100 beste japanske filmer gjennom tidene

Først og fremst vil jeg bruke litt tid på hederlige omtaler og nestenulykker: Den lite tiltalende Miko Naruses arbeidskrevende flytende skyer, når en kvinne stiger opp trappene, lengselen og den mer tilgivelige lyden av fjellet klarte ikke. Jeg har prøvd å legge igjen god tid til å varme opp arbeidet hans, men det interesserer meg ikke, trist å si. Tampopo, Castle of Sand, the Man Behind the Sun, Angel's Egg, Belladonna of Sadness og The Taste of Tea passet dessverre heller ikke på min filmpall. For å redusere tidevannsstrømmen på en overflod av Akira Kurosawa og Yasujirō Ozu inkluderte jeg ikke deres supre Stray Dog, Scandal eller Kagemusha; og heller ikke den beviselig produktive Ozu’s I was Born But & hellip ;, forsommeren, senhøsten, den eneste sønnen, slutten på sommeren, smaken av grønn te over ris og en høne i vinden.

Husk at denne listen er for de beste filmene: Så ingen av disse filmene satte den helt på plass nr. 100 uansett. Jeg ville bare anerkjenne kvaliteten deres blant så mange andre perler. Så er også Shohei Imamuras solide, men til slutt utilfredsstillende Pigs & Battleships, The Pornographers and A Man forsvinner, sammen med Yoshishige Yoshidas vakre Coup d'état og Wuthering Heights, Kon Ichikawa's ydmyke Conflagration, The Heart og Ten Black Women samt Hirokazu Koreedas rørende etter livet, som far som sønn og ingen vet & hellip; som alle har gjort meg spent på å oppsøke After the Storm når dette er over. Til slutt vil jeg ta et øyeblikk til å snakke om Sion Sonos arbeid: Til tross for frustrert utholdenhet og desperat håp - jeg kan ikke si at et eneste stykke av hans jeg prøvde var verdt innsatsen. Cold Fish, Tokyo Tribe, Guilty of Romance og den utrolig dårlige kjærlighetseksponeringen er alle duds, ikke minst sistnevnte - som var den aller verste filmen jeg så på denne reisen gjennom japansk kino. Uutholdelig.

Med det ut av veien: La oss begynne. Her er listen over de beste japanske filmene som noensinne er laget.

100. Helvetes port (1953)

Gate of Hell’s appell ligger i en nydelig palett av design, og er en luksuriøst utstyrt periode. Regissert av Teinsuke Kinugasa, mest kjent for sitt landemerke fra 1926 En side av galskap , det er en tett såret historie som tar omtrent to forsøk å fullt ut sette pris på, spesielt for vestlige anmeldelser som ikke er kjent med den hedersbaserte koden til Feudal Japan - men belønner seg med en rikt utformet vri og uhyggelige antydninger til den overnaturlige trusselen som tittelen antyder.

99. Lone Wolf and Cub Series (1972… 74)

En merkelig konkurrent for kongen av tegneserier, Lone Wolf and Cub sporer en eksilert bøddel og hans unge sønn gjennom en syv-delt serie med flikker som alle utgjør dette stedet på listen. Del III: Baby Cart to Hades og del VI: White Heaven in Hell er de sterkeste i mitt sinn - selv om hver av dem er verdt å se på og nylig tilgjengelig fra Criterion Collection fra i år. Det er et utvalg av varme karakterstykker med spennende handling og humor for å formørke alle formaliteter i fortellingen - alt verdt å se på og mer enn verdig å smi sin egen plass her.

98. Ichi the Killer (2001)

Opprørende utover opprørende, undergraver Miikes fryktløse stilstilstand ethvert behov for substans, og sentrerer fokuset på fordervelse og overflødighet fra ordet og oppfyller løftet om smerte og blodsutgytelse, i noen grad få filmer på den juridiske siden av linjen til og med kan forstå. Det er strålende dumt moro med en mørkeslikke så ekstrem at du må ta det på alvor. Jeg kan ikke annet enn å respektere Ichi morderen for å være så komfortabel i sin egen absurditet - og mens titulær karakter viser seg å være en klisjéfull kjedelig, finner Miike nok momentum i de tidlige stadiene til å presse gjennom til mål med meg forvirret, forvirret og helt fascinert av opplevelsen hver gang.

97. Battle Royale (2000)

Kinji Fukasaku, mannen bak krimantologien Kamper uten ære eller menneskehet , er en kunstner som her uttrykker en gjennomgripende kvalitet så fantastisk om bredere japansk kino: Å være redd for å omfavne sjangerfilmskaping. Battle Royale er enestående utformet som en uber-dum satirisk komedie, og mens den treffer humanistiske merker underveis, gjør elvene til splatter og upåklagelig komisk timing Fukasaku legger til selv de mest sykelige situasjonene, gjør flippen til en absolutt eksplosjon. Takeshi Kitanos tur er spesielt bemerkelsesverdig, og utrangerer alle forestillinger om respekt for et fullstendig angrep på vidd og smak. Battle Royale er rotete, så mye er sant, men måten den så utrettelige omgrupperer seg gang på gang for enda et angrep på de skeptiske er strålende. Uten å nøle forstår Fukasaku det stumme våpenet han holder i hendene og svinger det med full styrke. Det faktum at det var hans siste film gir en viss verdighet til mannens bestrebelser - et selvmordsoppdrag som rammer et morsomt bein, du må være komatøs for ikke å føle seg prikkende minst en eller to ganger hele tiden. Viktig underholdning.

96. Godzilla (1954)

En klassisk monsterfilm som konkurrerer med slike som King Kong og en hvilken som helst av Universal's originale originale lineup, i det minste i skala. Godzilla har ikke helt menneskeheten og vitsen til The Invisible Man eller den voldsomme lengselen til The Creature from the Black Lagoon - men det er morsomt. Å se en stor mann i en dødelig vanskelig drakt krysse det urbane Japan er en engasjerende opplevelse den dag i dag, først og fremst for sin uunngåelig ydmyke sjarm. Det føles i øyeblikket, og til tross for de raskt daterende effektene er det mer enn velkomne til å bli der, da relikvien til en tid siden lenge er tapt - og nå er det en bedre tid enn noen annen å håpe at den maskerte ledelsen Haruo Nakajima hviler i fred.

95. Crazed Fruit (1956)

En foregående grunnlegger av den japanske New Wave, Crazed Fruit’s fokus på ungdomsflammen finner føttene med en enkel historie som strekker seg langt utover dens ydmyke parametere: Å hoppe over gjerdet til to menn som er forelsket i den samme kvinnen for å gjenspeile et inntrykk av etterkrigsgenerasjonen som helhet. Disse menneskene er sterke, uavhengige og desperate for å bevise seg selv - arr etter gjentatt vanhelligelse av nasjonens verdier. Den finner en nisje med historiefortelling som ricochets gjennom sosiale og politiske sammenhenger - og representerer de brede første trinnene i New Wave. Når denne listen fortsetter, vil vi se at den langlivede bevegelsen for alltid våget seg innover - enten fascinert eller skremt og derved finne en fortelling ikke om nasjoner - men om seksualitet, perversjon, vold, grådighet, overnaturlighet og psykose. Andre verdenskrig kan fortsatt lure i disse historiene - men jeg synes det er spennende å takle den så åpent som Vanvittig frukt gjorde ble til slutt møtt med fokus, snarere enn eksplosjon av tema.

94. Livet til Oharu (1952)

Vår første flick av Kenji Mizoguchi, Livet til Oharu viser en klassisk rørende karakterstudie som gjør hovedpersonen til å reflektere over situasjonen for kvinner i Japan etter krigen, noe Mizoguchi gjorde beundringsverdig gjennom hele karrieren. Et ekspansivt, komplekst dramatisk stykke som bruker tid på å fremheve den vanskelige situasjonen som raskt blir dens fokus, og Mizoguchi produserer et av sine fineste verk utelukkende for måten han så humanistisk spenner og bryter sammen med Oharu selv - regissøren rørt av motgangen hun møter. Det er dette forholdet som blør rett gjennom skjermen som gjør at filmen kan heve dramaet utenfor troverdighet.

93. Dreams (1990)

Skrevet av baksiden av sin egen underbevissthet, Akira Kurosawa’s Drømmer er en malerisk skildring av innsiden av en manns sinn: Løst sammenlignbar med Pastoral bortsett fra mangler sin New Wave-følsomhet til fordel for en mer målt, rolig utforskning av Kurosawas nattlige vandringer. Den resulterende samlingen av vignetter avslører noe rå og unikt ved måten livet blir filtrert gjennom underbevissthetens linse - og i dette kan det bare være den mest ærlige filmen Akira Kurosawa noensinne har laget. En klar, nydelig liten perle.

92. Funeral Parade of Roses (1969)

Regissør Toshio Matsumotos vidåpne syn på Oedipus Rex (kanskje den fineste kinoen har å tilby), Begravelsesparade av roser markerer et avgjørende vannskille for alternativ seksualitet og kjønnsutfordrende bilder i japansk kino - og markedsfører seg selv uten grensene som har transformert bevegelsen i dag. Det er både en feiring og en kritikk av menneskelig uttrykk, å forstå forvirringen karakterene deres møter, samt omfavne sine egne beslutninger med ydmykhet og glede. Denne kritiske antagelsen om konflikt er det som definerer Begravelsesparade av roser ’Suksess, og selv om jeg ikke tror det er den kjære avdøde Matsumotos kronprestasjonen, er måten vi kjempet for sine undersåtter på en så ærlig feilaktig måte vi alle kunne lære av i dag.

91. Paprika (2008)

Satoshi Kons 2008-film sammenlignes ofte med Chris Nolans Start - begge basert på begreper drømmeinvasjon og tvang. Jeg tror nøkkelforskjellen som etterlater fans splittet over en barrikade, er det faktum at Nolans forsøk har større emosjonell resonans og karakterfokus - men alt dette henger seg fast i en kjedelig struktur. Kon skriver i 85 minutter og fyller hver ramme med en berusende oppblomstring av energi og fargebroing mellom lag med så stor frihet og fleksibilitet i historiefortelling at Nolans tettere arbeid rett og slett ikke kan følge med. Til slutt står begge som solide eksempler på håndverk og oppfinnsomhet, men når det gjelder det jeg helst vil ha på slutten av en tøff dag, er det ingen konkurranse. Og å oppdage det store spekteret av kreative krefter Paprika holder i sitt arsenal, over bare å være en morsom smak av Inception - man trenger bare å ta en blu ray og slå play.

