sosiale og politiske refleksjoner har begynt å gjøre seg klart for meg etter hvert som jeg har gått tilbake til det gjentatte ganger. En sommer som ble brukt på å sluke László Krasznahorkais roman, som fungerer som kildemateriale til filmen, var spesielt minneverdig. Alt jeg kan gjøre nå er å håpe på å fortsette å høste utbyttet av denne lykkelige ulykken.

65. The Exorcist (1973)

William Friedkins 'The Exorcist' er perfekt regissert. Mannen er beryktet for en uberegnelig karrierevei som ser klassikere falle inn i shlock (og ofte krysser de to gruppene for noen fascinerende utforskninger av filmisk skamløshet). Med sin beste film bestemte Friedkin seg for å spille inn et drama som tilfeldigvis handlet om demonisk besittelse: Å sy patos for hans komplekse karakterer og visceralt oversette originalforfatteren William Peter Blattys tekst fanget mellom tro og lammende tvil. Sluttresultatet av to fantastiske artister som jobber på toppen av spillet for å levere en glitrende klassiker fra amerikansk kino: En som formørker nesten alle filmer i sin sjanger (unntatt kanskje den samvittighetsløst grufulle 'Wake in Fright' eller Tobe Hoopers serendipitous tour-de -makt Texas motorsag massakre ). Rett og slett fantastisk.

64. Suspiria (1977)

For i drømmene våre går vi inn i en verden som er helt vår egen – J.K. Rowling. Og hva om en av kinoens mest forskrudde hjerner bestemte seg for å spraye underbevisstheten sin på et stykke film. Dario Argentos Suspiria anses å trosse filmatisk logikk med sin merkelig strukturerte historie. Men jeg tror det er et neo-ekspresjonistisk mesterverk som fanger den sanne essensen av kino, som er å få oss til å føle oss virkelig, virkelig i live. Argento forstår verdien av plass, og viser derfor større fokus på kinematografi og scenografi, som er de dominerende innbyggerne i filmen hans. ‘Suspiria’ representerer ikke bare Argentos stil, men hele italiensk skrekk, en sjanger pirret av kunstens estetikk.

63. En mann rømt (1956)

Upåklagelig presis og inspirerende økonomisk, Robert Bressons oh so rare bullseye ble slått med 1956s 'A Man Escaped'. Toppen av mannens mercurial krefter som filmskaper, følger den franske motstandsagenten Fontaines forsøk på å unnslippe et stadig farligere nazifengsel og finner mening i hver enkelt bilde. Fra den forbløffende menneskelige fremstillingen av hovedrollen av ikke-skuespilleren François Letterrier, hvis innsunkne kinn og utslitte øyne så overbevisende uttrykte den knusende vekten av å leve i krigstid, til Bressons minimalisme som klarte å dyrke en brennende intimitet mellom publikum og sa de desperate. mann: Fra hyppige POV-er og elegante komposisjoner som ikke overdrev teknikker Bressons omkringliggende arbeid har noen ganger druknet i. Jeg ville ikke kutte bort en eneste frame- og dermed fungerer filmen som en absolutt vital utdanningsmåte for spirende filmskapere: Å male noe så levende og tett uten at det noen gang føles anmassende.

62. To Kill A Mockingbird (1962)

I tider som disse finnes det ingen bedre film enn 'To Kill A Mockingbird' for å forklare nynazistene om den sanne betydningen av kaste, tro og rase. Satt i tidslinjene til et rasedelt Amerika, blir en afroamerikansk mann anklaget for å krenke beskjedenheten til en hvit kvinne. På toppen av rasemessig urettferdighet, når en domstol full av hvite mennesker nøler etter blodet hans, kommer det ned til én mann å kjempe mot hans sak. En hvit mann, kalt Atticus Finch. Han kjempet tappert for å fremføre det faktum at alle mennesker er skapt likeverdige i domstolen, enten det er farget eller ikke. Innsatsen hans går nytteløst, ettersom retten erklærer mannen skyldig. Men det som forblir tilbake hos seeren er leksjonen som Atticus Finch innprenter barna sine. Det vil si, 'du forstår aldri en person før du vurderer ting fra hans synspunkt'. Basert på Harper Lees bestselger med samme navn, er 'To Kill A Mockingbird' en av tidenes beste filmer.

61. Bakvindu (1957)

Det som skiller en mesterverk-thrillerfilm fra kloakkvannet som jevnlig hoper seg over oss, er at i sistnevnte kommer vendinger på et blunk, og hviler mer på sjokket vårt enn sannheten til vrien for å gjøre inntrykk. Men i filmer som «Rear Window» er små ting tydelig fra den gang rullestoldrevne profesjonelle fotografen L.B. Jeff Jeffries ser ut av bakvinduet og samler seg dråpe for dråpe til de flommer over, noe som får den uskyldige Jeff til å mistenke at en mann som bor på andre siden av gårdsplassen har begått et drap. Hitchcock bruker kameraet sitt mesterlig som en illusjonists verktøy for å holde seerne anspente, lurt og gjette inntil den kjeve avsløringen. Gjennom Jeffs besettende forfølgelse av emnet han er interessert i, kommenterer Hitchcock feilene ved voyeurisme, hvor fristende det kan være og dysterheten til ensom urban livsstil som fører til det. Enda mer utrolig er det like mye en kommentar om seerens voyeurisme som Jeffs; som vi er fengslet av Jeffs fengsling. Å se på når man ikke blir overvåket er en ond glede; Hitchcock vet det, beundrer det og trekker oss inn med det.

60. 4 måneder 3 uker og 2 dager (2007)

Noen filmer beveger deg; noen får deg til å le; noen knuser hjertet ditt. ‘4 Months, 3 Weeks and 2 Days’ tilhører en spesiell kategori filmer: de som gjør deg engstelig og nervøs. Som du ville ha gjettet er slike filmer sannsynligvis de sjeldneste av en sjelden rase. Filmen følger to venner som prøver å arrangere abort i det brutale kommunistregimet i Ceausescu i Romania. Visceral og kompromissløs, filmen griper deg i nakken og slipper deg aldri. Å se denne filmen er som å oppleve den magefølelsen du får når du nervøst venter på at en av dine kjære skal komme ut av en operasjonsstue etter operasjonen. Det er ikke bare realistisk kino på sitt beste; det er også en av de mest livsendrende filmene du noen gang vil se.

59. Siste år på Marienbad (1961)

Alan Resnais 'film fra 1961 'Last Year At Marienbad' er det nærmeste vi har kommet til å visualisere en drøm, og det er gjort på en så merkelig måte som mulig. Musikken som tar opp bakgrunnen for det meste av kjøringen fungerer som et beroligende middel som setter publikum i en somnolent tilstand. Til tross for dette er det stort sett umulig å holde øynene borte fra skjermen, fordi det skjer så mye gjennom hele bildet, selv om bare lite vises. Jeg liker å tenke på «Last Year At Marienbad» som en film forestilt fra underbevisstheten, på grunn av dens repeterende og forvirrende natur. Karakterene er også forvirret over den bisarre verdenen de har blitt satt inn i. Det er et modent og sofistikert stykke, og jeg synes kjerneplottet – som involverer en mann og hans forhold til en fremmed kvinne som han tydelig husker å ha møtt året før, selv om hun ikke husker det samme om ham – veldig oppslukende, original, lidenskapelig, romantisk, drømmeaktig og selvfølgelig strålende.

58. Ville jordbær (1957)

Har du noen gang vært på en biltur hvor du ikke har noe bedre enn å se ut av vinduet? I en viss tid stirrer du på utsikten utenfor, før tankene dine kommer farende og det som er utenfor nå bare er en mal – det holder ikke oppmerksomheten din lenger. Slik skjer det med Isak Borg, hovedpersonen i Bergmans klassiske stemningsstykke som har funnet sin plass på utallige lister over beste filmer gjennom tidene, inkludert en satt sammen av Stanley Kubrick i 1963. Han reiser sammen med sin svigerdatter for å motta graden av doktor Jubilaris fra hans alma mater. Hun liker ham ikke og planlegger å forlate sønnen hans. Men vår professor, som spilt av den briljante Victor Sjöström, er ikke særlig interessert i fremtiden. Tankene hans, og som en konsekvens av dette, kaster filmen, slynget av de mange menneskene han kommer over reisen sin, kun et lys på fortiden hans. Sett gjennom Bergmans tilgivende, trygge linse, er minnene hans enkle, kjente og menneskelige. De glorifiserer ikke livet hans eller avviser hans prestasjoner. De er rotete, som de fleste av våre og bevisst forvrengte. Når han endelig kommer til stedet for å bli tildelt æren, innser vi at han aldri trengte en belønning. Han fikk det allerede i de jordbærene han samlet sammen med sin barndomskjæreste, kjøpmannen som husket ham, det trøblete forholdet til kona, det gode og det onde, det forløsende og det utilgivelige. Det samme gjør vi, i form av denne mystiske, uforklarlige rørende filmen.

