18 beste eksistensielle filmer gjennom tidene
'Eksistensialisme' er et begrep som ble laget av europeiske filosofer fra slutten av 1800- og 1900-tallet som mente at filosofisk tenkning begynner med det menneskelige subjektet - ikke bare det tenkende subjektet, men det handlende, følende, levende menneskelige individet. I følge dem søker folk for å finne ut hvem og hva de er gjennom hele livet når de tar valg basert på deres erfaringer, tro og syn. Ja, jeg vet at det er komplisert. Men for å si det enkelt, 'eksistensialisme' er filosofi som er opptatt av å finne seg selv og meningen med livet gjennom fri vilje, valg og personlig ansvar.
Nedenfor er listen over de beste eksistensielle filmene som produsentene deres har prøvd å forstå hva som eksisterer i denne verden. Hvor mye former våre erfaringer vår tro? Og er livet virkelig meningsløst? Dette er noen av de mange spørsmålene disse filmene stiller. Hvilken av disse beste opplysningsfilmene er din favoritt. Forresten, du kan streame noen av disse beste eksistensielle filmene på Netflix, Hulu eller Amazon Prime.
18. Birdman (2014)
Bursting og full av rå energi, ‘Birdman’ leker rundt kunsten å lage film slik du kjenner den, og gir den en ny dimensjon. Det overrasker, utfordrer og blender; noen ganger alt på en gang. Det er kjedelig, spennende og en opplevelse som du, med stor sannsynlighet, aldri ville hatt på kinoer. Et kaustisk og mørkt morsomt blikk på øyeblikkelig berømmelseskultur og kjendis i denne tiden av Facebook og Twitter, det håner til de som er fanger av sitt eget image. Til syvende og sist er det en film om en skuespiller som gjennomgår en eksistensiell krise.
17. Synecdoche, New York (2007)
‘Synecdoche, New York’ er en vanskelig film å se, og til og med mage. Det er ikke noe som må forstås; filmer som dette må observeres, føles og reflekteres over. Intenst cerebral, ofte sjokkerende, ‘Synecdoche, New York’ ville ikke appellere til alle; det er en feiring av alt en kunstner ønsker å være, og likevel er det til syvende og sist en tragedie som viser baksiden av kunstnerisk ambisjon, hvor det virkelige møter det uvirkelige og kaster det kunstneriske sinnet inn i de mørke dypene av usikkerhet og depresjon.
16. Person (1966)
Det er vanskelig å legge til en film som ‘Persona’ i noen sjangerbaserte lister på grunn av den store dybden og uklarheten til temaene som er behandlet i filmen. ‘Persona’ er en film som er åpen for mange tolkninger og fremdeles er mye diskutert, diskutert og analysert av kritikere, lærde og kinoer over hele verden. Filmen forteller historien om to kvinner, en sykepleier og hennes stumme pasient og den skumle båndet til deres rare personas. Filmen utforsker menneskelig identitet, slør og rister vår oppfatning av drømmer og virkelighet og stuper inn i de dypeste og mørkeste aspektene av den komplekse menneskelige psyken og de bisarre fantasiene som omfatter den. ‘Persona’ er en dypt intim og personlig opplevelse og er et rent stykke filmisk poesi.
15. Drosjesjåfør (1976)
‘Taxisjåfør’ forteller historien om en veteran i Vietnam, følelsesmessig ødelagt av livet hans overskyet av ensomhet og elendighet. En sterkt karakterdrevet film, ‘Taxi Driver’, har en forbløffende skuespillprestasjon av Robert De Niro som skildrer en manns nedstigning i galskap mens vi ser ham bli trukket av ekstremitetene i menneskets mørke. Kanskje Travis Bickle en gang var en nydelig, sjarmerende fyr, og det var krig som fikk ham til å føle seg fremmed for en verden som en gang var hans hjem. Hans manglende evne og desperasjon til å komme i kontakt med mennesker og den evige kampen for å passe inn i en bisarr, freakish verden ridd med mord og forseelser er et dypt, urovekkende mørkt portrett av en menneskesjel.