90. Ecstasy of the Angels (1972)

Som en bransjeomfattende bevegelse, føler jeg at de rådende punktene i den japanske nybølgen dreide seg på basis av sex og vold. Begge er iboende for livet og kunstelementer som fortsetter å teppe filmomspennende verdensomspennende - men jeg føler at få filmer takler dem i en forlovet. Ecstasy of the Angels forstår sin egen vulgaritet. Regissør Kōji Wakamatsus fortsatte omgang med så ekstreme emner ga ham muligheten til å finpusse skildringen av brutalt voldelige personligheter - og resultatet er en gal Sid & Nancy-esque utforskning i anarkisk tap av selvtillit, så vel som et bittert romanse kastet i blenderen. Uansett hva du ser på slutten, er det en vill tur.

89. Ornamental Hairpin (1941)

Av alle førkrigskunstnerne hvis minne blir trukket ut av tiden, er Hiroshi Shimizu kanskje sjef blant de som har stort behov for gjenoppdagelse. Til tross for en rikelig formørkelse av Criterion-samlingen (en smerte å få tak i og spille hvor som helst utenfor Amerika), virker han dårlig nevnt blant de viktigste regissørene i perioden, og jeg holder absolutt fast på troen på at han skal kjempes blant de beste av dem. Ornamental hårnål ble løslatt da Japan dro Amerika inn i andre verdenskrig, og likevel er det snekket med en håpefullhet og enkelhet som går ut i en mer sivilisert alder - eller i det minste snakker til pasifismen Shimizu kan ha levd fra dag til dag - ignorerer en konflikt han anser barbarisk og trosser det ytre bildet av Japan på den tiden. Uten å muddete denne beskrivelsen i for mange politikker, Ornamental hårnål ligger blant de fineste funksjonene Shimizu har laget, og det er hans varige minimalisme som sikrer sin vakkert diskrete resonans.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Jeg tviler ikke på å bli møtt med utbredt vitriol for å plassere en så universelt beundret klassiker så lavt - men det må sies at blant utallige tusen Ugetsu Monogatari er fortsatt blant de 100 fineste japanske filmene som noensinne er laget. Jeg har en distinkt avsmak for Mizoguchis påståtte mesterverk: Et dvelende sår av tidvis over-enkel retning som ofte ødelegger hans så ofte perfekte kunstverk og ødelegger alle dens tidligere effekter. Når det er sagt, vil jeg lyve for ikke å nevne hvor unik fascinerende denne flicken var for meg da jeg var yngre, og til tross for en skuffende serie av rewatches i nyere tid, de magiske øyeblikkene der alt faller på plass og Mizoguchis mirakuløst sammensatte, filmisk fengslende og til slutt menneskelig tiltrekning snek seg inn i mine årer. Ugetsu Monogatari glir delvis inn på listen fordi det er et banebrytende arbeid, som er synd fordi jeg er stolt av å sette personlig preferanse fremfor status: Men kjernen i saken er at jeg vil elske den. En dag snart vil kjærligheten dukke opp igjen og Mizoguchis mesterverk vil øke enda høyere. Tiden vil vise.

87. Inferno of First Love (1968)

Å spore paralleller i sin unnfangelse helt tilbake til slike som Åndeløs og Eric Rohemers meditative følgesvenn i My Night at Maud’s fra det pågående Nouvelle Vague, Inferno of First Love er en stille, vakkert absorberende observasjon av et par som tar sine første skritt sammen, og den innbydende, lidenskapelige, mulle, kalde, ofte tomme luften som henger rundt dem når de prøver å utnytte forbindelsen som filmens tittel så dristig lover publikum. Det er et lite vedlikeholds kunstverk som belønner pasientens seere med bevegelig menneskelig interaksjon.

86. Cure (1997)

Redigeringen i Kurere er dødelig. Den utvikler seg til et punkt der du vil se bort, og Kurosawa fyller publikum med en implisitt forståelse av filmens nådeløshet i måten den skjærer gjennom innenlands rutine og blodsprutede lik så naturlig som å puste; og det er denne usedvanlig kalde, nesten psykotiske aksept av død i livet som får meg til å stille spørsmål ved dens ledende offiser, Takabe, og hvor helvete situasjonen angående vold i Japan er å ha blitt så vant til brutale drap. Mens den beveger seg ved en svak kryp som begynner å undergrave den andpusten spenningen Kiyoshi Kurosawa har vært i stand til å puste inn i stykket, Kurere er fortsatt et mer enn verdig tillegg til sin sterke filmkanon.

85. The Bad Sleep Well (1960)

Akira Kurosawas svakeste Shakespeare-bearbeidelse er fortsatt en av hans sterkeste filmer, og løst sporer historien om Hamlet med en svir av bedriftskritikk som venter i vingene. Til tross for sin tangentielle holdning mot andre versjoner, sitter BSW som en svak gjengivelse av det ærverdige stykket hvis dialogbelagte komposisjon ikke klarer å fange bredden og vekten av Shakespeares drama - selv om det kultiverer en unik Kurosawan-fortellestil som gir en ekstra dimensjon til kildematerialet og smir et deilig overbevisende fortellende slag. Totalt mer moderne og spennende enn inspirasjonen, er The Bad Sleep Well et must-see for Kurosawa-fans som ønsker dyktighet og subtilitet i hans moderne innsats.

84. Tetsuo: The Iron Man (1989)

Takling Tetsuo med svak mage er som å ta en kule uten vest. Kryptert sammen med et rot av skraprekvisitter, rotete sett og smertefulle spesialeffekter - det er en livlighet å Tetsuo: The Iron Man 's jakten på det ubehagelige som gjør det beundringsverdig. Jeg har en respekt for det billige som skaperne deres delte ut for å oppnå en mest mulig fryktinngytende opplevelse: Sjokkerende med sin bultende lydmiks og dystre monokromatiske bilder som kaster det vi kjenner til gåten. Svart og hvitt maler selv de mest gjenkjennelige gjenstandene som utgjør Tetsuo ’s verden som forferdelige bastioner av det ukjente, kryper ut under sprekker og henger seg fast på oss for å starte en metamorfose av mutasjon både voldelig og uunngåelig syk. Det er et stykke arbeid forbi bekymringspunktet for publikumets delikate følsomhet - og det er akkurat det god kroppsskrekk skal være. Tetsuo: Iron Man er uten tvil en av de aller beste.

83. Black Rain (1989)

En merkelig tidsbestemt film med tanke på at den samarbeidet med Isao Takahatas egen avhandling om den menneskelige avgiften til kjernefysiske bomber som falt under høydepunktet av andre verdenskrig og handler om lignende temaer, Black Rain’s mindreverdighet til det fantastiske Grav av ildfluer på ingen måte betyr at det er å bli ignorert. Hvis noe, bør legioner av beundrere som med rette samler seg rundt Takahatas arbeid, strømme også hit. Shohei Imamuras første film på denne listen, Svart regn tar et dypt tragisk, møysommelig personlig blikk på vekten av kjernefysisk eksplosjon: Å takle overlevendes skyld, utstengelse, sorg, tap og aksept av begivenheten og dens alvorlige forgreninger i en taktfullt rett frem stil som er karakteristisk for Imamura, det er sin egen måte like slående og umiddelbar som Hiroshima min kjære drømmeaktig klarhet.

82. Humanity and Paper Balloons (1937)

En formalistisk klassiker i samme rike som Kenji Mizoguchis ærverdige arbeidsliv, bortsett fra at her like ærverdig regissør Sadao Yamanaka holder seg med en ydmykhet som alle som planlegger å komme inn i kinoverdenen kan lære av. Hans andre berømte bilde, The Million Ryo Pot , er en sammenlignelig rolig, nøkternkomponert og dyktig dramatisert fortelling - selv om jeg tror kanten treffer hjemmet for Humanitet og papirballonger fordi den klarer å komme med en bredere uttalelse om essensen i hverdagen. Komforten med den lekende ambisiøse tittelen ekko i hver ramme, og selv om det ikke er en film, fant jeg det veldig overbevisende eller til og med tålmodig. Det er noe som krever en klokke.

81. Silence (1971)

Tilpasset fra den samme romanen som nylig ble tatt opp av Martin Scorsese, Masahiro Shinoda’s Stillhet fungerer som et fascinerende søkelys på forskjellene mellom vestlige og østlige filmstiler. Scorseses ytre stoiske, harde tone blir brettet til fordel for et langt mer ydmykt syn under Shinodas tøffe hånd, noe som gir et hår av anger og sentimentalitet i en ellers engasjerende naturalistisk, strippet ned på boken. En scene som fremhever Shinodas dyktighet i å utvikle en verdslig atmosfære for sin religiøse fortelling uten behov for manipulasjon, kommer i form av en gammel kvinne som synger til et rom fullt av mennesker: Det er knapt et ord som er resonert med historien på hånden, og det er heller ingen videre karakterisering formidlet - og likevel gjennomsyrer resten av filmen med en uunngåelig vitalitet som så stemningsfullt spenner under vekten av kvalen og desperasjonen prestene og disiplene deres møter. Undervurdert og forlokkende, dens ydmykhet topper det legendariske italiensk-amerikanske regissørstykket for meg hver dag.

80. Go Go Second Time Virgin (1969)

Gjør straks ting vanskelig for seg selv, Go Go Second Time Virgin slår av sin 65 minutters kjøretid med en av flere ubehagelige voldtektsscener. Skaper en fortelling ut av den plagede unge jentas serendipitøse forhold til en like ungdommelig, forstyrret morder som så fjernt fra - regissør Kōji Wakamatsus korte, men vitale opus definerer seg selv ved aldri å knytte fortellingskonvensjonen til parringen. Overlatt til sine egne enheter, avsløringer og samtaler, gjør flikken overraskende det rikelig lave budsjettet med ofte effektiv sammensetning i karakter av den japanske nybølgen - samt en konfronterende skildring av seksuell vold som er mye mer engasjerende, tett og prescient enn Nagisa Oshimas beryktede kunstneriske misfire fra 1976 (og det sier det sjenerøst) I sansens rike .