57. Spillets regler (1939)

Jean Renoirs geniale, bitende oppførselskomedie klarer å holde seg overraskende godt etter alle disse årene, samtidig som den forblir like leken og hjemsøkende som alltid. Den ble avvist på tidspunktet for utgivelsen av både kritikere og publikum, noe som resulterte i at Renoir kuttet ut en betydelig del av filmen etter den katastrofale premieren - en del som stort sett inneholdt karakteren til Octave, som ble spilt av Renoir selv. Knapt overraskende er dens vekst i vekst siden den gang. Filmen, i sin slu, autoritative sjonglering av karakterer, temaer, toner og setting, er alltid underholdende, men aldri mindre flittig eller mindre overdådig utformet enn verdens beste film fra denne perioden. Dens nøye smidde grafikk pulserer med raffinement, men innsatsen blir aldri sett, og filmen etterlater deg måpende i undring over hvor dypt viklet du var i dens dyktig bygde atmosfære. Kinematografen Jean Bachelet og Renoir leker med kameraet på en måte som gir filmen en luftighet, men deres nådeløse kontroll er det som gjør den til en konstant spennende satsning. Hvis alt dette ikke er tilstrekkelig, bør du vite at Alain Resnais en gang sa at filmen var den mest overveldende opplevelsen han noen gang hadde hatt på kino. Det ville være vanskelig å finne en mer glødende anbefaling.

56. Den tredje mannen (1949)

Film-noir er en sjanger assosiert med filmer som har overdådige mørke smug, hemmelighetsfulle, forførende karakterer, en følelse av mystikk og kremaktig svart-hvitt som dekker det hele. Selv om mange av disse bildene er spennende og byr på en god tid, er det få som prøver noe nyskapende og annerledes. The Third Man er en av de største film-noir-filmene som noen gang er laget, fordi den forteller sin forbløffende historie eksepsjonelt godt, ved å bruke imponerende nederlandsk tilt, slående lys og vakker musikk. Filmen har å gjøre med en mann og hans selvdrevne etterforskning av drapet på hans økonomisk velstående venn. Handlingen til Den tredje mannen er foret med romantikk, mørk humor, vendinger og spenning. Innerst inne kan filmen kalles en søt kjærlighetshistorie, men med alt annet slengt inn, overlates denne forelskelsen til tvil. Med et mesterlig skrevet manus, er Carol Reeds magnum opus en som holder deg på kanten av setet hele veien fra den ydmyke, letthjertede første akten til en slutt som meget vel kan være den smarteste finalen til ethvert bilde. vil noensinne se.

55. Cries and Whispers (1972)

Ingmar Bergmans tragiske familiedrama handler om en tristhet som er både ulastelig desperat og febrilsk presserende. Det er ikke tålmodig bygget scene for scene og levert på et fat til slutten. Du er skapt til å inhalere det helt fra åpningen av filmen som introduserer hovedspillerne og deres forherdede, brennbare sorg med nydelige nærbilder som gjør deres kvelende ubehag tydelig tydelig. Alt dette er dekket av en uforsonlig mengde rødt, i form av det karmosinrøde som veggene i huset historien utspiller seg i er malt med. Bergman gjør oss bevisste på dødsstanken som omgir kvinnene med en så imponerende retning at et faktisk dødsfall ikke er grunn til bekymring. Kvinnenes iboende voldelige lengsel gjorde alt i filmen til et hjemsøkende, blodgjennomvåt minne i mitt sinn. Sven Nykvists konsekvent fascinerende visuelle er temperert av Bergmans subtile forfatterskap og skuespillernes mesterlig innlevde prestasjoner. Den lysende Liv Ullman ser ut til å mystifisere og trollbinde hver gang kameraet er på henne, mens de vantro Ingrid Thulin og Harriet Andersson er så unyanserte i sitt arbeid at det føles invasivt å komme i kontakt med følelsene deres. Bergman gir oss ikke klare ideer å ta med hjem, men nekter oss alle andre sensasjoner enn de karakterene hans opplever. Vi lurer på hvor langt hans tilgang til følelsene våre strekker seg, og han utvider den ved hver sving. Til syvende og sist er ikke 'Cries and Whispers' å tro, det skal leves.

54. Once Upon A Time In The West (1968)

Kanskje er det Morricones hjemsøkende partitur eller kanskje Delli Collis visjon som er like stort som Vesten, eller kanskje det ubøyelige gruset som pulserer i øynene til Bronson og Fonda, og kanskje er det kulminasjonen av alle disse aspektene i nesten alle bilder av maestroen, Sergio Leone . Hvis du trenger en western som har både John Fords skjønnhet og Sam Peckinpahs uforsonlige villskap, så er det rett og slett ingen i nærheten av Leone. I magnum opus oppnår han det som tok ham 3 filmer tidligere, for å skape en mystisk verden midt i ingensteds. Selv om det kanskje ikke er noe åndelig på overflaten, har filmen guder. Guds sportslige kroner fylt med 10 liter krutt, og grus som de svelger med vann. Dessuten var Henry Fondas rollebesetning som antagonist sannsynligvis det tiårets avgjørelse, ettersom de iskalde øynene hans var ulikt noe Vesten noen gang hadde vært vitne til.

53. Annie Hall (1977)

Ingen kan påstå å forstå den forvirrende, altoppslukende gåten som er kjærlighet som Woody Allen. Og ingen Woody Allen-film er i nærheten av å vise den i sin genuine, sære herlighet enn denne historien om Alvy Singer, en nevrotisk, nihilistisk komiker i New York som forelsker seg mer enn forelsket i den sprø, flyktige, muntre Annie Hall, og faller så ut av det. Filmen utforsker også kjønnsforskjeller i seksualitet gjennom Alvys og Annie 'Yin and Yang' slags forhold. På slutten aksepterer selv Alvy kjærlighet som irrasjonell og gal og absurd, men nødvendig i livet. Bruken av flere innovative narrative teknikker, som improvisert brudd på den fjerde veggen, rask veksling av fortid og nåtid gjennom jevne kutt, visning i undertekster hvordan Alvy eller Annie føler seg mens de faktisk snakker noe helt annet, og tillegg av en ' historie i en historie' som klimaks, heve den allerede engasjerende historien. ‘Annie Hall’ er sannsynligvis den første virkelig modernistiske romantikken på celluloid og har inspirert en generasjon romantiske komedier i stedet. Ingen er så sjarmerende som den de prøver å etterligne.

52. M (1931)

Begynnelsen av stemmeopptaksteknologi, et fenomen som mastetoppen sto som «The Jazz Singer» fra 1927, førte til en absurd metning av dialog i filmer. Teknologien ble tatt for gitt som en direkte oppgradering, snarere enn et verktøy som skulle brukes sammen med det etablerte filmspråket. Fritz Lang, en mann som begynte sin karriere i stum kino med en rekke mesterlige verk, inkludert Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen og den eksepsjonelle Metropolis. Hans migrasjon til lyd nådde toppen i 1931s 'M' - en film som i motsetning til alle omkringliggende kilder hadde fjernet nesten all omgivelsesstøy. Resultatet er en stille talkie med en overveldende livløs atmosfære: En som så effektivt underbygger fortellingen. Den aktuelle historien slår ut mot en barnemorder og inkompetansen til den tyske regjeringen når det gjelder å fange ham – og danner deres egen kengurudomstol for å straffe morderen. Det Lang kommuniserer her er av en utrolig modenhet i budskap: Rettferdigheten som fortjener å bli servert fullstendig undergravd av datidens politiske kontekst – med nasjonalsosialistpartiets nedtegnede politikk for dødshjelp og stadig mer voldelige idealer som manifesterer seg som en ond svulst på folkets anklager. . Peter Lorres opptreden, rik på patos og torturert humanisme, hjelper til med å slå inn det dype bedraget til ‘M’ – en som forblir uendelig rørende selv den dag i dag.

51. 12 Angry Men (1957)

Svaret på om gutten var skyldig eller ikke, får vi aldri vite. Men én ting 12 Angry Men bekrefter er at logikken alltid vil seire over intuisjonen, hvis det er én tilregnelig mann midt i en verden av idioter. Og er dårskap en sykdom eller bare et biprodukt av uvitenhet? Sidney Lumets drama ber deg ikke om å bruke hjernen over hjertet, men streber etter å nå et punkt hvor du kan ta en avgjørelse, og begge jobber sammen. Sammen med det medrivende manuset, som er stolt i læreplanen til alle filmskoler rundt om i verden, er kameraarbeidet og iscenesettelsen rett ut av en japansk New Wave-klassiker. 12 Angry Men kan skryte av en uforglemmelig opptreden fra ensemblebesetningen, og er et monument for amerikansk kino.

50. City Lights (1931)

Ikke mange tidlige filmskapere har den anerkjennelsen og populariteten i dagens kultur som Chaplin nyter godt av. Dette kan skyldes mange årsaker. Filmene hans snakker til alle mennesker og er utrolig morsomme, men mer enn det ser historiene hans på melankolske situasjoner i et humoristisk lys. Slik er det med det som sannsynligvis er hans mest personlige bilde, 'City Lights', som forteller historien om en tramp og hans innsats for å imponere og hjelpe en stakkars blind blomsterjente. Han gjør det under en fasade, og utgir seg for å være en rik mann for å fange oppmerksomheten hennes, men får problemer mens han gjør det. Når en film fortsetter å være like morsom og rørende i dag som den var for over 75 år siden, betyr det vanligvis at det er noe den gjør riktig. 'City Lights' har satt sitt preg på verden med sin skildring av fattigdom og liv i de harde årene av depresjonen, som er så godt utført og følt at den aldri svikter å bevege publikum, samtidig som den gir dem håp om en bedre morgendag.