14. Vår, sommer, høst, vinter ... og vår (2003)
Kalt som det beste verket fra stallen til den sørkoreanske forfatteren Kim Ki-duk, 'Spring, Summer, Fall, Winter ... and Spring' er en historie som forteller livet til en buddhistmunk når han går gjennom de forskjellige stadiene av liv. Filmen kan betraktes som en metafor for menneskets livets kontinuerlige kontinuitet og sykliske natur. Underveis utforsker den også temaene kjærlighet, offer, hengivenhet, tilbaketrukkethet og troskap. Filmen er kjent for å ha svært få dialoger, og er dypt kontemplativ og tar publikum med på en rolig tur.
13. Det syvende kontinent (1989)
Å kalle Michael Hanekes ‘The Seventh Continent’ en skrekkfilm høres veldig galt ut for meg, men det er slik det blir referert til av de fleste som har sett den. Det er vanskelig å krangle med dem, fordi en visning av denne filmen etterlater en håpløs, deprimert og redd. Denne klassikeren fra 1989 har å gjøre med en familie som hater verden og livet generelt, og tar en kald og fjern holdning for ytterligere å isolere de tre spillerne fra resten av samfunnet, noe som sakte men sikkert får publikum til å føle dypt for dem som deres eksistensen tar en mørk sving. Hanekes debutstykke er en av de mest urovekkende filmene som noen gang har prydet sølvskjermen, og håner betrakteren og slipper aldri taket. Hvis publikum kaller det en skrekkfilm, gjør de det med henvisning til en skummel film som er ulik noen annen. Dekket i tvetydighet og realisme, Det syvende kontinentet er en personlig, intim og skremmende gjenfortelling av en sann historie som etterlater deg i stillhet, for i minst et par minutter etter at den er avsluttet, blir du ikke i stand til å si et eneste ord.
12. Spirit of the Beehive (1973)
Den spanske mesteren Victor Erice laget bare tre spillefilmer før han gikk av med pensjon. Fremdeles i dag, filmene som El Sur, Quince ‘Tree of the Sun’ og spesielt Spirit of the Beehive, hans udefinerbare debut, som får oss alle til å ønske at han fremdeles laget filmer. En parabilisk fortelling om to barn, det ene utforsker hans eksistens med uskyldig, ofte forvirrende fascinasjon og den andre besatt av filmen ‘Frankenstein’ som spilte i deres lokale teater. Dens mystifiserende portrett av det spanske hjerteområdet blir etterlatt i forlokkende tvetydighet av Erices karakteristiske nøytrale retning - sjelden våger seg inn i en filmmetode til fordel for stille observasjon. Det resulterende arbeidet er forvirrende, oppslukende og vil la deg lure på den iboende gåten i selve livet: Dens ubesvarbare spørsmål, dets store mysterier og deres forbløffende utilgjengelighet. For å etterlate deg helt ødelagt eller uforlignelig rørt, er det ingen tvil om at til ekstrem ‘Spirit of the Beehive’ vil være en viktig opplevelse.
11. Satan Tango (1994)
Jeg ble hypnotisert av Béla Tarrs viltvoksende, vidunderlige mesterverk da jeg så det første gang. Den pragmatiske følelsen av den virkelige verden og tålmodigheten er dens definerende egenskaper. Den observerer mer enn den reflekterer og tenker mer enn den gir pent utformede uttalelser. Den mytiske, dystre realismen er for god til å være sann og altfor brutal til å ha blitt realisert med et slikt øye for skjønnhet. Alt jeg ønsket å gjøre til slutt, var å lukke alle vinduene mine og omslutte meg selv i mørket, fordi filmen for meg hadde vært som den galne i kirken og dens jammer hadde gitt for mye mening. Jeg er glad for å rapportere at 'Sátántangós' sagnfulle sosiale og politiske refleksjoner har begynt å gjøre seg tydelige for meg når jeg har kommet tilbake til det gjentatte ganger.