79. The Sinners of Hell (1960)

Merket med et mindre enn intuitivt manus og en lite plott, Sinners of Hell klarer fortsatt å skjære ut sin plass på denne listen for sin ellers eksepsjonelle kontroll over gjenstanden. Hver ramme er gjennomsyret av klam belysning og dabbled med en grumsete fargepalett, av og til punktert av gjennomborende rødstikker som fungerer som en subtil påminnelse om den smerte som kommer. Du ser, Jigoku er et ventespill: En film som overfører sin tid i den monotone virkelige verdenen før den stuper i helvete. Den utmerkede åpningsscenen gir publikum et blodsnev som foreløpig pirrer i hver annen scene til vi endelig får oppleve Tartarus for oss selv: En kavalkade med fantastisk utsmykning, strålende farger, overdreven ekstrautstyr og ekte panikk mens karakterene får tid til tenke på konsekvensene av deres handlinger. Selv om det er kjedelig, belønner det oss med å se på tegningsretter Sinners of Hell minst en gang - for lite i kino samsvarer med den indre motstridende, uhyggelig livløse visjonen om underverdenen.

78. Tjuefire øyne (1954)

Etter en ung kvinnes matriarkalske plass i spissen for en klasse skolebarn og dens implikasjoner for samfunnet rundt, er Twenty-Four Eyes en feministisk tekst som mangler den transcendentale kjønnsneutraliteten til noe så mesterlig som Jeanne Dielman, men beholder sin plass som en viktig arbeide for sterk sentral forestilling fra Hideko Takamine og det Thiassos-esque narrative sporet som løper fra 1928 til 1946 i en bred studie av intern politikk og utviklingen av persepsjon gjennom årene fra fred til krigstid.

77. Mr. Thankyou (1936)

Hiroshi Shimizus taktfulle meditasjon om vårt samspill, Mr. takk følger en gruppe mennesker på en buss og utforsker alle slags følelsesmessige karakterer på den timelange reisen til destinasjonen (heldigvis vender seg bort fra en busstasjon som ville ende mindre glatt litt senere på denne listen). Det er et sjarmerende portrett av poesien i hverdagen som hever seg over så mange mer overfladisk ambisiøse filmer på denne listen for sin evne til å sitte og snakke i drøye 60 minutter uten å savne et slag. En bitte liten skatt.

76. Skamgaten (1956)

Teetering på kanten av en opus, Kenji Mizoguchi’s Street of Shame er en av de store svanesangene - en som trekker fra all mannens filmopplevelse så langt i karrieren og samler den til et betimelig, karakteristisk forsiktig og bemerkelsesverdig menneskelig arbeid. Bor i et horehus i skumringen av prostitusjonens lovlighet i Japan, konstruerer Mizoguchi et vakkert rørende tapet av konflikt og tilsynelatende 'amoralitet' gitt sitt sanne ansikt som gjennomborer oppfatningen og lar oss se fortidens fordommer. I dag gleder publikum seg ofte over helt heroiske eller kriminelt usunne karakterer takket være den prangende glimten til GoodFellas og andre lioniserende, ofte munter sadistiske skildringer av moralsk fornuftige karakterer. I 1956, særlig under en lovlig overgang, må en slik film ha vært uhørt. Kvinnene i Street of Shame prøver bare å leve - og det er det som gjør byrden deres enda mer hjerteskjærende.

75. Flytende ugress (1959)

Med rette ansett blant Ozus største prestasjoner som kunstner, 1959-tallet Flytende ugress sporer en reisende gruppe utøvere og familiens problemer de møter under sine reiser - spesielt gjenforeningen av tidligere atskilte partier som truer med å frita det lukrative teaterkompaniet. Det er like kraftig som Ozus beste filmer, men jeg tar et problem med historiefortelling her, spesielt strukturen. Holdt mot noen av de senere Ozu-filmene vi møter her, det kan ikke holde et lys for dem - men i det minste er det et mål på hvor dyktig en kunstner han var som Flytende ugress klarer fortsatt å bryte de 75 beste i lysstille, kontemplativ form. Fortsatt banebrytende.

74. Pastoral: to Die in the Country (1974)

Shūji Terayama ’s Pastoral er en sublim øvelse i odditet. Det ville være naivt for noen å kalle denne spesielle grenen av den bisarre 'surrealistiske' fordi Pastoral er langt mindre subtil enn det: Pakker sin korte kjøretid full av absurd komedie og fantastiske bilder som harkes til et minne regissøren opplevde i fremtiden. Det uforståelige av en slik inspirasjon er lite i møte med plottet og ideene - skjønt som med hans tidligere arbeid, reduserer Terayamas slapphet på ingen måte opplevelsen han prøver å gi - og hvis hans magnum opus prøver å uttrykke sinne og lidenskap fra en misfornøyd ungdom, så er dette hans egen mer personlige oppfølging: En utforskning i et fortryllende sinn som er fotografert og varmt realisert. Det er lett å lage en film rar, men å fremheve innvirkningen av den visuelle virtuositeten med personlighet, teknikk og regievne er noe mannen oppnår her. Det er virkelig noe å se.

73. Perfect Blue (1998)

Et definerende skrik av talent fra animatør Satoshi Kon, Perfekt blå finner fysisk i den interne kampen til et pensjonert popidol som prøver å forstå hennes nye identitet - alt innpakket i den stadig voksende pressen til den moderne verden. Kons visuelle følelser fører til både suverene og så dessverre overdrevne filmopplevelser - men jeg tror det berusende narrative designet Perfekt blå finner i ubarmhjertigheten som hovedpersonen torturerer seg selv og derved blir torturert, skyver den forbi ethvert regi-hikke. Det er et metafysisk stykke som tillater seg å gjøre skrekk virkelig - som skyver grensene for tradisjonelle animerte funksjoner for noe mer mørkt og urovekkende for sin tapperhet. Til tross for seg selv, skyr Kon seg ikke fra virkeligheten i sin skildring av mental nedbrytning - og det er det som forankrer de ellers daterte dilemmaene til Perfekt blå til denne dag. Et fascinerende, ofte forvirrende eksperiment med animasjon.

72. Dark Water (2002)

En direkte utvikling av det skremmende Ringen , Hideo Nakata ’s Mørkt vann representerer regissørens andre og kanskje eneste andre hit- og en som klarer å bringe stilen hans enda lenger. Det er prydet med en modenhet som unnslipper mange J-grusomheter, og understøtter kraften i det dramaet med en snedig oppmerksomhet mot klarhet og presisjon som mindre kunstnere ikke ville være i stand til å forstå. Det er pulserende forfølgelse av et usett mål, gjenklang gjennom hver scene og mote uunngåelighet til et våpen ikke bare av frykt, men også tvang.

71. Yûkoko: Rite of Love and Death (1966)

Yûkoko: Rite of Love and Death er beryktet av noen få grunner, nemlig fordi direktøren Yuiko Mishima også begikk selvmord gjennom seppuku etter et mislykket militærkupp. Mannen var grunnlaget for Paul Schraders aller beste film, Et liv i fire kapitler , og sentrerer seg som et beviselig fascinerende emne her - ved å bruke Noh-iscenesettelse og sterk komposisjon for å bekjenne sitt ordløse budskap. De squeam-induserende spesialeffektene er enormt imponerende for sin tid, og simulerer Harakiri-handlingen til oppsiktsvekkende effekt og gir den perfekte tegnsetting til Mishimas patriotisme. Ingen overgivelse.

70. Akira (1988)

Et glitrende, neon-laced landemerke for japansk animasjon og dens infiltrasjon av det internasjonale sentrumscenen, Akira markerer et revolusjonerende punkt fra anime og imponerer også i dag i sine glitrende farger, søt futurisme og amorf, avskyelig tittelfigurens dystre transformasjon. Mens historiestrukturen er rotete med sidetoner og ikke finner en klar retning å trives i, kommer den poppende erkjennelsen av Akira’s action og mer imponerende animasjon er det som gjør det så innflytelsesrikt og aggressivt engasjerende med skjær med ekspressivt utformede vignetter og overskrider den slapp-kjeftede dumheten i sin progresjon for noe virkelig spektakulært. Det er ondskapsfull, dynamisk og innbydende - en verdig klassiker og en start på en vidunderlig tid med å produsere animasjon av høy kvalitet.

69. namsmannen Sansho (1954)

Det er på dette punktet jeg må innrømme: Jeg har aldri likt arbeidet til Kenji Mizoguchi. Til tross for at jeg flere ganger har prøvd å snekke meg gjennom bildene hans, har ingenting noen gang satt fast. Lite om arbeidet hans engasjerer meg, og det som er der på et skriftlig nivå, faller ned i kjedelighet når han så rett ut transplanterer det til skjermen. Utvilsomt er det rart å finne i mannens arbeid - men det fortsetter å illudere meg. Alt dette i tankene, fant jeg i det minste litt trøst i min overvåkning av Namsmannen Sansho for denne listen - en film som tidligere hadde forlatt meg frustrert over sløsingen med så kraftig materiale. Dette forsøket blomstret ut i en ny forståelse av Mizoguchis ikonoklastiske tilnærming, en som føles ledig i sitt tidligere arbeid. Dens krydret med sterkt påvirkende scener, og selv om jeg føler at filmen er omtrent 20 minutter for lang - og kan stige til mestringsrikene i et mer kortfattet bevegelig rom - har det i det minste gitt grunnlag for den legendariske artisten på denne listen. Kanskje jeg ville satt Mizoguchis arbeid høyere her - man kan bare håpe.

68. Onibaba (1964)

Vår første film fra Kaneto Shindo, Onibaba snurrer en historie om mistillit og bedrag - to tyverier påvirket av en besatt maske som snart søker sin egen agenda. Atmosfæren til paranoia Shindo utvikler seg gjennom hans forsiktige iscenesettelse og knusende historie, tilsvarer flikkets suksess- spleising i nye karakterer og hendelser for å øke publikums følelse av frykt sammen med de viktigste aktørene for å gi en unik parallell følelsesmessig forbindelse. Men jeg tror, ​​fremfor alt dette, Onibaba’s varig status som en klassiker av japansk skrekkfilm stammer fra ett skudd: Et enkelt bilde som pakker så mye innvoller energi i sin lammende stillhet at jeg ble fysisk overrasket av det - motløs fra å våge meg tilbake til Onibaba i frykt for å møte den samme skremmende tilstedeværelsen. I møte med det ene, perfekt hjemsøkende settet med rammer, blekner resten av filmen nesten i sammenligning: Men å redusere det helt ville være å savne poenget med en slik kontrollert oppbygging, så vel som dens sensasjonelt håndterte klimaks.