49. Kom og se (1985)

Den siste halvdelen av et utrolig dyktig filmlag, regissør Elem Kilmov, var gift med Larisa Shepitko – den lysende virtuosen bak ‘Wings’ og ‘The Ascent’. Da hun så dessverre døde i en bilulykke, fullførte Kilmov arbeidet med sitt eksepsjonelle uferdige prosjekt 'Farvel' (som lett kunne tatt denne plassen) - og jeg tror det som gjør all denne konteksten så sterk er måten mannens sorg blør inn i. hver ramme av arbeidet hans. Kilmovs kino syder av uuttrykt raseri og desperasjon: Hulking i sin egen overveldende tyngde av følelser – og få filmer som noen gang er laget har pulsert med en så sterk følelse som Kom og se . Uten tvil beste krigsfilm noensinne laget, dens helvetes skildring av Wehrmacht-invasjonen av Hviterussland ekko med øredøvende eksplosjoner, marerittaktige bilder og en verden som sakte tappes for liv – scenene er tatt i et nydelig, hult lys. Likevel, i all denne kvalen, finner Kilmov veien til forståelse i sin transcendentalt modne konklusjon. Kanskje, i sin forpliktelse til å tenke på livets uforgjengelighet, finner han endelig styrken til å begrave beinene til sin avdøde kone. Man kan bare håpe.

48. The Seventh Seal (1957)

Fra de aller første bildene av Bergmans ikoniske dokument om tro, frykt og tilfredshet, er det en trolldom på deg. Det grelle, kornete blikket på havet, kysten og på den en modig ridder og hans skjebnesvangre møte med personifiseringen av døden definerer filmens klarhet i objektivet, selv om det gir rom for en forførende, nesten skremmende tvetydighet å være til stede konstant. Dra nytte av en magnetisk opptreden fra den uforlignelige Max von Sydow og et band med skuespillere som løfter Bergmans forbløffende materiale, basert på hans skuespill, Wood Painting, til uventede nivåer, har 'The Seventh Seal' på sine magre 90 minutter innflytelse fra en gammel fabel gått i arv gjennom generasjoner som driver fantasien langt mer ekspansiv enn den selv kan håpe å inneholde. Gunnar Fischers glitrende, skarpe svart-hvitt sørger for at den opprivende intensiteten kryper under huden vår. Den strømlignende flyten er et resultat av en fortelling utfoldet med sublim selvtillit og en håndgripelig ujevnhet. Det kan være en ganske enkel historie, som likevel har verdifulle ideer i sin barm, men den er sydd med et stoff som er så intrikat og dristig, at du ikke kan la være å se på det om og om igjen for at det skal oversettes til et varig minne.

47. La Dolce Vita (1960)

Fellinis forsiktige, tålmodige og poetisk myknede virtuos vises for fullt i hans Gullpalme-vinner som i sin sjelfulle og skyggefulle glamour fanger en livsstil som virker for unnvikende og på noen måter altfor ekte. Tempoet understreker hovedpersonens følelse av målløshet og tvinger oss til å bade i det symfoniske arrangementet av livets liv og hvor flyktig det hele er. Denne hovedpersonen spilles av en karrierebeste Marcello Mastroianni, som bruker denne tidens gave til å fylle øynene hans med en uimotståelig verdenstretthet. Å stille spørsmål ved betydningen av visse deler av «La Dolce Vita» som kan virke blottet for filosofisk betydning eller narrativ relevans, er å avvise muligheten for å la de pikante detaljene skylle over deg og deretter tenke på konsekvensene. Mens Nino Rotas himmelske partitur fører oss inn i Romas svimlende verden, sett gjennom Fellinis illusoriske øye, ser du bare det han vil at du skal se, og det blir raskt det du også vil se.

46. ​​Psycho (1960)

Mennesker kan i beste fall beskrives som særegne. Menneskesinnet som er i stand til mange forbløffende ting, er også i stand til å degenerere seg selv til det hinsides fatteevne. Alfred Hitchcocks 'Psycho' trenger ingen introduksjoner da den holder hodet høyt, midt i tidløse kinoer. Bortsett fra å være en klassiker, er det også en trist kommentar til menneskers sviktende moral. Og det er ikke Norman Bates bry deg! Det etsende grepet til Mrs. Bates som satte Normans liv i dvale gjennom barndommen og til slutt voksenlivet, er en påminnelse om hvordan kjærlighet kan være kvelende. Berømt, Mr. Hitchcock vedtok merkelige retningslinjer for 'Psycho', som inkluderte å ikke tillate sene deltakere i filmen. Den ble vedtatt for å sikre full rettferdighet til filmens pulserende klimaksscene. En thriller til sin sanneste form, 'Psycho' er en historie om en sønn, hans mor og deres usunne bånd av besittelse. Hitchcock var så hardt bevoktet av finalen at han promoterte filmen denne taglinen – Ikke gi bort slutten – Det er den eneste vi har!

45. Solaris (1972)

Tarkovskys 'Solaris' er ganske lik fenomenene som er avbildet i filmen. Fra å forvirre meg med dets dypt forankrede konsept, til å utvikle meg til en enhet jeg ikke kan skille meg med, er det en opplevelse som får meg til å undre meg over den uvitende naturen til hvert molekyl som utgjør universet. Vi er kanskje klar over de vitenskapelige dimensjonene, men kan et hvilket som helst instrument beregne mengden kjærlighet eller sorg man har i et nanogram av hjertet? Kan noe finne hjernecellen der et uforglemmelig minne bor? Fra Bachs trollbindende musikk i åpningssekvensen til den flerårige motorveiscenen, er Tarkovskys bruk av tid for å løsrive betrakteren fra hvordan en normal verden fungerer, mesterlig. Solaris er et rike hvor følelser sender deg en tur med galskap, men hvem ville ikke føle følelser når galskap er vakkert å ta på, og visceralt nok til å frikjenne deg fra deg selv.

44. Schindlers liste (1993)

En viktig film som drar stor nytte av Spielbergs teft for det dramatiske, den er en like urovekkende og følsom opplevelse i seg selv. Filmen er, som mange andre på denne listen, en mesterklasse i noe jeg liker å kalle forenklet, slagkraftig historiefortelling. Fortellingen følger Oskar Schindler, en tysk forretningsmann som reddet livene til mer enn tusen jøder ved å ansette dem i fabrikkene sine under Holocaust. Alle de tre hovedrollene, Liam Neeson som Oskar Schindler, Ralph Fiennes som Amon Goth og Ben Kingsley som Itzhak Stern, er i fantastisk form, og leverer de mest oppriktige forestillingene. Spesielt en scene mot slutten av filmen, der Schindler bryter sammen med tanke på hvor mange flere liv han kunne ha reddet, er dypt rørende og forblir etset inn i tankene mine som en av de kraftigere, hjertegjengivende scenene på kino. At filmen ble skutt i svart-hvitt, med sjelden, sporadisk bruk av farger for å symbolisere eller fremheve et viktig element, øker opplevelsen. Enkelt, Spielbergs beste film, forblir den en viktig filmopplevelse.

43. Lawrence of Arabia (1962)

Kino som medium blir stadig større. Med banebrytende teknologi til rådighet, tilbyr dagens filmskapere oss noen viscerale filmopplevelser. Men det er noen filmer laget før CGI var på moten, hvis store og monumentale skala ikke har funnet en likemann. David Leans episke historiske drama basert på livet til T. E. Lawrence , en av Storbritannias mest kjente skikkelser, er en slik film. Den spiller Pater O'Toole som Lawrence og forteller om eventyrene hans på den arabiske halvøya under første verdenskrig. Helt fra starten maler David Lean et strålende bevegelig bilde av den uendelige ørkenen i all sin prakt, hjulpet av kinematograf Freddie Young og et gripende partitur av Maurice Jarre. Men det ofrer på ingen måte følelser for ekstravaganse. I hjertet er 'Lawrence of Arabia' en fantastisk karakterstudie av Lawrence – hans emosjonelle kamp med den personlige volden som er iboende i krig, hans egen identitet og hans splittede troskap mellom hjemlandet Storbritannia og dets hær og hans nyfunne kamerater innen de arabiske ørkenstammene. Denne sunne kvaliteten gjør 'Lawrence Of Arabia' til en av de mest innflytelsesrike filmene som har eksistert.

42. The Searchers (1956)

Uten tvil den beste westernfilmen som noen gang er laget, den fineste filmen i John Fords store karriere, 'The Searchers' er en amerikansk klassiker, blant de fineste filmene som dukket opp fra femtitallet. Selv om den ble beundret og respektert på den tiden, ble dens rivende, svimlende kraft ikke anerkjent på noen få år, men på begynnelsen av syttitallet ble den hyllet som en klassiker i sjangeren og kanskje den fineste western som noen gang er laget. Tiden har absolutt erodert noe av filmens kraft, men ikke den ruvende, rasende prestasjonen fra Wayne, eller rasismen i filmen som gir næring til sinne og raseri. Den drivende fortellingen om filmen, Ethan og hans søken er tidløs, like kraftfull i dag som den gang, kanskje mer fordi så mange av de subtile historiene er klare.

41. Pather Panchali (1955)

Filmen som brakte frem indisk kino til verden og ga kino en av de beste forfatterne, Satyajit Ray. Basert på romanen til Bibhutibhusan Bandopadhay, forteller 'Pather Panchali' historien om en fattig familie som prøver å trives gjennom livets mange motgang. Man kan hevde at det romantiserer fattigdom, ettersom seeren er vitne til de mange prøvelsene som familien står overfor, og tjener sitt levebrød. Til tross for det er det øyeblikkene, ispedd maestroen Ravi Shankars musikk som forblir hos betrakteren. Det kjærlige forholdet mellom Appu og søsteren hennes Durga, togsekvensen, som er et av høydepunktene i filmen, tar filmen til et helt annet nivå. «Pather Panchali» har i løpet av årene blitt en av kultfilmene og har regelmessig innslag på listene over de beste filmene gjennom tidene, og fortjent det.