10. La Dolce Vita (1960)
Fellinis forsiktige, tålmodig og poetisk mykgjorte virtuose vises på full visning i sin Palme d’Or-vinner som i sin sjelfulle og skyggefulle glamour fanger en måte å leve på som virker for unnvikende og på noen måter altfor ekte. Tempoet understreker hovedpersonens følelse av målløshet og tvinger oss til å bade i det symfoniske arrangementet av livets liv og hvor flyktig det hele er. Denne hovedpersonen spilles av en karriere-beste Marcello Mastroianni, som bruker denne tidsgaven for å fylle øynene med en uimotståelig verdensutmattelse. Å stille spørsmål ved betydningen av visse seksjoner av ‘La Dolce Vita’ som kan virke blottet for filosofisk import eller narrativ relevans, er å avvise muligheten for å la de pikante detaljene vaske over deg og deretter vurdere konsekvensene. Mens Nino Rotas himmelske poengsum fører oss inn i den svimlende verden av Roma, sett gjennom Fellinis illusoriske øye, ser du bare det han vil at du skal se, og det blir raskt det du også vil se.
9. 8 1/2 (1963)
Å utnytte de skyggelagte gravitene til Marcello Mastroianni, Fellinis rene strøm kan være overveldende. Du henger på din oppfatning av et bestemt øyeblikk og gjenkjenner dens sultne rikdom bare for å oppdage at filmskaperen har gått videre til en annen flagrende, herlig klar sekvens. Hans ideer om kunstnere og deres forvirrende, latterlige besettelse med seg selv kan virke datert - eller verre, irrelevant - men dristigheten til deres konstruksjon og uttrykk går aldri tapt for oss. Det forhekser og forfører oss, lar oss aldri ta øynene av det og glir deretter gjennom fingrene når det går opp for oss at vi aldri hadde det i vår grep. Fellini er ikke mye forskjellig fra den klarsynte Maya i filmen som ser ut til å vite hva alle tenker: en ferdighet som hennes assistent tilskrev telepati. Når hovedpersonen vår, Guido, stiller spørsmål ved assistenten om hvordan hun gjør det, bemerker han tydelig: ”Det er delvis et triks, og delvis ekte. Jeg vet ikke, men det skjer. ' Ingen ord kunne være mer treffende å beskrive filmen med.
8. Det syvende segl (1957)
Fra de aller første bildene av Bergmans ikoniske dokument om tro, frykt og tilfredshet, er det en trylleformular som kastes på deg. Det skarpe, kornete blikket på havet, kysten og på den en modig ridder og hans skjebnesvangre møte med personifiseringen av døden definerer filmens klarhet i objektiv, selv om det gir rom for en forførende, nesten skremmende tvetydighet å være til stede hele tiden. Dra nytte av en magnetisk forestilling fra den makeløse Max von Sydow og et skuespillergruppe som løfter Bergmans forbløffende materiale, basert på stykket hans, 'Wood Painting', til uventede nivåer, 'The Seventh Seal' i sine magre 90 minutter har innflytelse av en gammel fabel gått gjennom generasjoner som driver fantasien langt mer ekspansiv enn den selv kan håpe å inneholde. Gunnar Fischer’s glitrende, skarpe svart-hvitt sørger for at den opprivende intensiteten kryper under huden vår. Den strømlignende fluiditeten er et resultat av en fortelling som er utfoldet med sublim selvtillit og en håndgripelig planhet. Det kan være en grundig enkel historie som likevel har verdifulle ideer i sin favn, men den er sydd med et stoff som er så intrikat og dristig, at du ikke kan unngå å se på det om og om igjen for å oversettes til et varig minne.