67. Sonatine (1993)

Det som alltid er imponerende med Takeshi Kitanos arbeid er måten han gir levity til selv de mest slitsomme scenariene. Det nesten mangler Fyrverkeri og Voldelig politimann deler begge på en måte sin plass på listen med sin opus, Sonatine , og alle snakker om hans popularitet i innfødt Japan som en komiker og hvordan disse røttene subtly siver inn i hans filmatiske tilbud. Hver ramme han bor i, skinner - til tross for sin sammensetning av mørke og ofte brutale historier. Å leke med vår oppfatning av menneskelig moral og likhet så behendig er det som gjør Kitano så fascinerende en skikkelse som har kommet frem fra japansk kino de siste tiårene - og viser seg, som det så dyktig ble sagt av Rodger Ebert etter at jeg så Sonatine , at grusomme kriminalitetsstudier ikke trenger å ofre dybden for engasjement a-la Tarantino med sine overfladiske monologer og munnstykke 'karakterisering'. Kitano kan gjøre begge deler.

66. Demoner (1971)

New Wave vannmerke Toshio Matsumoto forbløffet 2 år tidligere med sin utsøkte Begravelsesparade av roser og 71’s demoner opprettholder hans sansemoment med et sterkt skutt nattlandskap som kaster hvert bilde i fullstendig mørke steder og spillere belyst i den marerittfulle mørket. Andre regissører har eksperimentert med denne teknikken, kanskje et tidligste bemerkelsesverdige eksempel som ligger i Louis Males avhør i Elevator to the Galows - men få har presset den til slike invasive effekter - hvert skudd pikket med en omfattende følelse av frykt og, avgjørende, fortvilelse. Uansett hvor nær hovedpersonene kommer til å unnslippe sine overnaturlige angripere, er ingenting trygt. Det er tydeligvis eksemplarisk eksistensiell skrekk.

65. Still Walking (2008)

Jeg tror den ruvende skyggen av Yasujiro Ozu kan kaste en betydelig skygge over enhver dramatisk filmskaper, og den høyt verdsatte Hirokazu Koreeda er kanskje sjef blant de rammede. Mannen prøver å unngå sammenligning ved å sammenligne sitt arbeid med Ken Loach, mer enn den japanske legenden, men en slik likhet er uunngåelig og fremhever flere mangler i Koreedas metode. Ozu inviterer deg til å sette deg ned med karakterene sine og gradvis avvikle historiens poeng, mens Koreeda stikker kameraet sitt i samme rom som dramaet og bare observerer lydløst. Hans stil er mye mindre direkte, noe som minner om den taiwanske mesteren Hsiao-Hsien Hous teknikk, men likevel enda mer løsrevet.

Alt dette i bakhodet fører imidlertid Koreedas nektelse til å trenge inn til noen kraftig intime øyeblikk senere på linjen - der han begynner å blomstre da karakterene lar oss bygge bro over de seks skillene mellom deres verden og vår. Noe så enkelt som en person som nærmer seg et piano, ekstrem forskjell i fokus som understreker viktigheten av scenen, gjør underverker for å gi publikum små, stemningsfulle glimt inn i hodet til karakterene hans. Faktisk Fortsatt å gå er en bastion av håp som oppmuntrer filmskapere i det moderne Japan til å falle inn i folden av familiedrama og streve for å fylle det med samme tvang og innvirkning som kunstnere som Ozu og Naruse gjorde for alle årene siden. Med regissører som Sion Sono på scenen, er det en gave at folk som Hirokazu Koreeda fremdeles er rundt kysten over den seedy underbuk og gir oss noe så stille og fengende i portrettet av forstedslivet.

64. Bekjennelser blant skuespillerinner (1971)

En brutalt ærlig, karakteristisk åpen film - ikke ulik den tilgivende inkvisisjonen av Vinterlys - Yoshishige Yoshida ’ Bekjennelser blant skuespillerinner følger traumene som fikk tre kvinner til å forplikte seg til håndverket sitt - regissørens første film i farger og fascinerende: En som i denne nye, rødmende fargenyansen fjerner mye av hans ekstreme kameraverk for en dyster, bar jakt etter sannheten og dens effekt på disse menneskene. Åpenbaring er på sin egen måte en form for helbredelse og Kiju Yoshida Bekjennelser blant skuespillerinner fungerer fantastisk som en debatt om den ideen.

63. Balladen om Narayama (1984)

Balladen om Narayama representerer kanskje Shohei Imamuras mest berømte film, i seg selv en nyinnspilling av en like æret klassiker. Det som skiller Imamuras stykke ut er hans taktile tilnærming til menneskelig handling - fascinert av de dystre responsene og de muterte psykene som har en sterk følelsesmessig belastning på en mann eller en kvinnes sinn. Hans tidligere filmer taklet slike emner mye bedre, men jeg føler at det ikke utelukker Balladen om Narayama fra å stå høyt blant dem. Den kjente folkehistorien er like nøye med å studere menneskelig atferd, og mens den mangler sykelighet som ga 60-tallet til sitt arbeid - Shohei Imamura leverer fortsatt et tilfredsstillende medfølende, ekte kunstverk.

62. Mandara (1971)

Mandara er på sin egen måte en av de mest film fascinerende filmene på begynnelsen av syttitallet. Utfordrende, men universelt givende i tema, fotografering og forbløffende stemning det skaper - det er et uvanlig stykke arbeid som kanskje hadde kommet seg inn i de øverste sjiktene på denne listen hadde jeg hatt tid til å dykke dypere inn i den rikt bisarre verdenen. Nok til å si: Denne lite sett New Wave-perlen er et absolutt must.

61. Fortellingen om prinsesse Kaguya (2012)

Den ærverdige Isao Takahatas 2012 return-to-form etter 1988s fantastiske Grav av ildfluer , Fortellingen om prinsesse Kaguya er bare nydelig. En familiefabel som passer i alle aldre, og den ’helt nydelige animasjonsstilen går tilbake til klassisk design malt i et teppe av hvitt - et ideell til det grunnleggende som har inspirert egenskaper i mer enn ett medium siden. Den vidtrekkende estetiske trekk av Kaguya er ikke helt formørket av historien, men dens lysende filmtvang er fremdeles uunngåelig berusende fra begynnelse til slutt og krever oppmerksomhet fra enhver fan av animasjon.

60. Ditt navn (2016)

Den siste filmen på denne listen, i fjor Navnet ditt er en åpenbaring. Populær kino i Amerika kan ofte være så livløs og kynisk, selv indiescenen begynner å bli tiltrukket av berømmelse mer enn kunstnerisk fortjeneste (for ikke å miskredigere de åpenbare unntakene fra denne voksende observasjonen). Jeg sier alt dette fordi jeg har studert moderne japanske utgivelser for denne listen, og det er spennende å ha en så fantastisk film som Navnet ditt være så vellykket i mainstream som det var. Japan har blitt oversvømmet og begavet med en rekke animerte funksjoner siden den gang Akira i 1988 og mens grovt ofte sverver diamantene under seg - en film som denne sterke slo igjennom med letthet. Uten introduksjon eller kommentar bare se Navnet ditt . Det er noe med hjertet og ærlige intensjoner vi alle kunne ta en leksjon fra i dag.

59. Nausicaä of the Valley of the Wind (1984)

Nausicaä of the Valley of the Wind er en tidlig bastion av animasjonstitanen Hayo Miyazakis sublime ferdigheter som kunstner. Historiefortellingen er utsøkt - bygger en slags mull apokalyptisk fremtid som i vår egen verden med retningsfrihet og nydelig realisering av landets unike flora og fauna - alt befolket med en mangfoldig gruppe ensomme sjeler som uttrykker den snikende anerkjennelsen av deres uvelkomne verden fantastisk. Det første av mange oppriktig, originale og saftig inspirerte verk fra Miyazaki.

58. Skal vi danse? (1996)

Jeg tror det som skiller Skal vi danse? fra noe annet “livsbekreftende” flick er hvor alvorlig det er. Akira Kurosawas egen avhandling om oppfyllelse (eller forferdelig mangel på det) i Ikiru er en skarp kontrast til den ufarlige sjarmen her - en som spirer naturlig og glir inn i våre hjerter, i stedet for å klore seg inn gjennom kynisk drevne plottpunkter. Det er en fantastisk film - en som har fått en så høy posisjon for hvor gledelig troverdig historien er og hvor komfortabel regissør Yoshikazu Suo er med sitt produkt. En fryd.

57. Akitsu Springs (1962)

Kiju Yoshidas store gjennombrudd, Akitsu Springs representerer begynnelsen av noe spesielt innen den japanske nybølgen. Allerede i 1962 var Yoshida i stand til å bringe det psykoseksuelle fokuset til mange japanske filmer på det tidspunktet til et topp og plugge dets indre dyp med upåklagelig nøyaktighet - en fascinasjon han bare ville fortsette å skjerpe etter hvert som tiden gikk. En serie med like fantastiske oppfølginger sementerte ham som et sentralt medlem av bevegelsen, men for meg er det Akitsu Springs som holder sterkest som innehaver av hans filmiske geni.

56. En kone bekjenner (1961)

Vår første film med tillatelse fra den frodige Yasuzo Masumura, 1961-tallet En kone bekjenner er en kronprestasjon fra den tidlige japanske nybølgen. Etter en kvinne som er siktet for ektemannens tilsynelatende tilfeldige død, fanger den bølgene av aggresjon, kynisme og avledning som er karakteristisk for den mørkere siden av japansk kino på den tiden - bortsett fra uten den ofte blodige, brutale volden. Det vi har her er sinnets vold gjennom skudd gjennom røtter som er piggd av bitterhet og overvåket av øynene som ser etter en fattig, livsfengslet sak å sammenligne sin egen elendighet med. Det er den tilslørede sykdommen til En kone bekjenner som gir et tungt trykk på sin samfunnsbit.

55. Profound Desires of the Gods (1968)

Shohei Imamuras lengste film, Guds dype ønsker er kanskje også den filmen som mest eksemplifiserer stilen hans. Etter den spente dynamikken i en isolert koloni og den spirende romantikken som blomstrer i kjølvannet, gir Imamuras litt avgående retning og gjennomsyrende glans av nesten journalistisk integritet et fascinerende dokument om innfødt liv, kjærlighet og hvordan vi er uløselig tiltrukket av våre egne ønsker- være det gjennom en bevisst delt primaltrang, eller et immaterielt implantat sendt rett ovenfra. Til slutt var Imamuras prinsippspørsmål til meg vanskelig å håndtere: Er det lettere å akseptere at våre guder er grusomme, eller at vi er det?