40. Casablanca (1942)

Den typiske amerikanske klassiske filmen. Det er kanskje noe så smittende med sjarmen at du fortsatt blir forelsket i den, selv i alle disse årene. Bortsett fra den enorme re-sebarhetsfaktoren, gir dens minneverdige partitur (As Time Goes By!) og suveren siterbare dialog en sterk sak. Enkelt sagt, det er en godbit når alle elementene til en flott filmopplevelse er til stede i akkurat de riktige mengder!

Historien er mildt sagt enkel, nesten på grensen til banal til tider. En kynisk, knust mann som driver den mest kjente nattklubben i Casablanca, befinner seg ved et veiskille når damen han elsket dukker opp sammen med mannen sin. Handlingene her er de berømte transittbrevene, men historien handler rett og slett om de to elskerne satt på bakgrunn av de tidlige stadiene av andre verdenskrig, og den tøffe avgjørelsen som Bogarts karakter står overfor, om å henge på eller gi slipp. Men som med mange filmer av denne sjangeren, gjør utførelsen susen, og forvandler «Casablanca» til et av tidenes mest overbevisende romantiske dramaer som også er utrolig godt spilt; Humphrey Bogart og Ingrid Bergman er på topp, og støttes dyktig av spillere som Paul Henreid, Claude Rains og Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Når man ser på kino som en kunstform, er det ikke til å nekte Barry Lyndons perfeksjon, fra vakker kinematografi, fascinerende kulisser, enestående musikk til kraftig regi. Som en historie snakker den om livet til en ung mann i Europa fra 1700-tallet mens han klatrer opp trappene mot aristokrati, bare for å bli ført ned igjen av sin dårlige skjebne. Bildet har i seg selv noen av de største scenene som noen gang er filmet, og gjør overveldende bruk av lys, farger, fysiske trekk osv. Det finnes ingen bedre måte å oppsummere livet til en person enn å se objektivt på det, og det er det som denne filmen har gjort ved å bruke en upålitelig forteller. Det er kaldt og fjernt, og gir sjelden publikum en sjanse til å føle med hovedpersonen. Fra dette perspektivet, Barry Lyndon er en overdådig karakterstudie, med rike karakterer, et realistisk preg og en poetisk måte å formidle følelser på. Det er rett og slett kino på sitt beste.

38. Generalen

En av de eldste titlene på listen, 'The General', tjener som en påminnelse om at mangt moderne actionmesterverk sitter i et veldig langt skyggekast av ingen ringere enn det tause komediegeniet Buster Keaton. Med et oeuvre like imponerende som Charlie Chaplin, bytter sistnevnte kunstners elskelige tramp plass med en kavalkade av herlig klønete karakterer i Keatons tilfelle; alt omgitt av strittende filmatisk nysgjerrighet som strakte grensene for mediet i filmer som Sherlock Jr. og The Cameraman. Alt dette uten engang å nevne hans magnum opus, The General fra 1927: Etter en konføderert ingeniør som skynder seg for å advare sin side om de fremrykkende unionstroppene under den amerikanske borgerkrigen. Dens fortelling danner en mal for George Millers nylige «Mad Max: Fury Road» og stort sett alle katt-og-mus-filmer som noen gang er laget, som varer med sin morsomme komedie, imponerende spesialeffekter og bravad stuntverk som gjør at Keaton setter livet sitt mer i fare. enn en gang alt for beundring av hans kjærlige publikum. The General er fortsatt en av, om ikke den, fineste actionfilmen som noen gang er laget – en som har det gøy med hver eneste unse av sitt vesen og klarer å tilkalle like mange ypperlig håndterte øyeblikk av episk skala for å konkurrere med enhver CG-ladet boltre laget i dag.

37. Blow Up (1966)

Tiden ? Det svingende sekstitallet. Plassen? London. Byen som blender og raser. Levende og glamorøst. Sex, dop, og rock'n'roll. Alt i alt, en dag i livet til Thomas, en motefotograf som lever et liv med, vel la oss si tvilsom moral. På en dag full av hendelser, mens han går gjennom fotografiene av et par som han fanget ganske i det skjulte i en park, oppdager han en død kropp i den. Han drar til samme sted og finner liket som mannen fra paret. Redd, kommer han tilbake til studioet sitt for å finne det ransaket, men med ett bilde igjen, det av den døde kroppen. Dagen etter forsvinner kroppen. Hvem drepte ham? Og hvorfor forsvant kroppen? Hvorfor følte Thomas at han ble fulgt? 'Blow Up' er regissøren Michelangelo Antonionis klasseskuespill som har inspirert mange filmskapere gjennom årene, inkludert Brian De Palma og Francis Ford Coppola.

36. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2003)

Den svimlende, surrealistiske åpenbaringen av kjærlighet og hjertesorg har aldri blitt utforsket på den måten og i den grad av suksess som «Eternal Sunshine of the Spotless Mind» gjør. Frodig med vakre bilder og oppfinnsomt partitur som ligner på lydspor fra en stille tid, er det umulig å forklare alt om 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Ingen tvil om at filmen er lagdelt med en vanskelig å følge fortelling - selv om det faktisk er enkelt når du begynner å følge - det er en av de filmene som er rikt givende rett og slett fordi du ikke kan stoppe deg selv fra å svime over det svært gjennomtenkte konseptet og dypt rørende film som det er. Men den virkelige stjernen i showet er forfatteren, Charlie Kaufman , som i form av ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, meget vel kunne ha skrevet det mest dypt briljante manus noensinne i filmhistorien. En film som ikke bare er unik på sin egen måte, men som også kan ses på nytt i det uendelige med noe nytt å finne i hver visning.

35. Taxisjåfør (1976)

I 'Taxi Driver' gir Martin Scorsese oss en av de mest forstyrrede, usannsynlige, men likevel snodige hovedpersonene i vår tid i Travis Bickle. Filmen følger ham mens han blir drosjesjåfør for å takle søvnløsheten og ser ham sakte overvinnes av all galskapen i byen rundt ham. Den virkelige måten Taxi Driver vinner på som film er hvordan den lykkes med å snike seg opp på deg, sakte jobbe seg gjennom sluken og redselen som ser ut til å krenke Travis Bickle. I det fortjener den med rette sin utmerkelse som en psykologisk thriller mer enn et drama, og jobber ofte på flere nivåer enn bare de to. Filmen kan være en urovekkende se for noen, på grunn av dets mørke motiv, en enda mørkere behandling og en håndfull vold, men for seere som er villige til å se forbi den, er den intet mindre enn et strålende forsøk på å forstå delen av filmen. menneskelig psyke som oftest stammer fra seg selv i form av årvåkenhet. Jeg mener, hvem funderer ikke over å reise seg til vår tids ukorrekthet og gi den tilbake? Det er den dyptliggende drømmeoppfyllelsen som 'Taxi Driver' leker med på en svært effektiv måte. Filmen er nå ansett som en av de viktigste filmene som noen gang er laget og introduserte verden for kraften som var Scorsese.

34. Paths Of Glory (1957)

Før Stanley Kubrick marsjerte videre for å utforske de uforklarlige aspektene ved samfunnet som ikke bare overskredet tiden, men også seernes forventninger fra seg selv, laget han dette medrivende krigsstykket som jeg rangerer ved siden av 'Come and See'. I motsetning til sistnevnte, henter Paths of Glory sin hjerteskjærende gjengivelse av WW fra den samme grunnheten av menneskeheten, som dominerte Kubricks sistnevnte verk. I Kubricks verden er ikke demonene dekket av blod og gjørme, men med medaljer og stolthet, og helvete fordyper seg på de helligste steder, domstolen. På et tidspunkt da industrien hadde tatt i bruk den attraktive 3-stripen, malte Kubricks monokrome krigen med en enkelt nyanse. Likene, fillene, brakkene, røyken, asken, alt kamuflert med det vanlige synet av urovekkende smerte.

33. Tre farger: rød (1994)

Den tristeste delen av en kunstners bortgang er når du tror at deres endelige verk tilfeldigvis er deres største noensinne. Dette var tilfellet med den polske forfatteren Krzysztof Kieslowski og hans siste film 'Red'. Kieslowski hadde allerede annonsert at han trakk seg fra filmskaping etter filmens premiere i Cannes i 1994, men det er hans tragiske bortgang nesten to år etter at han kunngjorde pensjonisttilværelsen som gjør det enda mer trist. 'Red' er siste avsnitt i hans høyt anerkjente 'Three Colours'-trilogi og handler om en ung kvinne som kommer over en gammel mann etter at hun ved et uhell slo hunden hans med bilen hennes. Den gamle mannen er en pensjonert dommer, løsrevet fra livet og alle slags følelser og bruker tiden sin på å spionere på andre mennesker. Et usannsynlig bånd med subtile romantiske undertoner utvikler seg mellom de to. 'Rød' ​​handler om tilfeldigheter og tilfeldigheter som rammer oss hver dag, og vår manglende evne til å gjenkjenne skjønnheten og betydningen av det. Det er en uforklarlig følelse av melankoli som går gjennom hele filmen om tragedien om menneskelig skjebne og tid og hvordan vi som mennesker i verden alle er forbundet på en eller annen måte. 'Red' er en forbløffende bragd innen filmskaping og er rett og slett en av de største filmene som noen gang er laget.