7. Stalker (1979)
Å holde sine mindre etterkommere, som inkluderer den enormt vellykkede TV-serien ‘Westworld’, i sjakk, kan ikke ‘Stalker’ ’kolossale innflytelse på visuell historiefortelling overvurderes. Ideer - filosofiske, åndelige og vitenskapelige - så vel som deres dyktige, strålende filmutforskning i ‘Stalker’ har funnet sitt inntrykk på mang en science-fiction som kommer etter den. Det er ikke så mye glidende, transe-induserende og på punkter, abstrakt tempo eller den sjelsrørende bruken av monokromatisk sepia utenfor 'sonen' og de innprentende fargene på stedene i Estland, som har blitt speilet i arbeidet med filmskapere som Terrence Malick og Lav Diaz, for å nevne noen, men den varige tålmodigheten og ydmykheten. I stor grad overlater de filosofiske regjeringene til publikum, etterlater Tarkovsky så mye rom for seerne å oppdage flere metafysiske fasetter av filmen for seg selv, at selv den uovertrufne bokstavelige og visuelle poesien virker like mye et oppfatning av vår fabrikasjon som den er av hans og hans samarbeidspartnere.
6. Apocalypse Now (1979)
En krigsfilm kan komme som et usannsynlig valg. Men som sagt, flotte filmer bryter fra hindringene i sjangrene deres. ‘Apocalypse Now’ blir allment ansett som den største krigsfilmen som noen gang er laget. Men i kjernen er det en film som også utforsker eksistensialisme. Kaptein Willards reise inn i en uklar landsby i Kambodsja for å myrde en gåtefullt frafalsket hæroffiser tjener som en visuell metafor for et menneskes tarmbrytende reise inn i eksistens avgrunn. ‘Apocalypse Now’ handler om Willards søken etter svar. Med ham på reisen setter vi spørsmålstegn ved moralene som er skapt av et sivilisert samfunn som er maskert med hykleri og megalomani. Hans rare, mystiske fascinasjon for oberst Kurtz kulminerer i hans oppdagelse av krigens ekstremiteter som kan gjøre en mann til et usivilisert dyr.
5. De 400 slagene (1959)
François Truffauts ‘The 400 Blows’ er et sant kunstverk stammer fra ekte smerte. Et virkelig oppriktig og dypt personlig stykke arbeid, viet Truffaut filmen til sin åndelige far og den internasjonalt anerkjente filmteoretikeren André Bazin. Truffaits egen barndom var tydelig selvbiografisk, og det reflekteres veldig tydelig i filmen. På utsiden handler filmen om ungdoms- og ungdomskriminalitet som ofte er drevet av samfunns- og foreldrenes forsømmelse. Se litt dypere, så finner du en film om håp; håp som er både intenst og terapeutisk. Antoine Doinel, hovedpersonen, er på en eller annen måte en sterk representasjon av samfunnet selv, et samfunn som skjuler sine egne svikt bak regler, straffer og dommer. Filmen flyter som en elv og tar publikum med på en reise med håp, fortvilelse, empati og enda ren sinne. Hvis du noen gang ønsket å se hvordan et mesterverk ser ut, se ikke lenger enn ‘The 400 Blows’.
4. Tokyo Story (1953)
‘Tokyo Story’ er det enhver filmskaper som ønsker å fortelle en meningsfylt historie, ønsker. Åpenbart kommer alle sammen til kort! Det er ikke noe bedre eksempel på en film som gjengir en episk historie på en så enkel, men mesterlig, effektiv og uforglemmelig måte. Med ‘Tokyo Story’ oppnådde Yasujiro Ozu noe som er en levende filmskaperes drøm: å for alltid bo i publikums hjerte og sinn. Alle som har sett ‘Tokyo Story’ vil vite hva jeg snakker om. Filmen forteller historien om et aldrende, tradisjonelt japansk par som besøker barna sine i Tokyo bare for å komme til den harde erkjennelsen at barna deres er for opptatt med livet til å ta vare på dem og har vokst enormt fjernt fra dem, kulturelt og følelsesmessig . Det som også er så bra med filmen er dens universelle tema som alle, hvor som helst, kan forholde seg til. Ozus filmstil sørger også for at du blir oppslukt av en historie som gir dyp innsikt i den skiftende menneskelige psyken med skiftende tider. Rett og slett strålende!