54. Den menneskelige tilstanden del 1: Ingen større kjærlighet (1959)

Den første i en episk filmtrilogi, Den menneskelige tilstand del 1: Ingen større kjærlighet er en film som vil sette presedensene for oppfølgingen - en liste over både styrker og svakheter regissør Masakai Kobayashi bare hadde tid til å lære av i ettertid, og aldri klargjøre den perfekte balansen for hans enormt ambisiøse stykke. Ingen større kjærlighet har flere udødelige øyeblikk, spesielt en henrettelsesscene som varer i 10 minutter og ser den syende vreden til den undertrykte Manchu boble utover frykten alle våpen og piggtråd inspirerer til noe spesielt resonant til i dag - så vel som slutten på en lysbue for flere tegn. Det er en lang, overmettet og til slutt ineffektiv film & hellip; men det er også en mesterlig håndtert undersøkelse av krigens toll. Ubalansert til et ekstrem, Den menneskelige tilstanden 'S åpningskapittel finner solid nok grunnlag til å danne en film hverken eksekverbar eller eksepsjonell: Men en er fortsatt mer enn verdig nok til å tappe inn i topp 60 her.

53. Kast bort bøkene dine, samle i gatene (1971)

Kast bøkene dine, Rally in the Streets er et rush av blod til hodet. Et levende, sløvt arrangement av frakoblede vignetter som tegner et levende bilde av den japanske ungdommens løsrivelse fra gamle verdier. En avvisning av formalisme for noe mer moderne, futuristisk - skåret i stykker og likevel helt komfortabel i sin egen uforståelighet. Det er den kreative naturen i bransjen som er blitt manifestert i tankene til de unge, noe som resulterer i en oppsiktsvekkende, forlokkende og ofte svindlende batch-scene. Få filmer fra til og med den japanske New Wave kan tenne den samme strengt opprørske ilden.

52. Red Angel (1966)

Massivt produktiv mester Yasuzo Masumura jobbet med en kolossal 33 filmer akkurat i løpet av 1960- og et av høydepunktene i hans hevende verk er 1966s sublime Red Angel. Sentrert i en romantisk engasjert ung sykepleier som blir kastet inn i krigføring, utvikler Red Angel sin utmattende verden eksepsjonelt godt: Begynner med legionene av veteraner nettet med arr og sprøytet med eget blod og svette på operasjonsbordet i et snusket, forlatt kompleks - alt før de til slutt blir kastet i smeltedigelen til denne dødelige konflikten. Den håndgripelige frykten er et tegn på Masumuras overdådige impresjonistiske kant - og markerer ham som en definerende, dessverre overskygget stemme av nasjonens kino i løpet av 1960-tallet.

51. Mannen uten kart (1968)

En sørgelighetsfull undersynoppføring fra Hiroshi Teshigaharas upåklagelige verk, pliktoppfylt overskygget av hans ruvende arbeid fra '62 til '66, 1968 Mannen uten kart ser den strengt ikonoklastiske regissøren overgå fra sterk monokrom til forlokkende fargefotografering: stirrer ut over den viltvoksende labyrinten i det industrielle Japan med en dyster, noe kjedelig palett som så rikelig gjenspeiler hovedpersonens usaturede ønske om svar. Mannen uten kart løper i elver av tvil og forvirring, og lander sin detektiv på dypt vann for de minste innfall og sjelden tillater ham å få et sekund til å puste og ta i seg det enorme av alt.

Teshigahara urbaniserer leken den torturistiske jakten på hovedpersonene sine med en verden som nekter katarsis i hver eneste omgang, og kommenterer den uopphørlige usikkerheten i det moderne liv med djevelsk presisjon. Han forlater den nyanserte overnaturligheten og surrealismen i sitt tidligere arbeid for et langt mer jordet stykke som er et resultat kanskje enda mer hjemsøkende enn den sisyfiske smerte av Kvinne i sanddynene eller Fallgruver utenkelig, følelsesløs dødsangrep. Mannen uten kart slår oss på hjemmebanen, og det er derfor det er så forvirrende - så nervøst - og hvorfor det fortsatt er et så viktig kinoverk frem til i dag.

50. Insektkvinnen (1963)

Vår fjerde film hittil av æret mester Shohei Imamura, den noe mer respektable siden av Nagisa Oshimas mer farlig overdrevne mynt, Insektkvinnen er en eksemplarisk fremstilling av hvorfor Imamuras visjon om seksuell politikk alltid var langt mer fascinerende enn den for hans kontroversielle samtid. Det er en film med overdådig visuell kontroll: Innpode bildene med mening og vekt, samt deilig estetisk kraft som bløder så mye mening i monokrom - Kvinnens daglige liv som er omgitt av et bølgende hav av svart og hvitt som blir så mye til mystikk, som i Tetsuo: Iron Man . Den uhyggelig forutgående åpningsscenen, mens den er enkel, syr frøene til Kafkan-buret Tome (spilt vakkert av den fortjent beærede Sachiko Hidari) er plassert i - og antyder de monstrøse implikasjonene til Imamuras onde tittelsett i bevegelser. Det er vanskelig å se, ikke minst hjulpet av Imamuras problemer med pacing, men er fortsatt veldig viktig kino hele tiden.

49. Pulse (2001)

Kiyoshi Kurosawa har jevnt og trutt slått over sin klasse under vekten av sin kjente navnebror med en fantastisk rekke illevarslende innsats - men ingen har overskredet den overveldende ledige stillingen i 2001 trykk . Drypper av frykt og bruker skarpt bruk av teknologiske referanser i tide uten å stole på dem i en slik grad at det aldrer bildet, trykk er en superlativt skummel oppfatning av moderne hjemsøking som gjør langt mer effektiv bruk av det kjente ansiktet til sine Yūrei-ånder enn mange mer berømte skildringer av blekhårede stalkere.

48. Battles Without Honor or Humanity (1973 & hellip; 1975)

Kinji Fukasakus flerdelte kriminalitetsantologi er Gudfaren jacked opp på hvert stoff under den stigende solen. Fukasaku filmer vold som jazz når han følger en herskende kriminell familie gjennom årene - ofte fra dyttende hyperstyliserte vinkler og redigering for å sikre den flyktige effekten av hans kinetiske montasje, uten Coppolas perfeksjonistiske stykke. Mens det mangler kompleks karakterutvikling, tematisk oppløsning eller til og med grunnleggende smak, er det noe så levende Kamper uten ære eller menneskehet at jeg ikke kan unngå å elske det. Hver film legger til det siste og representerer samlet en senit for populistisk krimkino på 70-tallet i Japan. Lite kan noen gang komme i nærheten.

47. Kwaidan (1964)

Masakai Kobayashis karakteristiske, godt utformede skrekkantologi, Kwaidan er et medrivende dykk inn i mysteriet og ondskapen til gamle japanske fabler, middelalderrøttene til J-Horrors forskjellige rollebesetning med uformelle utseende og uunngåelige forbannelser. Den ubarmhjertige mangelen på nåde eller pusterom allestedsnærværende i Japans blomstrende skrekkscene blir berørt av hånden til en mester her, og resulterer i en visuelt overdådig perle som klarer å puste alarmerende nytt liv i ellers daterte historier. Det er uten tvil den fineste skrekkantologien som noen gang er laget: Med den ufortynnede stemmen til en utsøkt filmskaper som lyder høyt og tydelig at J-skrekk er noe å frykte. Tiår senere er vi fremdeles fanget i dens gullformede grep.

46. Tokyo Drifter (1966)

Blazing maverick Seujin Suzukis forbannende stykke pop-art-geni, Tokyo Drifter går som et fyrverkeri og gir mer til sin stilkant enn selv Quentin Tarantino og Martin Scorsese kan hevde i dag. Filmens brennende innflytelse markerer spesielt redigering og tilnærming til handling - ikke ulik måten Goddard er uendelig overdreven på Åndeløs fortsetter å forme måten vi kutter på. I mye mindre grad glir Suzukis stykke inn i så mange rammer av moderne krimkino - men det er det sterkere eksemplet på stil som frir alt behov for substans: Dens skytevåpen går ut som et fyrverkeri med zappy neoneffekter som flammer rødbrun herlighet med hvert hagl av skudd. Laget av en koreografmester på toppen av spillet sitt - Tokyo Drifter er massekino på sitt spennende beste. Elektrisk og fortsatt et stort fat moro.

45. Grav av ildfluer (1988)

På overflaten en omvendt av Hayo Miyazakis fabler for universell publikum, det ghibliske ikonet Isao Takahatas ærverdige Grav av ildfluer står som en av de mest anerkjente animasjonene som noensinne er blitt hevet med følelsesmessig tyngde som skyldes sin mesterlige bruk av mediet. Sak i punkt: Grav av ildfluer ville ikke være like verdsatt eller til og med bemerkelsesverdig hvis den skulle ha taklet historien i virkelighetsriket. Takahatas linse er imidlertid tegnet. Bildene hans injiseres med en eleganse og uskyld som indikerer barndommen - en som komplimenterer hans hovedpersoners situasjon perfekt. Mens noen er sikre på at det kommer over som en svak bryter, er det få filmer som har brukt flink kunsten animasjonen til å understreke kraften i budskapet. Forkrøpende anti-krig begynner Takahatas uttrykkelig elegiske visuelle sammenstøt mot det overveldende triste oppsettet av historien: La en anelse kynisme flykte fra sitt lufttette estetiske grep - selv om det ikke har liten betydning. Grav av ildfluer er en hjemsøkende og ofte vakker opplevelse av krigstid.

44. Samurai-trilogien (1954-55-56)

Regissør Hiroshi Inagakis deilig tiltalende populistiske serier er et utsøkt svømmetur av underholdende underholdning, og er et landemerke i filmopptak av action-eventyr og muligens den fineste trilogien for å prise undergenren. Ledet av en som alltid sterling forestilling fra Toshiro Mifune og pockmarked med lite glimt av modenhet, spesielt på slutten av den første filmen, blir Inagakis relativt inoffensive og ukompliserte fortellinger bøyd på en så skarp og spennende forståelse av filmhandling som 1950-tallet. har å tilby. Hans bevegelse av kameraet er spennende, og dirigerer skuespillere med en voldsomhet og kraft som hjelper trilogien til å overvinne sine fortellende tørre staver med tillegg av en spennende sverdesekvens. Det er ikke noe spesielt på en dramatisk front, men kan skryte av nok lidenskap for håndverket og overraskende soulfulness i suksessene til å garantere en så høy plassering. Vital visning for fans av eventyrkino.