32. The Treasure of Sierra Madre (1948)

Som navnet antyder, forbinder vi ofte skattejakt med det pulserende eventyret og adrenalinrushet knyttet til det. Men svært få historier er det som snakker om følelsene som folk gjennomgår mens de legger ut på en reise for å få det gullet. Det sies ofte at motgang får frem din sanne karakter. ‘The Treasure Of Sierra Madre’ forteller en historie der begjæret etter gullet bringer ubehagelige endringer i karakterene, som til slutt resulterer i deres individuelle øde. Mens fokus er på grådigheten som ødelegger samvittigheten, er det studiet av menneskelig karakter under ugunstige situasjoner som forblir hos seeren. En tragisk fortelling om grådighet og svik, denne filmen vant akademiprisen for beste regi, best tilpassede manus og beste mannlige birolle. Over år har dette blitt en kultklassiker for filmelskere over hele verden.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fiction, et begrep som er betegnet med magasiner eller bøker som fremhever over toppen vold, sex og kriminalitet. Disse elementene fikk magasinene til å selge som varme pannekaker. Tarantino tok disse elementene, blandet dem rundt tre historier og skapte en fortelling som ikke var mindre enn et filmgeni. En av de mest unike popkulturfilmene som har blitt laget, seeren blir introdusert til verdenen til mob-hitman Vincent Vega, hans partner i kriminalitet og motormunnen Jules Winnfield, gangsterens kone Mia Wallace, bokseren Butch Coolidge og blir imponert med sin stilige behandling av kriminalitet og vold. Et av de viktigste aspektene ved filmen som bidro til suksessen var Samuel L Jacksons opptreden. Som leiemorderen Jules Winnfield som siterer bibelvers som punchlines, var han fenomenal. En av de største filmene i denne epoken, 'Pulp Fiction' har blitt en lærebok for ambisiøse filmskapere over hele verden.

30. Slaget ved Alger (1966)

Få filmer har brukt politikkens byrde på en måte som beriker deres filmatiske effekt, men overlat det til den sleipe, brennende italienske maestro Gillo Pontecorvo å ta det fortsatt ulmende flammepunktet fra slutten av 50-tallets franske koloniale undertrykkelse av det algeriske folket og gjøre det til noe helt overbevisende. De fortsatt prekære parallellene Pontecorvos beundringsverdig nøytrale observasjon av terror og terrorisme begått av begge sider trekker i dag, gjør det å oppleve 'Slaget om Alger' til en fascinerende intellektuell utfordring for vår forståelse av svart-hvitt krigføring, a-la Miklós spiddende kulde. Jancsós uutslettelige filmografi. Dessuten er dens nyhetsklippsredigeringsteknikker et landemerke innen filmisk kommunikasjon, og i mitt sinn har de brukt Nouvelle Vagues hektiske klippeteknikker mye sterkere enn mange av dens utforskende mastheads. En gang sett, aldri glemt - 'Slaget om Algiers' er ganske enkelt et banebrytende stykke verdenskino.

29. Goodfellas (1990)

Det er en regissørs drøm å skape en filmepoke til perioden den er laget i. Men for Martin Scorsese er det en vane. For hvert tiår han har vært A-liste, har han laget en film som anses å være blant de største i perioden. Han laget 'Taxi Driver' på 1970-tallet, 'Raging Bull' på 1980-tallet, 'Goodfellas' på 1990-tallet, 'The Departed' på 2000-tallet og 'The Wolf Of Wall Street' på 2010-tallet. Og det er gangsterdramaet fra 1990 basert på den sanne historien om gangstermedarbeider Henry Hill som ble en av referansene i sjangeren. Filmen, fortalt i første person av Hill, skildrer hans oppgang og fall som en del av New Yorks mafia fra 1955 til 1980. I motsetning til all gangster-ekstravagansen i 'Godfather' eller 'Scarface', handler 'Goodfellas' om autentiske detaljer fra det daglige gangsterlivet, med fokus på like mye fokus på Hills forhold til kona Karen som hans bedrifter med gjengkameratene. Men Scorsese bruker alle pilene i koggeren av triks for å gjøre denne affæren fristende, som dette legendariske lange sporingsskuddet , noen minneverdig dialog og en eksplosiv handling av Joe Pesci som Tommy DeVito, Hills stormfulle medarbeider. Når det kommer til krimsjangeren er ‘Goodfellas’ så god som den blir.

28. Raging Bull (1980)

Martin Scorsese er kjent for å skildre historier om ødelagte, mangelfulle, ofte selvdestruktive hovedpersoner i filmene sine. Og han har ofte gjennomsøkt historiens annaler for å finne sine falne helter i sanne historier. «Raging Bull» er livshistorien til den legendariske bokseren Jake LaMotta, hvis selvdestruktive og besettende raseri, seksuelle sjalusi og dyriske appetitt, som hadde gjort ham til en mester i ringen, ødela forholdet hans til kona og familien. Filmen er helt og holdent skutt i svart-hvitt, for å virkelig skildre epoken den ble satt inn i og den mørke, deprimerende stemningen den definerte. Scorsese forventet at dette skulle bli hans siste prosjekt. Dermed var han møysommelig krevende i sin filmskaping. Like dedikert var Robert De Niro, som spiller hovedrollen. Han gikk opp 60 pund og trente faktisk som bokser. Han nyter LaMottas kortsmeltede manerer med brennende perfeksjon mens han fordyper seg fullstendig i karakter. Han fikk en fortjent for sine problemer. Dette er Scorsese-De Niros største triumf. En intens, kraftig magnum opus.

27. The Godfather: Part II (1974)

I historien til andre omganger har få filmer vært kjent for å leve opp til den førstes ære, la være å overgå dem i noen aspekter. Hvis det lages en liste med slike filmer, vil «The Godfather: Part II» være kronen på verket. Å leve opp til arven fra den første var en enorm oppgave i seg selv, men denne fortsettelsen av «The Godfather»-sagaen lyktes ikke bare med det, den utvidet også arven til å bli en del av den største amerikanske historien om organisert kriminalitet som noen gang er fortalt. Filmen presenterer to parallelle fortellinger; den ene omhandler Michael Corleone som den nye lederen av Corleones «familiebedrift», den andre viser frem en utmerket Robert De Niro som en ung Vito Corleone, og hans maktovertakelse. De to historiene er dyktig vevd, og gir en lokkende fortelling som ikke løser grepet om betrakteren en gang. Al Pacino gjør noe av sitt beste her, hans nyvunne blikk tygger nesten opp naturen hver gang han dukker opp på skjermen. En av de nesten perfekte filmene som kan sees uavhengig av tid, sted og din siste visning, og du ender fortsatt opp i total underkastelse og ærefrykt for den. Hvis del I er det hellige alteret, er del II brødet og vinen.

26. A Clockwork Orange (1971)

Det første som sannsynligvis kommer til tankene når du blir bedt om å beskrive denne filmen med ett ord, er 'forstyrrende'. Den eneste filmen på listen jeg tør å se på nytt, jeg tok meg selv i å vippe flere ganger mens jeg så denne filmen. 'A Clockwork Orange' er sosial kommentar på sitt mest kompromissløse, og gir sterke bilder som man kanskje aldri kommer seg etter. Det er mørkt, det er vridd, og det gir ikke forløsning for de som søker det i en film med sannsynligvis den dystreste gjengivelsen av en dystopi i samfunnsmessige termer. Og der, tror jeg, ligger filmens suksess med å drive et urovekkende budskap hjem. Ukonvensjonelt på noen måte du kan forestille deg, det gir oss hovedpersoner som er ondskapsfulle til kjernen og hengir seg til handlinger med ultravold og voldtekt; den kommenterer tingenes sosiopolitiske tilstand på den tøffeste måten du kan forestille deg, setter deg i en tilstand av forvirring når Alex DeLarge (spilt av en karismatisk Malcolm McDowell) blir utsatt for umenneskelige måter å rekondisjonere på og ender med å forlate publikum i en Farrago av alle tingene denne urovekkende opplevelsen får deg til å føle på en gang. Virkelig et verk av kubrickske proporsjoner.

25. Vertigo (1958)

Historien om 'Vertigo' går slik - tidligere detektiv Scotty (James Stewart) lider av akrofobi på grunn av en hendelse som skjedde i tjenesten. Han blir oppsøkt av en gammel venn for å holde øye med kona Madeleine som han mener er besatt. Til å begynne med skeptisk, blir Scottie snart selvdestruktivt besatt av den pene damen, som ser ut til å være mye mer enn hun tillater. Alfred Hitchcocks glans ligger i det faktum at hans største filmer, spennende å se første gang, ser ut til å åpne et nytt lag av forståelse for seeren ved hver påfølgende titt. Jada, med et overfladisk blikk, 'Vertigo; er et godt utformet psykologisk mordmysterium. Men mens du ser det om og om igjen, begynner temaene om mannlig aggresjon og konstruksjon av kvinnelig bilde i en manns sinn å utfolde seg som en uendelig boks og oppsluke deg. Sannsynligvis den mest aldrende filmen som noen gang er laget, den sakte brennende glansen til Vertigo vitnes om av det faktum at filmen blir ansett for å være en av de beste filmene som noen gang er laget, når den åpnes for blandede anmeldelser. Et mesterverk fra thrillerens mester.