2. 2001: A Space Odyssey (1968)
Geniet til '2001: A Space Odyssey' ligger i det faktum at den åndelige reisen den tar oss med ikke abonnerer på teisme eller agnostisisme eller noe spesielt - det er helt opp til publikum hvordan de vil tolke film. Det spenner fra troen på en teist på eksistensen av en aldri så snill, kjærlig Gud til en agnostikeres kynisme til den deprimerende meningsløsheten i livet som en nihilist kan velge. Ikke desto mindre fastslår Kubrick i det minste hvor ubetydelige vi er og hvor små våre såkalte teknologiske fremskritt er! Vi har lysår å gå fremover før vi får svarene på noen av de eksistensielle spørsmålene som dukker opp i vårt sinn.
3. Livets tre (2011)
Terrence Malick stiller aldri spørsmålstegn ved Guds eksistens i ‘The Tree of Life’. Skjønt, hans virkelige følelse av undring oppstår ikke av det; heller gleder han seg over magien som selve livet er. I en tid hvor Gud har blitt et middel til å bevise overlegenhet og en unnskyldning for å skade og til og med drepe, presenterer ‘Livets tre” en vakker, men likevel rimelig måte å se på Gud på. Til slutt er ‘Livets tre’ et filmdikt av ekstraordinær omfang og ambisjon. Det ber ikke bare publikum om å observere, men også reflektere og føle. På sitt enkleste er ‘Livets tre’ en historie om reisen for å finne seg selv. På sitt mest komplekse er det en meditasjon om menneskelivet og vår plass i den store ordningen av ting. Til slutt kan ‘Livets tre’ endre måten du ser på livet på - det forandret meg.
2. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Brussel (1975)
Denne franske avantgarde-funksjonen med Delphine Seyrig i hovedrollen som tittelfigur er ikke bare en filmopplevelse. Det er nærmere en øvelse - en test, og påvirker deg på måter som få andre filmer har gjort før eller siden. Det uavhengige stykket fokuserer på tre dager i livet til en ensom, urolig husmann, mens hun går gjennom sin strenge tidsplan fylt med verdslige husarbeid. Hun er mor og enke som utfører sexarbeid for herrer om kvelden for å tjene penger. Problemer oppstår når den andre dagen hennes rutine blir litt forstyrret, noe som fører til en slags dominoeffekt som gjenspeiles i timene etter den. Jeanne Dielman trekker en inn i sin langsomme og meditative verden med Akermans særegne regissignatur, som involverer diegetisk atmosfære, og en hypnotisk aura fremkalt av den rolige, subtile og tålmodige personligheten til mesterverket, som er en smertefull feiring av tilværelsens monotoni.
1. Tilfeldig Balthazar (1966)
Robert Bressons øde mesterverk er en øvelse i følelse. Det styrer seg fra å definere en klar hovedperson eller et sentralt tema, med mindre du teller den mirakuløse naturkraften som er Balthazar, og hvis du tar filmen på pålydende, gjør du det ikke. Men hvis du tillater ham å være tilgangspunktet ditt til filmens emosjonelle og tematiske landskap, er det vanskelig å komme tilbake fra det uretmessig. Balthazars særegne, magre og kule visuelle stil virker nesten glamorøs i ettertid; dens rolige skjørhet innpakket i en resignert, enkeltvis følelse av kontroll. Selv den håndgripelige ærligheten skjuler en studert innsats for å holde litt tilbake, for å gi næring til sin enkle innstilling og karakter en rikdom som er igjen til publikum å oppdage, og i noen fantastiske tilfeller, forestill deg. Å tildele hvert øyeblikk betydning i 'Balthazar' avhenger ikke av om vi antar at innholdet er allegorier av sosial eller til og med politisk karakter, men hvordan de gjør oss til føle ved å nyte deres kompleksitet og stillhet, i stedet for å stole på den tankeløse utstillingen de fleste filmer tyr til. Det gir perfekt mening for hovedpersonen å være det samme navn eselet.