43. Den burmesiske harpen (1956)

Kon Ichikawa's breakout stykke om en japansk soldat som sklir inn i landet han en gang okkuperte og forsøkte å finne fred i smerten fra en etterkrigsverden, Den burmesiske harpen har fått forståelig kritikk for sin ofte avstumpede skildring av krig: Flere dansende tropper og lettvint plott-bevegelser enn en full, oppslukende ta på seg tiden. Paradoksalt nok tenker jeg hva som hjelper Den burmesiske harpen overvinne disse problemene er hjertet bak dem. Til tross for hans rikelig kontrollerte historiefortelling, fletter Ichikawa vakre bilder gjennom hele filmen - og pryder hver scene i minst ett innrammbart tablå som samtidig bidrar til den statiske sophomorismen i hans regi effektivt klarer å formidle stemningen - spesielt i en sekvens der dødsstyrt soldater blir kuttet ned av mørtel og vår helt våkner midt i et blodig hav av lik: Med inspirerte skudd som ligner Rembrandts utrolig stramme sammensetning enn noen vanlig krigstidssak. Det er på en måte forenklet, men svakheten overskygger aldri den kollektive virkningen som Ichikawas lysende fotografering og dyktige ydmykhet skaper.

42. En side av galskap (1926)

Det tidligste stykket på denne listen, En side av galskap er en stift av stille japansk kino for sin rungende estetiske stemme: Et stykke som har informert om galskapen og den glødende kreative gnisten som gir drivstoff til de mest vidunderlige verkene i deres bransje selv i dag. Portrettet av et asyl mangler nyanse eller dyphet i noe sånt Titucut Follies eller til og med menneskeheten til Gjøkeredet i fiktiv form - men den transcendente takewayen fra denne milepælen fra 1926 er en utvidet forståelse av japansk førkrigskino utenfor dramatiske titaner som Ozu, Mizoguchi, Yamanaka og Shimizu. Det vi har her er en kilde til deres fremdeles rennende elv av filmisk utfordrende, stilistisk provoserende og forsettlig farlige arbeidsstykker som er desto mer fascinerende med denne gaggelen av tragiske kunstnere i tankene.

41. Den skjulte festningen (1959)

George Lucas 'beryktede lille franchise Star Wars ble bygget på baksiden av The Hidden Fortress, med A New Hope som stjal alt, men det er avgjort fra denne eksepsjonelle eventyrhistorien. Det er synd å se denne 'uoffisielle nyinnspillingen' slippe unna med drap, og knuse Kurosawas flick under vekten av den kolossale etterfølgeren - fordi The Hidden Fortress er en langt verdig klassisk flick enn Lucas 'serie noensinne kunne påstå å være. Pakket med spennende action, morsom karakterisering og en sterk visuell teft som er vanlig for selv Akira Kurosawas mest middelmådige innsats. Alt dette i bakhodet, misstråler jeg ikke Star Wars for dette - bare ønske at Kurosawas strålende stykke arbeid ble holdt i samme åndedrag.

40. The Human Condition pt 2: The Road to Eternity (1960)

Det slagbitte stykket av Masakai Kobayashis episke trilogi, Veien til evigheten fungerer som en betydelig japansk krigstid episk passform for å bestride noen Redd menig Ryan , om ikke helt så farlig som noe som Sam Fullers Den store røde eller Hjelm i stål . Det beholder den rotete etiske besettelsen av Den menneskelige tilstand del 1: Ingen større kjærlighet men klarer å bygge videre på den med visceral kampopplevelse og en målt, konsekvent tilnærming til karakterene som er understreket av deres liv og død i en dødelig del av menneskets historie. Som med hvert segment, Den menneskelige tilstanden kommer nærmere og nærmere å oppnå sin navnebror, og mens del 2 ikke innser denne ambisjonen, prøver den i det minste. Mer enn vi kan si for de fleste filmer av tiden.

39. Heroic Purgatory (1970)

Umiddelbart uforståelig, uttrykksfull og visuelt forvirrende: Heroic Purgatory er en perfekt grunning for Yoshishige Yoshidas eksepsjonelle filmografi. Hans imponerende fremmede estetikk er ofte desorienterende - hvert skudd bøyer vårt forhold til verdensrommet, hver kutt fragmenterende tid er ikke ulik den frenetiske minneinspirerte fortellingen om Alain Resnais - og ærlig talt gjør plottet til Heroic Purgatory spesielt virkelig vanskelig å både følge og forstå. Hans fragmenterte fortellingsteknikk setter enda større belastning på mindre åpne publikums ønske om en helt sammenhengende fortellende opplevelse - men de udefinerbare gledene som ligger i Yoshidas forvrengte verden gir rettferdighet til deres presedens i forhold til tett strukturerte historier. Å beskrive Heroic Purgatory ville være umulig. Å ikke anbefale det utelukkende på grunn av sin egen umulighet - vil være en forbrytelse.

38. Intentions of Murder (1964)

Shohei Imamuras dystre triptykon av Griser og slagskip, mordintensjoner og Pornografene traff sitt ubestridte toppdøde sentrum med en film som i farlig detalj observerer situasjonen til en kvinne som flørter mellom et nedverdigende forhold til mannen sin og en plaget affære med voldtektsmannen. Sistnevnte første møte og scenen som følger direkte etter det, er vakkert kortfattede eksempler på hvor sublimt stygge Imamuras verdener kan være - og hvordan menneskelig kontakt ofte kan føre hans karakterer til ekstremer mange kan prøve å miskreditere som uakseptable. I sannhet, Intentions of Murder’s grusom, men ærlig studie av undertrykkelse og litt syk frihet gjennom kjødelig uttrykk, klarer å gjenspeile et like nøyaktig portrett av noen av oss i samme situasjon som hans beste filmer.

37. Attentat (1964)

Masahiro Shinodas dobbeltutgivelsesår i 1964 så forutsigbart to av de fineste filmene landet ennå har produsert, hvor den siste var Attentat . Et lysende eksempel på komfort i skala, Attentat vever et tematisk ambisiøst drama som trekker nok ut av sin enkle historie til å bli betraktet blant de finere filmene på denne listen: Like fantastisk opplyst og fotografert som en hvilken som helst film fra midten av 60-tallet med action så presis og kraftig som du forventer fra stallen til Shinoda. Det er underspilt etterligning av mental tilstand når ville rykter om målet blir opphevet og dypt rundt danner en fortelling som fryder seg i sine øyeblikk av uforutsigbar uforståelighet - raskt bytter fra virkeligheten til fortiden for å forlate både publikum og flere engstelige grupper av blivende. mordere på barberhøvelens kant av triumferende seier og sikkert dødelig nederlag.

36. The Naked Island (1960)

Kaneto Shindos stoiske undersøkelse av et stille landliv, The Naked Island inneholder nesten ingen muntlig dialog, og skifter fokus helt til bildene for å fortelle historien eller, mer nøyaktig, for å skape sin _feeling_. Shindos ikonoklastiske tilnærming til filmproduksjon fører til noen vakkert resonante bilder gjennom filmografien, men mens Onibaba og Kuronekos bilder forbedrer fortellingen i små lommer med visuell inspirasjon - The Naked Island er 96 minutter med viktig fotografering. Det fletter sammen på en måte som får Bergman til å rødme, dyrke et humør og la det blomstre til noe universelt og påvirker. Stillheten og trengsel Kanetos lille øyfamilie møter hver dag, nesten som en merkelig optimistisk omvendt av Béla Tarrs Torinohesten. Hva den mangler i den filmens knusende kraft, utvikler Shindo seg i stedet til en ritualistisk feiring av menneskelig utholdenhet og den naturlige skjønnheten en slik innsats kan gi. Kjærlig, opplysende og en umulig absorberende liten opplevelse.

35. Branded to Kill (1967)

Hvis den nevnte Sejiun Suzuki ville slå sin stilistiske topp med 1966-tallet Tokyo Drifter , en film som ble så utskjelt av produsentene at de fordømte oppfølgingsbildene hans til strammere budsjetter og sa bort enhver sjanse for at han brukte farger, så Branded to Kill ville bli hans kreative zenitt - og et perfekt eksempel på kunst gjennom motgang. Mannens elektrifiserende magnum opus, Branded to Kill følger en kontraktsmorder som prøver å illudere en enda dødeligere snikmorder mens han sprenger seg gjennom legioner goons og en lynrød romantikk. Det er for alltid skarpt uten å miste kornet, når foreløpig inn i et mer dramatisk ambisiøst territorium og klarer fortsatt å pakke innstillinger fulle av ansiktsløse skurker for at vår antihelt kan skyte ned i flokk. Merket til Kill’s stil som fremdeles klarer å søke etter mening, uansett resultat, er det som markerer den over resten av pakken.

34. Sword of Doom (1966)

Actionmaestro Kihachi Okamotos stilige pilot for en dessverre avlyst trilogi, The Sword of Doom er den ultimate filmkatarsisen. Det er en faglig koreografert visning av djevelsk sverdspill som den ledende legenden Tatsuya Nakadai står overfor Toshiro Mifune og en endeløs horde av navnløse goons som helvete er på å demonstrere hvor dødelig det titulære våpenet kan være. Tiårene faller foran bladet, spesielt i flickens strålende uvurderlige uløste sluttscene, og mens det er hengivenhet til historiefortelling og karakter er i beste fall tangentielt - atmosfæren og regissørens bravado sparer hele tiden det fra å bli bare nok et actionhøydepunkt. Vel verdt å se gjennom til den bitre, blodige enden.

33. Hausu (1977)

Så høyt et kompliment som noen kan betale en rar film er at den forblir rar. Mange av oss har kalt noe rart fordi vi er uinnvidde - bare for å oppdage at det antas at odditet blekner i forhold til senere filmoppdagelser. Slik er vår vei gjennom film - som dette er en veldig langvarig måte å si det på Hausu er helt mental. Stadig harry av en til tider inspirert, ofte gnistrende, men alltid sinnssyk bakgrunnsscore og fylt med scener av skolejenter som kjemper med besatte vannmeloner, blir spist av drapspianoer og unnslippe et uhyggelig fantomkatt helvete bøyd på å forbanne hver sjel som krysser terskelen. I utgangspunktet er det Ju-On men med selvbevissthet og svimlende kreativitet å gå hele veien på stil alene - foregående bakgrunnen mythos historie som så ofte mars hjemsøkt hushistorier med en absolutt hengivenhet for svimlende kunst. Den resulterende opplevelsen er en strålende masovn med moro.