24. Hiroshima, min kjærlighet (1959)

'Hiroshima mon amour' er født fra sinnet til den franske venstrebreddsvisjonen Alain Resnais, og er en film som gråter av transcendental kraft. Historien om tid flettet sammen med minnet og arrdannelsen til begge som fant sted i Hiroshima under andre verdenskrig, fortalt gjennom to personer – en fransk og en japansk – mens de forsøker å sette sammen det rådende budskapet om ødeleggelsene som ble forårsaket der. Bortsett fra at det ikke er noe å hente, intellektuelt eller følelsesmessig, på en slik dårskap. Det er et stykke arbeid gjennomsyret av internasjonal sorg – som strekker seg lenger enn selve konflikten og inn i sannhetene og undertrykkelsene som hjemsøker mennesker hver eneste dag. Gjennom gjenklangen fra atomeksplosjonen finner vi en liten del av det som er så galt med oss ​​selv. Det faktum at Resnais ganske enkelt forstår denne urørlige forvirringen, i stedet for å prøve å fikse den, er det som gjør ‘Hiroshima mon amour’ til et av kinoens store mesterverk.

23. At Random Balthazar (1966)

Robert Bressons øde mesterverk er en følelsesøvelse. Den styrer unna å definere en tydelig hovedperson eller et sentralt tema med mindre du teller den mirakuløse naturkraften som er Balthazar, og hvis du tar filmen for pålydende, gjør du det ikke. Men hvis du lar ham være ditt tilgangspunkt til filmens emosjonelle og tematiske landskap, er det vanskelig å komme tilbake fra det ubelønnet. Balthazars særegne, magre og kule visuelle stil virker nesten glamorøs i ettertid; dens rolige skjørhet pakket inn i en resignert, enestående klok følelse av kontroll. Til og med dens påtagelige ærlighet skjuler en studert innsats for å holde litt tilbake, for å gi næring til i sin enkelhet av setting og karakter en rikdom som er overlatt til publikum å oppdage og i noen fantastiske tilfeller forestille seg. Fordi skuespillerne snakker så lite om sin knipe, opplever vi de tilfeldige, urimelige handlingene av grusomhet og føler den kvelende tristheten til dem. I en form der selv de mest dyktige artistene bare har som mål å øke seernes sanser ved å tilpasse seg det velprøvde, ga Bressons bilder meg en lyrisk mal å basere størrelsen på min medfølelse på, for til og med å vurdere hvor bevisst denne medfølelsen er. .

Alt dette bringer meg tilbake til min opprinnelige tanke. Å tildele betydning til hvert øyeblikk i 'Balthazar' avhenger ikke av om vi antar at innholdet er allegorier av sosial eller til og med politisk karakter, men måten de gjør oss på. føle ved å nyte deres kompleksitet og stillhet, i stedet for å stole på den tankeløse utstillingen de fleste filmer tyr til. Det er derfor helt fornuftig at hovedpersonen er det eponyme eselet.

22. Andrei Rublev (1966)

Jeg tror «Andrei Rublev» er det største eksemplet på den russiske forfatteren Andrei Tarkovskys konsept om å skulpturere i tid. Mye av hans sistnevnte arbeid var abstrakt, da han tok for seg utrolig personlige temaer og visualisering, som var spredt utover perioder. Med «Andrei Rublev» fanget Tarkovsky selve tiden og strøk den deretter med de dypeste fargene i en kunstners sjel. Tarkovsky er sannsynligvis den eneste filmskaperen som kunne oppnå den høyeste prestasjonen i å skildre en kunstners undertrykkelse. Han utforsker de undertrykkende regimene i Russland som er like urfolk i landet som dets dype litteratur som overraskende har stilt spørsmål ved de mest overbevisende spørsmålene angående det åndelige og metafysiske. Mange av Tarkovskys senere trekk, inkludert filming av naturens flyt, kan observeres på Andrei Rublevs reise. Det er en film som filmer deg, knuser deg og får deg til å tenke – både under film og lenge etter at studiene har rullet.

21. Eventyret (1960)

Hva føler du om et uløst mysterium? Eller en uferdig historie? Søker du avslutning ved å desperat lete etter det? Eller aksepterer du fakta og går videre? Er ikke det livet handler om? Gå på kompromiss og gå videre? Filmen som brakte Michelangelo Antonioni anerkjennelse over hele verden, 'L'Avventura' er historien om en ung kvinne som forsvinner under en yachttur over kysten av Sicilia. Jakten på henne bringer hennes tidligere kjæreste og bestevenn sammen og et urovekkende forhold begynner. Mens historien er vevd rundt søket etter en savnet kvinne, er dens sanne hensikt å konstruere en fortelling, uten å være sentrert rundt en stor begivenhet og fortsatt være i stand til å fengsle publikum. De sanne motivene til de sentrale karakterene blir aldri fullstendig forklart, og når filmen slutter, blir seeren tvunget til å akseptere at noen hendelser forblir uforklarlige, akkurat som livet gjør. Et utvilsomt mesterverk!

20. Breathless (1960)

Lenge før Quentin Tarantino knuste seg videre til den amerikanske indiescenen med sin vilt maverick tilnærming til filmskaping som forsterket fokuset på stil fremfor substans, var det denne mannen ved navn Jean Luc-Godard som fryktløst tok på seg de tradisjonelle filmgrammatikkene og uvørent brøt dem ned, redefinerer og former filmer slik vi ser det i dag med en film som heter 'Breathless'. Kanskje ingen annen film har klart å fange ungdommens flyktige galskap på en måte som 'Breathless' gjør med sin hensynsløse energi og berusende stemning. Den freaky bruken av jump cuts oppmuntrer premissets iboende galskap når Godard albuer deg heftig vekk fra karakterene sine, og ber deg fokusere på de fragmenterte aspektene av historien i stedet for historien som helhet. 'Breathless' er en av de viktigste filmdebutene i kinohistorien, og selv om den fortsetter å polarisere kinofiler og kritikere, er det ingen tvil om innflytelsen den har på moderne kino.

19. Seven Samurai (1958)

Akira Kurosawa er en av de mest originale, innflytelsesrike og refererte regissørene som noen gang har levd. Roger Ebert sa en gang om Kurosawa. Det kan hevdes at denne største regissøren ga ansettelse til actionhelter i de neste femti årene, og han kunne ikke vært sannere. Sergeo Leones 'A Fistful Of Dollars', som sies å ha født Spaghetti Western-sjangeren, var inspirert fra Kurosawas 'Yojmbo'. Vår nåværende oppføring er også et teknisk og kreativt vannskille og har inspirert utallige direkte gjenfortellinger, samt mangt et visuelt element i moderne kino . Det episke dramaet forteller historien om syv ronin (mesterløse samurai) som griper til våpen for å forsvare en fattig sivilisasjon som ikke lenger har plass for dem fra å rane banditter i Japan fra 1500-tallet, som kulminerer i en voldsom klimakamp. Men glansen til 'Seven Samurai' ligger i det faktum at den forteller en rekke vellagde historier som spenner på tvers av sjangere innenfor hoveddramaet. Det er elementer av action, eventyr, romantikk og voksende alder tilstede over hele filmen. Den består også av karakterer like rikt utviklet som en sjelden biff, som senere skulle bli stifter i flere sjangere. Virkelig et inspirerende kunstverk.

18. Livets tre (2010)

'The Tree of Life' er den høyeste formen for kino: den forteller bare ikke en historie, men har som mål å forandre livet ditt. Det er en film som vil ta tid å vokse på deg, og når den gjør det, vil du finne det vanskelig å ikke hele tiden tenke på den. Et filmatisk dikt av ekstraordinært omfang og ambisjon, 'Livets tre' ber ikke bare publikum om å observere, men også reflektere og føle. På sitt enkleste er det en historie om reisen for å finne seg selv. På sitt mest komplekse er det en meditasjon over menneskelivet og vår plass i den store ordningen. Det spiller ingen rolle hvilken tro du tror eller om du i det hele tatt tror på en høyere enhet. Den virkelige følelsen av undring i filmen oppstår fra magien som livet i seg selv er. Det vakreste ved filmen er at den blir bedre med tiden, som en god vin.

17. Nærbilde (1990)

Den avdøde store iranske forfatteren Abbas Kiarostami så ofte skjønnhet og poesi i de mest absurd verdslige episoder av menneskeliv. Med villedende enkle plott og naturalistiske omgivelser, utforsket Kiarostami universelle temaer som sømløst overskred kulturelle barrierer på grunn av den typen menneskelighet kinoen hans iboende var pakket inn i. 'Close Up' er uten tvil hans mest gjennomførte verk og et av de mest originale, oppfinnsomme verkene. av filmkunst som noen gang er produsert. Filmen har form av en doku-fiksjon for å krønike rettssaken i det virkelige liv mot en mann som etterlignet den iranske filmregissøren Mohsen Makhmalbaf. Rollelisten inkluderer folk som faktisk var involvert i rettssaken, og spiller seg selv i filmen. 'Close Up' er en forbløffende utforskning av menneskelig identitet sett gjennom øynene til en vanlig mann som sliter med å håndtere seg selv og livet sitt, og av desperat tristhet og ekte kjærlighet til kinokunsten, trer han inn i skoene til sitt idol for å vet hvordan det føles å være virkelig i live, beundret og respektert. Dette er filmskaping av høyeste klasse.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Brussel (1975)

Denne franske avantgarde-filmen med Delphine Seyrig i hovedrollen som tittelfiguren er ikke bare en filmopplevelse. Det er nærmere en øvelse – en test, og påvirker deg på måter som få andre filmer har gjort før eller siden. Det uavhengige stykket fokuserer på tre dager i livet til en ensom, urolig hjemmeværende, mens hun går gjennom sin strenge timeplan fylt med verdslige husarbeid. Hun er en mor og enke som utfører sexarbeid for herrer om kvelden for å tjene til livets opphold. Problemer oppstår når rutinen hennes blir litt forstyrret den andre dagen, noe som fører til en slags dominoeffekt som gjenspeiles i timene etter den. Jeanne Dielman trekker en inn i sin langsomme og meditative verden med Akermans særegne regissørsignatur, som involverer diegetisk atmosfære og en hypnotisk aura fremkalt av den rolige, subtile og tålmodige personligheten til mesterverket, som er en smertefull feiring av tilværelsens monotoni.