32. Ikiru (1951)

Akira Kurosawas høyt fremskrevne portrett av alderdom, Ikiru løper som en trofast parallell med Ozus eget arbeid med mennesker i vinterårene - og mister sin minimalistiske retning for Kurosawas langt mer direkte, intense arbeid. Resultatet gir et slag: Flere scener som slikker med kinetisk tilbakemelding, bare gjennom styrken til bildene og stillheten eller svulmene i lyden som følger med dem. Jeg tror Kurosawas stemme bidrar lite nytt til den eksepsjonelt sterke kinoen om aldring og generelt ikke klarer å treffe avsløringshøydene på Villjordbær eller Livet og døden til oberst Blimp til tross for deres komparative mangel på filmisk umiddelbarhet - men ingenting av det forringer den fantastiske resonansen i AKs arbeid her.

31. Blind Beast (1969)

En enestående utforskning av sensualitet og fysisk essens, Blind Beast sporer forholdet mellom en blind mann og en kvinne han tar til fange, fanget i en møysommelig utformet labyrint teppebelagt i skulpturer av menneskelig form - med vegger dekket av øyne og lepper mens gulvet er nettet med et uunngåelig virvar av lemmer. Det er surrealitet og spennende forutsetninger er ikke vinduer i noe virkelig tett tematisk grunnlag, selv om regissør Yasuzo Masumura faktisk klarer å eksternalisere forholdet mellom begjær og lengsel langt bedre enn den konsekvente knivkanten av fiaskoen Nagisa Oshima så ofte glir og skiver seg på. For mer kontemplative stykker om seksualitet er Yoshishige Yoshida en viktig kunstner - men å benekte Masumuras helt unike visjon her ville være kriminelt - uavhengig av dens manglende substans. I stedet fyller han filmen med nydelige sett og verkende følelser som klør på karakterene. På en stilistisk front, Blind Beast helt svever.

30. The Human Condition pt 3: A Soldier’s Prayer (1961)

Masakai Kobayashis ødeleggende kraftige avslutning på hans ti-timers trilogi, The Human Condition del 3: A Soldier’s Prayer fungerer som en kulminasjon på alt Kobayashi har utviklet seg gjennom, like deler som er innflytelsesrike og overarbeide - som med de andre brikkene. Det er synd at serien aldri helt overvant bokens slappe lengde, og heller ikke den tvungne humanismen som av og til kan hindre regissørens ellers sterke form: Imidlertid hadde vi aldri vært begavet med en overveldende samling av vakkert realiserte uten disse stilete øyeblikkene. scener som kunne ha laget et mesterverk helt alene. En soldatbønn er ikke mer delikat enn forgjengerne - men følelsen av en slutt henger over Kobayashis arbeid som en sliten daggry - ivrig etter å ta den nye dagen med en fornyet aksje i den japanske filmindustrien. Både en ruvende triumf for episk kino og, enda viktigere, det siste trinnet gjennom berømmelsesporten som ga Kobayashi rikelig kunstnerisk frihet det neste tiåret. Resultatet er, som vi skal se, mer enn verdt noen timers øvelse & hellip;

29. Dobbelt selvmord (1969)

En alarmerende uhyggelig utforskning av den kreative prosessen, Dobbelt selvmord ser et dukketeater av tre iscenesatt med intensjonen om de to lederne som ender seg med å bli brakt til live - med skyggefulle figurer som stikker scenene for å utvikle sin narr. En feberaktig skummel fortelling når fasaden faller ned og de marerittfulle dukketeaterene krever sine neste trekk - ofte forvandler de settene sammen med Masahiro Shinodas skiftende kamera for å danne en fryktelig forvrengt romfølelse. Utenfor sin mangesidede kunstneriske innretning, handlingen av Dobbelt selvmord er relativt konvensjonell og klarer ikke å finne noen dyp grunn - men det er kanskje det som sikrer suksessen: Shinodas nøye undersøkelse i sin egen kreative blokk som nysgjerrige demoniske hender trekker i kantene av visjonen for å gjøre den mer presis - så vel som å spore den intensjoner helt. Det være seg en representasjon av hans indre kamper eller en arbeidsstyrke som regissøren ikke klarer å koordinere - det dobbelte innholdet i Dobbelt selvmord overgår sin middelmådige fabel for en filmopplevelse som fortjener topp 50 og mer enn eksempler på Masahiro Shinodas kolossale talenter som filmskaper.

28. Ring (1998)

Mens det noe lignende Ju-On kveles under belastningen av sitt eget ledige kjedsomhet, Ringu ’s tomhet er dens dødeligste våpen. Regissør Hideo Nakatas seende hav av stillhet gjennomsyrer og invaderer hver scene som går, og fremhever hver lyd med den økte intensiteten til en fryktdrevet person som pulserer med adrenalin - uansett hvor dagligdagse scenen. Og så skår relevante lydteller som telefonen som ringer, gjennom stillheten med kompromissløs voldsomhet. Det er ingen flukt fra Ringen i ethvert hjørne av hjernen din. Uansett hvor du løper - så snart du treffer spillet, forlenger du bare det uunngåelige. Tross alt, hva kan være mer skremmende enn døden bekreftet av vår egen uunngåelige nysgjerrighet?

27. Kuroneko (1968)

Kaneto Shindo ’s Kuroneko føles som en blærende mirage av skrekkfilmkompositter strødd sammen for en perfekt demonisk visjon om absolutt mareritt. Det komplekse moralske dilemmaet som putrer under overflaten, er et nytt inntrykk av de ustoppelige åndene japanske skrekkmedier har banket på siden begynnelsen - og skaper en egen fortelling som overvinner grovheten til Shinodas tidligere Onibaba å danne noe spesielt. Det er et forførende skudd, estetisk engasjerende arbeid som bygger bro mellom virkeligheten og uhyggelig fantasi med et tydelig medfølende blikk - til tross for motivets stridende raseri. Ikke bare en definitiv J-skrekkfilm, men også en klassiker av verdensdrama på slutten av sekstitallet.

26. Spirited Away (2001)

Det er lite i veien for animasjon som fullt ut kan konkurrere med Spirited Away , i det minste i en kreativ forstand. Filmen er overbelastet med et fantastisk hav av unike design og minneverdig utformede figurer som alle beveger seg og snakker like ekspressivt som lederne. Det detaljerte universet som Hayo Miyazaki klarte å lage, oppveier i mitt sinn langt den karakteristiske rare historiefortellingen og tempoet i arbeidet hans - ikke ulikt Akira ved at den hopper fremover og bakover i progresjon med tilfeldige intervaller for å ekte ut materialet til en annen handling; om den listløse faren Spirited Away befinner seg i tillater oss i det minste å suge i sine levende kreasjoner litt lenger.

25. Death by Hanging (1968)

Jeg har skutt små, små bemerkninger til den anerkjente regissøren Nagisa Oshima gjennom hele denne listen og forstår infantiliteten til en slik holdning: Men jeg gjør dette bare fordi denne virkelig talentfulle filmskaper så ofte drukner i obsessivt oversexualisert filmutgang. Imamuras sammenlignende konfronterende streng av tidlig arbeid er effektiv i sin underliggende kommentar til menneskelige følelser - men med Oshima er så lite overlatt til fantasien, jeg begynner å tro at det ikke er noe som ligger bak frustrerende inept arbeid. Det vil si med unntak av 1968s strålende bisarre Death by Hanging. Historien om en henrettelsesmann som nekter å dø, Oshima bruker sin skarpe, men likevel oppmerksomme linse for å fremheve en rekke sosiale problemer, regjeringssvikt og menneskelige uttrykk - alt innpakket i en stadig morsom, komisk komedie med en trygg selvbevissthet, en filmskaper så ofte ond som Oshima tidligere hadde virket så langt borte fra. Ikke før eller siden har han klart å matche dette inspirerte skuddet mot dødsstraff, noe som er synd - men i det minste fikk vi se ham sveve minst en gang.

24. A Fugitive from the Past (1965)

Tomu Uchida ’ En flyktning fra fortiden er, med et ord: Eksepsjonell. De overlevende filmene fra den kompetente regissøren er ganske enkelt uten sammenligning med arbeidet som vises her, og snakker til en slags serendipitøs lyn i en flaske da Uchida var begavet med akkurat den rette historien for å oppfylle sitt løfte som kunstner. En flyktning fra fortiden ser på vold og selvforskyldt sorg på en måte få filmer som kan måle både mot tidens sand når den sildrer ned og flere karakterer kommer nær å levere guddommelig gjengjeldelse på vår hovedperson - en unik utfordrende karakter å både rote for eller imot som han prøver å unnslippe den blodige veien for vold han hugget gjennom Japan i sine tidlige år. jeg finner det En flyktning fra fortiden er så enestående kraftig og til og med muligens dyp i oppløsningen at jeg ikke skal si mer annet enn, selvfølgelig, å se det så snart som mulig.

23. Pitfall (1962)

Hiroshi Teshigaharas oppsiktsvekkende debut, Fallgruve blander sjangre med tilliten og presisjonen til en eldre mester - mye mindre en regissør som bare hadde håndtert dokumentarer tidligere. Mens han sliter litt med å holde historien overbevisende i hele 97 minutter - hva Fallgruve tilbyr oppveier eventuelle problemer med den fortellende gjennomføringen. Leker med vår oppfatning av virkeligheten ved å blande mordere, fantomer og surrealistiske bilder- Fallgruve er ofte skremmende da de mange karakterene desperat prøver å avverge sin ustoppelige angriper: En normal mann kledd i en hvit drakt som svinger med et bryterblad. Menneskeheten til Teshigaharas uhyggelige drapsmann fungerer som den første av mange sosiale kommentarer hans verk gir i bildet alene - aldri ofre tid eller troverdighet til å skyve et poeng hjem. Fraværende til venstreorienterte tilbøyeligheter Fallgruve beholder kraften som en opprivende filmopplevelse: Med flere sjokkerende scener som taler til klarheten og håndverket i Teshigahara-metoden mens han injiserer selv de mest unike øyeblikkene med et stort utvalg av følelser som så fritt danser rundt hverandre - svalehale fra humor til gru i et hjerteslag. Få debuter har vært like nøye klar over sin mesters karrierevei.