15. Rashomon (1950)

En av de mest ukonvensjonelle og eksperimentelle filmene for sin tid, 'Rashomon' ser på mesteren i arbeid, og går helt ut med sine fortellerferdigheter. For å si det enkelt er det en beretning om en hendelse som skjedde gjennom fire vidt forskjellige synspunkter, de tiltalte, ofrene og de som hevder å være øyenvitner. Den skiller seg ut på alle tekniske grunner med nesten feilfri redigering og mesterlig regi, men filmen vinner på de tematiske spørsmålene den omhandler; spørsmålene om eksistensen av en absolutt sannhet. Er sannheten virkelig så objektiv og urettferdig som man gjør den til, eller er det en viss subjektivitet knyttet til den? Normalt er den objektiv eller blir i det minste ansett for å være det, med tilsynelatende ingen andre versjoner av den. Denne filmen stiller spørsmål ved det på en måte at seeren selv blir irritert med spørsmål, og kommenterer ofte hvordan folk noen ganger ikke er helt ærlige mot seg selv. Det er så tematisk komplekst som det blir, men tilsynelatende så enkelt som du vil ha det.

14. Stalker (1979)

Ved å holde sine mindre etterkommere, som inkluderer den enormt suksessrike TV-serien 'Westworld', i sjakk, kan ikke 'Stalkers' kolossale innflytelse på visuell historiefortelling overvurderes. Ideer – filosofiske, spirituelle og vitenskapelige – så vel som deres behendige, strålende filmatiske utforskning i «Stalker» har funnet sine inntrykk på mang en science-fiction som kommer etter den. Det er ikke så mye den glidende, transefremkallende og punktvise abstrakte tempoet eller den sjeleglade bruken av monokromatisk sepia utenfor sonen og de pregede fargene på stedene i Estland, som har blitt speilet i arbeidet til filmskapere som Terrence Malick og Lav Diaz, for å nevne noen, men den varige tålmodigheten og ydmykheten. Tarkovsky overlater i stor grad den filosofiske makten til publikum, og etterlater så mye rom for seerne til å oppdage flere metafysiske fasetter ved filmen selv, at selv dens uovertrufne bokstavelige og visuelle poesi virker like mye som et oppdrett av vår fabrikasjon som den er av hans. og hans samarbeidspartnere. Og likevel forblir filmen reservert, og leder oss inn i sinnets og hjertets uutgrunnelige mysterier, og vi ender aldri opp med å nøste opp, fordi den rette veien aldri er den rette.

13. Fanny og Alexander (1982)

Nesten 35 år etter den første utgivelsen, er Bergmans siste regi-innslag like fascinerende å dissekere som det var for kritikere over hele verden på den tiden, som alle så ut til å slite med å sikre at deres meninger om den ble hørt. Disse meningene var mye mer splittende enn de er i dag, men filmens plass i Bergmans filmografi virker fortsatt vanskelig å definere. Det er ulikt, i tone, struktur og ren størrelse, alt Bergman hadde gjort til det punktet. Men det er også en utvilsomt sammenslåing av alle hans tematiske og visuelle instinkter på kryss og tvers i denne livsbekreftende billedvev av en familie tidlig på 1900-tallets Sverige. Dens pittoreske overflod ser ut til å fange all oppmerksomhet ved første visning med sine dypt oppslukende variasjoner av rødt, grønt og milde, varme gule som danner en så berusende fargepalett at dens fravær – når alt er drapert i hvitt, svart og harde blåtoner – virker straffende. Bergmans omhyggelig utformede kronikker stråler av lysten til en familiepiknik og har kjennskapen til menneskelige bånd holdt sammen i flere tiår av ekte, skjør hengivenhet. I denne generøst monterte gjengivelsen av livet er både fødsel og død tilfeldige. I den lille verden disse karakterene, som de fleste av oss, bor, er periferiske gleder alt man kan håpe på, og de er nok for dem, slik de burde være for oss. Er det hele en illusjon? Å se dette gigantiske ensemblet gjøre slike underverker, kan man tro det. Hvis det er det, tro meg, du vil ikke ha det knust.

12. Apocalypse Now (1979)

Det er krigsfilmer som viser forviklingene ved krigføring (som 'Enemy At The Gates'), noen andre som avskyr og avskyr forestillingen om det (som 'The Pianist') og så er det den dristige 'Apocalypse Now', som ikke tilbyr noe mening eller konklusjon, men blottlegger i stedet en grafisk skildring av krigens gru og glorifiserer soldatene som tar del i den. Debatten raser til denne datoen om 'Apocalypse Now' er pro-krig eller anti-krig. Elsk det eller hat det; det sikre er at du kommer til å huske det. En av de mest problematiske produksjonene i Hollywoods historie, forfatter-regissør Francis Ford Coppolas siste kutt endte opp med hans mest teknisk briljante verk. Forutsetningen er enkel – kaptein Willard må avslutte med ekstreme fordommer oberst Kurtz som har gått inn i fiendens territorium og gått AWOL. Men det er Willards svekkende reise over Vietnams opprivende slagmarker (forhøyet av Vittorio Storaros fantastiske kinematografi) som forblir etset inn i hodet langt etter at studiepoengene ruller. Med den ene minneverdige scenen etter den andre og definitive opptredener av Martin Sheen som Willard, Marlon Brando som Kurtz og Robert Duvall som 'napalm-entusiast' oberstløytnant Kilgore, handler 'Apocalypse Now' som Coppola med rette sa ikke om Vietnam. Det er Vietnam.

11. The 400 Blows (1959)

François Truffauts 'The 400 Blows' er et sant kunstverk som stammer fra ekte smerte. Et virkelig oppriktig og dypt personlig stykke arbeid, dedikerte Truffaut filmen til sin åndelige far og internasjonalt anerkjente filmteoretiker André Bazin. Truffauts egen barndom var utpreget selvbiografisk og urolig, og det gjenspeiles veldig tydelig i filmen. På utsiden handler filmen om ungdoms- og ungdomskriminalitet som ofte er drevet av samfunnsmessig og foreldrenes omsorgssvikt. Se litt dypere, så finner du en film om håp; håper det er både intenst og terapeutisk. Antoine Doinel, hovedpersonen, er på en måte en sterk representasjon av samfunnet selv, et samfunn som skjuler sine egne feil bak regler, straff og dommer. Filmen renner som en elv og tar publikum med på en reise av håp, fortvilelse, empati og til og med rent sinne. Hvis du noen gang har ønsket å se hvordan et mesterverk ser ut, trenger du ikke lete lenger enn 'The 400 Blows'.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch er ingen filmskaper. Mannen er en drømmer. Og «Mulholland Drive» er den største drømmen han noen gang har drømt. En drøm som innkapsler alle følelser som omfatter menneskelig eksistens. Det er vanskelig å forklare eller beskrive en film som «Mulholland Drive» fordi dette er en film om opplevelsen og hva du tar fra den, snarere enn en plot-drevet på en konvensjonell fortelling som mater deg med svar du gjerne kan ta med deg hjem med. Lynch har ofte uttalt at hans visjon for en film i utgangspunktet er bygget på en rekke ideer og følelser. Og dette blir en inngangsport til å forstå en film så kompleks og lagdelt som «Mulholland Drive». Det er en labyrint av drømmer, ambisjoner, ønsker og mareritt. Lynch vet hva som skremmer oss mest og hva som driver oss til ren galskap. Og det er denne urovekkende intime refleksjonen av den menneskelige underbevisstheten som gjør «Mulholland Drive» til et så dypt opprivende kunstverk. En som omslutter deg med en følelse av varme og ømhet før den skjærer rett gjennom skallen din.

9. Sykkeltyver (1948)

Enkelhet er den ultimate sofistikering – Leonardo Da Vinci. En av de vanskeligste oppgavene i filmskaping er å finne ut når du skal avslutte filmen. Slutten i Bicycle Thieves er så tonalt synkronisert med begynnelsen, når vi starter fra Antonio, en vanlig mann som dukker opp fra mengden til Antonio, en hverdagslig mann som forsvinner i mengden. Livet i etterkrigstidens Roma hadde forvandlet hverdagen til en kamp, ​​og det var knapt noen som kom seg ut av denne sumpen av elendighet. Det er svært få filmer som gir en så dyp introspeksjon som Bicycle Thieves. Det er en film som vil knuse hjertet ditt i biter og likevel inspirere deg til å leve livet fullt ut. Sjelden er en film som er så enkel i sin premiss, så strålende effektiv i sitt budskap. Det er praktisk talt umulig å glemme filmen når man først har sett den. Selv om filmens største prestasjon ligger i hvor mange uavhengige filmskapere den inspirerte, som frem til i dag siterer «Bicycle Thieves» som sin inspirasjon.

8. Tokyo Story (1953)

'Tokyo Story' er det enhver filmskaper som ønsker å fortelle en meningsfull historie streber etter. Det er klart at alle kommer til kort! Det finnes ikke noe bedre eksempel på en film som gjengir en episk historie på en så enkel, men mesterlig, effektiv og uforglemmelig måte. Med «Tokyo Story» oppnådde Yasujiro Ozu noe som er drømmen til enhver levende filmskaper: å for alltid bo i publikums hjerte og sinn. Alle som har sett «Tokyo Story» vil vite hva jeg snakker om. Filmen forteller historien om et aldrende, tradisjonelt japansk par som besøker barna sine i Tokyo bare for å komme til den harde erkjennelsen at barna deres er for opptatt med livet til å ta vare på dem og har vokst seg enormt langt fra dem, kulturelt og følelsesmessig. . Det som også er så bra med filmen er dens universelle tema som alle, hvor som helst, kan relatere seg til. Ozus filmstil sørger også for at du er oppslukt av en fortelling som gir dyp innsikt i den menneskelige psyken i endring med skiftende tider. Rett og slett genialt!

7. In the Mood For Love (2000)

'In the Mood For Love' er rett og slett den største kjærlighetshistorien som noen gang er satt på film. Periode. Det kunne så lett vært et skuespill eller til og med poesi. Med vakre, fengslende bilder og utsøkt, sjel-gjennomtrengende musikk, forteller 'In The Mood For Love' den komplekse historien om to enkle individer. To individer som går gjennom frykten og lokket ved å bli forelsket; og en gang forelsket, den rene smerten ved å la den være ufullstendig. ‘In the Mood for Love’ skildrer kjærlighet i sin mest sårbare form. Og ved å gjøre det avslører det våre egne sårbarheter og hvor hjelpeløse vi er foran kjærligheten. Sjelden en film som er så undervurdert og så reservert har en slik innvirkning etter visning.

Jeg er ikke sikker på om regissør Wong-Kar-Wai hadde til hensikt å lage filmen han laget, med tanke på at han stort sett filmet filmen uten manus. Hvis du ser på historien, er de mest definerende kunstverkene lykkelige ulykker. Tell «In the Mood For Love» blant dem.

6. 8 1/2 (1963)

Nummer åtte og et halvt i den italienske maestroens filmografi, dette svulmende, saftige eposet av fantasier, mareritt og en alt for gjørmete virkelighet er som en biscotti – resolutt absurd i sin form og bakt på en måte som ikke tillater å sluke den helt i en gang. Det skremmende, rastløse kameraarbeidet komplimenterer Fellinis bevisste visjon om en filmskaper som forsøker å kanalisere de mange skiftende opplevelsene han har hatt i løpet av sitt sammenknyttede liv i sin nye film. Uansett semi-selvbiografisk, breser '8 1/2' forbi sitt publikum med all sin forbløffende kompleksitet intakt i et så radikalt tempo, at jeg fant meg selv i forsøk på å dekonstruere dens skarpt komponerte bilder med det formål å finne min egen plass i Fellinis ruvende spesifisitet, men klarte aldri å lande fast på bakken.

Ved å utnytte de skyggefulle gravitasene til Marcello Mastroianni, kan Fellinis rene elektrisitet være overveldende. Du henger på din oppfatning av et bestemt øyeblikk og gjenkjenner dets pulserende rikdom bare for å oppdage at filmskaperen har gått videre til en annen flagrende, deilig balansert sekvens. Hans ideer om kunstnere og deres forvirrende, latterlige besettelse av seg selv kan virke utdatert – eller enda verre, irrelevant – men frekkheten i deres konstruksjon og uttrykk går aldri tapt for oss. Den forhekser og forfører oss, tillater oss aldri å ta øynene fra den og glir så gjennom fingrene våre når det går opp for oss at vi aldri har hatt det i grepet. Fellini er ikke mye forskjellig fra den klarsynte Maya i filmen som ser ut til å vite hva alle tenker: en ferdighet som assistenten hennes tilskriver telepati. Når hovedpersonen vår, Guido, spør assistenten om hvordan hun gjør det, bemerker han tydelig: Det er delvis et triks, og delvis ekte. Jeg vet ikke, men det skjer. Ingen ord kan være mer egnet til å beskrive filmen med.

5. Person (1966)

Jeg tror det er trygt å si at 'Persona' brøt kino på egenhånd. Som en skrekkfilm på overflaten, er Ingmar Bergmans klassiker fra 1966 mer en studie av individuell identitet enn noe annet. Ved å bruke innovative redigeringsteknikker, skarpe kameravinkler, kalde uttrykk, oppslukende dialoger og fantastisk regi, forteller denne filmen på en så perfekt tvetydig måte som mulig historien om en kjent skuespillerinne som mister stemmen og sykepleieren som tar seg av henne i et tilbaketrukket hjem, hvor deres særegne personligheter sakte begynner å smelte sammen. Som regissørens mest filmatiske satsning sørger 'Persona' for å vri på alle konvensjonelle regler for filmskaping for å prøve å bringe frem en frisk og fascinerende opplevelse. Med noe av det beste skuespillet som noen gang er satt på celluloid, hjelper filmens atmosfære oss å sette pris på spørsmålene vi har om den ved å på en smart måte flytte fokus til håndverket som settes i spill. Det finnes rett og slett ingenting som 'Persona', og det kan godt være et faktum.

4. The Godfather (1972)

Muligens den mest innflytelsesrike filmen som noen gang er laget. En av de sjeldneste tilpasningene som faktisk er bedre enn kildematerialet – i dette tilfellet Mario Puzos roman med samme navn – filmen har holdt ut gjennom tidene og er en klassiker i ordets rette forstand som bare blir bedre for hver gang. visning. Filmen skildrer en mafiafamilie under Don Vito Corleone og fokuserer på overgangen til sønnen hans når han overtar familiebedriften etter patriarkens bortgang. Uten tvil er forestillinger en av de største styrkene til denne filmen, med storheter inkludert Marlon Brando som Vito Corleone og Al Pacino som Michael Corleone som redefinerer skuespillerstandarder med sine forestillinger. Alt annet, spesielt manuset og stemningssettingen kinematografi og partitur, er forventet A-rate og sjangerdefinerende. Rett nok eksisterer det ikke en cinefil som ikke har sett dette mesterverket av en film. Det er alteret hvor vi går for å be.

3. Citizen Kane (1941)

Den hellige gral fra amerikansk kino. 'Citizen Kane' definerte nesten alle aspekter som omfatter kinokunsten. En film som brøt utallige konvensjoner innen filmskaping bare for å skape nye. Helt fra dens banebrytende teknikaliteter, inkludert lyset, lyden og det visuelle til den svært innovative fortellerstilen, endret «Citizen Kane» måten filmer ble laget på. Filmen er en dyptgående karakterstudie som tar form av et mystisk drama i å avsløre sannhetene i livet til en gåtefull forlagsmagnat hvis siste ord har vakt interessen til en reporter. Han legger ut på en reise, og utforsker et menneske som en gang startet livet sitt med rå ambisjoner og ønsker, men som snart ville bukke under for de forførende kreftene til grådighet og autoritet. ‘Citizen Kane’ er et enormt kraftfullt kunstverk som er feiende i sin utforskning av dype temaer og fanger de uendelig komplekse følelsesmessige fasettene ved å leve livet som menneske.

2. The Mirror (1975)

Kan kunst noen gang være så personlig at man ikke klarte å skille den fra dens skaper? Dette er et spørsmål som slo meg da jeg første gang så Andrei Tarkovskys 'The Mirror'. Dette er et kunstverk hvor kunstneren fullstendig gir seg over til sitt arbeid som du ikke klarer å skille mellom ham og arbeidet han gjør. Det er nesten som om Tarkovsky pustet hele filmen. Forfattere har laget sine mesterverk, endret og formende kino slik vi ser det i dag, men Tarkovsky tok et steg utover det og oppnådde det uoppnåelige; gi liv til kunsten sin. ‘The Mirror’ er bare pustende kino. Du kunne se Tarkovsky, familien hans, kulturen han vokste opp i. Faktisk kunne du klare å se deg selv i den, moren din, og det er denne følelsen av Deja Vu som slår deg når du ser på disse stedene. Det er nesten som om du har vært der, kanskje i livet eller i en drøm borte et sted. Og for en kunstner å lage noe som er personlig og intimt, er det noe som ikke kan beskrives. Det er en film som underbygger det vi alltid visste: kino er den største kunstformen.

1. 2001: A Space Odyssey (1967)

Som alle andre oppføringer på denne listen, er '2001' også en leksjon i filmskaping. Flere filmskapere, inkludert Christopher Nolan og Denis Villeneuve, har snakket om hvordan filmen har vært deres inspirasjon. Så, ja, filmen er et teknisk vidunder. Men det er ikke derfor filmen toppet denne listen over så mange flotte filmer. Den sitter på toppen fordi det er en film som våget å gå til et sted der ingen film har gått før. Helvete, ingen visste engang at det fantes et slikt sted kino kunne sikte på å gå. Og hvis filmkunsten noen gang krevde en grunn eller et bevis for å bekrefte at formålet med eksistensen er mye mer enn bare underholdning, så er den her: den fullstendig overbevisende og suverent mytiske '2001: A Space Odyssey'.

Stanley Kubrick utvidet filmens horisont med nesten alle filmene sine. Med ‘2001: A Space Odyssey’ ga han også en ny mening til hva kino kan oppnå. Flertallet av filmskapere bruker kino som et medium for å fortelle en historie. Men Kubrick brukte kino for å stille spørsmål. Hva spurte han? Alt, fra Gud til hensikten med vår eksistens. Mens ‘2001: A Space Odyssey’ er en svært intelligent science fiction-film i seg selv, er den også så mye mer. Jeg tror det er en film som er mer en filosofisk søken etter å finne ut om Gud eksisterer. Snakk om å sikte høyt!