22. Tokyo Twilight (1957)

Yasujirō Ozus siste svart-hvite film, Tokyo Twilight’s tolls som både en kontekstuell elegie til mannens monokratiske utflukter, så vel som kanskje hans mørkeste innslag. Ozus bemerkelsesverdige skifte vekk fra sin egen 360-graders regel for å i stedet sitte bak tegn, deres mulle ansikter erstattet med et overveldende blankt, kaldt hårhode er en mesterlig avvik fra hans karakteristisk involverende blokkering og komposisjon for en langt mørkere affære - en som reflekterer hans nøkkelspillernes ubehagelige situasjon. Tokyo Twilight tar signaler fra Hollywood noir med sine dvelende skygger og gjørmete, ufullkomne scener for å skape en universelt uforgivende, til slutt målløs filmverden som påvirker i sine dystre følelsesmessige paralleller til vårt eget samfunn, snarere enn en uforholdsmessig dystopi som sikkert ville mistet sin glans i tide. En eksepsjonell, sårt underskjermet perle.

21. Eureka (2000)

Den lengste enkeltfilmen på denne listen, S’s Eureka strekker seg i s - og jeg føler det ville være tilgivelig å røpe noen av dens plot-linjer. Selv for det rikeste året i nyere filmminne, Eureka rangerer fremdeles blant de aller fineste filmene fra 2000- og faktisk tiåret som helhet: Et høytidelig, visuelt slående og unikt & hellip; Japansk portrett av sorg. Bare i et slikt land kunne slik nøkternhet og påvirkning av melankoli sammenkobles med en taktil strøm av humor, livlighet og uforvarende velkommen absurdisme - alt vevd inn i et svingende tapet av menneskelig følelse som ganske enkelt må sees. Ikke les noen sammendrag - Ikke se på det - Bare se Eureka .

20. Vengeance is Mine (1979)

Regissør Shohei Imamura er en overlegen figur av uanstendig kino. Hans mørke, skadede karakterer og konfrontasjonsladede situasjoner artikulerer en skamløs fascinasjon med menneskets sjeles korrupbarhet. Vengeance is Mine transponerer Ryūzūo Sakis beretning om seriemorderen i virkeligheten Akira Nishiguchi med opprivende raffinement: Presenterer et dypt voldelig, sosiopat og likevel umiskjennelig ekte menneske med alle våre idiosynkrasier som gir sitt rede for amoral ødeleggelse. Imamuras tempo kolliderer med strømmen, i samsvar med det, men jeg finner ut at i dette tilfellet berettiger historien en utvidet kjøretid og til slutt gir en unik metafysisk oppløsning til et så brutalt stykke arbeid - og påkaller vinden og selve jorden til felle sin siste dom.

19. Yojimbo (1961)

I actionkinoens riker smeller det litt på hælene våre Yojimbo . Kurosawas innbydende bruk av leitmotiv stikker en kilde inn i trinnet til karakterene hans og fungerer også godt til å spole spenning, så vel som enhver Morricone-poengsum. De skarpe action-sekvensene er litt avstumpet av den slapp lyddesignen og forståelsen av offentlig squeam - noe som flikker Sveriges død og Attentat har ingen problemer med - men det det gir i bytte er en stadig komisk forestilling på bunnen av Red Harvest - Mifune viser seg en klassisk forestilling som oser av fysisk personlighet og vidd, og fungerer som hjørnestenen til det som uten tvil er den fineste rett opp actionfilm noensinne laget.

18. Audition (1999)

Audition er en film med feberaktig presis kontroll over sin egen tone. Den ellers hit-and-miss Takashi Miike har gjort navnet sitt bak på en produktiv, tidvis fruktbar karriere som har gitt liv til banebrytende klassikere som Besøkende Q og Øye - men lite om hans regi-stil formidler utad den selvtilliten og den akutte ferdigheten som kreves for å få frem noe så dristig vridd som Audition . Myke mer moden enn noe av hans omkringliggende arbeid, utforsker Miikes opus et enkelt premiss med brutalt effektivt: Tainting hvert ømme øyeblikk med en saftig dyster palett og uhyggelig tempo som setter hver scene på en barberhøvelkant av noe som går forferdelig galt. Audition representerer en fascinerende topp av den uendelige beundringsverdige japanske komforten med filmskaping av sjanger: Å avsløre sin krystallklare gåte til transcendentalt sjokkerende effekt. Å se er å tro.

17. Ran (1985)

Kurosawas mest berømte Shakespeare-tilpasning - hvis en som i mitt sinn overgir for mye grunn til sin inspirasjon. King Lear er et upåklagelig stykke å skrive - men på skjermen henger det med en svak maling som ikke klarer å gjenerobre den fantastiske følelsen som er de første 85 minuttene. Fra begynnelse til den ufattelig dype beleiringssekvensen - Løp er et mesterverk: Et stykke filmatisk kunst uten sidestykke innen Kurosawas mer enn imponerende verk - og utvilsomt sko-inn for Topp 10. Men etter dette mesterlig håndterte oppbyggingen og utbetalingen fortsetter Kurosawa historien om King Lear på en måte som siver langs kjedelig - sløv og flat til tross for innsatsen til perfekt spilt skurk Lady Kaede. Det er en skam det Løp sløser så mye potensiale, i mitt sinn uansett, på trofasthet - men i det minste brenner den glødende flammen i første halvdel lys nok til å sikre seg sin plass i topp 20.

16. Prinsesse Mononoke (1997)

Hayo Miyazakis mørke fantasifestivitet har aldri vært spesielt kompleks. Enhver film med en melding klarer vanligvis ikke å kommunisere den på en sofistikert måte, og som Orson Welles så treffende uttrykte det: 'Det kan skrives på hodet på en nål'. Den stumme og blatante beskjeden om Prinsesse Mononoke ringer imidlertid litt sannere i hjertet enn det gjør i sinnet. Miyazakis nøye konstruerte skille mellom menn og monstre driver fascinerende sammenligning med hvordan de eldgamle så vår verden - og hvordan den uunngåelige sammenbruddet av deres sivilisasjoner en dag kan speile vår egen. Mystikken og mystikken til karakterene er kjernen som tillater det Mononoke å overskride tradisjonelle tapte meldingsfilmfeller - for å gli den allestedsnærværende linjen uten et ord, hver handling gir den gravitas og på den måten forsterker den filmatiske effekten av det som er på skjermen. Det mutualistiske forholdet som her vises, snakker om Hayo Miyazakis dype talent som filmskaper - og at hans arbeid er mer enn blendende kreativitet.

15. En høsteftermiddag (1962)

Jeg tror, ​​for meg å kommentere En høst ettermiddag , ville være å kaste bort pusten jeg har allerede brukt på å undersøke filmen Ozu laget over et tiår tidligere, som han effektivt omformet her til å være hans siste film. En høst ettermiddag er like elegisk, subtil og melankolsk - klarer å utvikle flere konsepter som er fremsatt i den første filmen og utvide dem. Det driver bort fra noen elementer i originalen for å fokusere på andre ideer - noe som gir en sjelden mulighet for en stor kunstner til å plugge lignende dybder i samme form. Ozu ville tilbringe hele karrieren med å lage veldig like filmer, men klarte likevel å bryte ut nye områder av menneskelig interaksjon hver gang - og produserte noen av de største filmene som noen gang er laget. Etter å ha etterlatt en så ærverdig arv i kjølvannet, kunne mannen ha avsluttet løpeturen slik han ville. En høst ettermiddag er det perfekte nær hans glitrende verk.

14. Throne of Blood (1957)

En mesterlig tilpasning hvis det noen gang var en , Trone of Blood tar Shakespeares Macbeth uten sidestykke og smir en kunstnerisk tekst som står alene. Toshiro Mifunes kontrollerte, ødeleggende menneskelige nedstigning til morderisk galskap forblir en av mannens fineste roller - og Kurosawa selv bokmerker filmen sin med eksepsjonelle bilder som nesten ikke er på sin plass med en regissør adskilt fra sentralisert ikonoklastisk praksis. Likevel er det bildene av Throne of Blood det gjør det så massivt. Så fengslende og overnaturlig. Klimaksangrepet ser en av de fineste karakterkonklusjonene som noen gang er blitt lagt på film, og sementerer den som et kunstverk som på en eller annen måte går bort fra den imponerende skyggen av foreldrespillet.

13. Tokyo Story (1953)

Når vi snakker om landemerker fra 1950-tallet, er det få filmer som så utvilsomt driver dine ambisjoner som filmskaper som Tokyo Story . En glitrende topp av Yasujirō Ozus upåklagelige filmografi, alltid på sitt beste, det er en film som utøver avvæpnende enkelt filmspråk for å oppnå piercing, intime effekter. Publikum blir satt ned med tegnene - stille voyeurs til en familie som sakte stenger den gradvis nedverdigende eldre generasjonen ut av livet. Ozu gir alle karakterene en stemme, komponerer elegante og innflytelsesrike øyeblikk av åpenbaring og beveger bare kameraet en gang i hele 136 minutter. Det er ingen objektiv 'største' eller til og med 'flott' film, men til de av dere som velger hva du vil se basert på slike nettsteder, må jeg legge til at Tokyo Story er det høyest rangerte arbeidet på Rotten Tomatoes, med et utrolig 9,7 poengsnitt. Tilstrekkelig til å si at det er tålmodig, refleksivt blikk på liv og alder har berørt mange umåtelig - og berettiger alle som leser denne listen for å gi det sjansen.

12. Branner på sletten (1959)

Fra Kon Ichikawa, uten tvil den mest overbevisende humanistiske figuren av japansk kino etter krigen, Branner på sletta forteller en fortelling om en mann tapt midt i en tapende kamp i varmen fra andre verdenskrig. Det er en film som er modig i sin ensomhet - som skildrer krigstidssituasjoner i et ledig landskap uten liv og vrimler av tomhet av frykt, og hvert hjørne bærer en annen Odyssean-figur som enten skal følge eller ødelegge vår forvitrede helt. Og som med Homers episke dikt, skaper Ichikawas grep om det større bildet en tett følelsesmessig verden der helten vår er et puslespill som blir beveget og motivert av generaler langt fra frontlinjene. Det er en film som lurer i sin egen isolasjon, savner hjem og drives til amorale handlinger av terrorens overlevelse. Mesterlig arbeid av en sjarmerende, men ikke desto mindre vital skikkelse av industrien på 1950-tallet.

11. Samurai Rebellion (1967)

En viktig styrke i Masakai Kobayashis drama er at han lar det putre, nesten til en feil. Hans omhyggelige komposisjoner og upåklagelig tidsbestemte handlinger sirkler tettere og strammere rundt den sentrale konflikten - klemmer tørr hver tomme av pusterom til alt som er igjen er nødvendigheten av å handle - en underliggende ressurs for karakterenes stadig tilstedeværende idealer om moral. I Samurai Rebellion , selve handlingen er til stede selv når han leser tittelen, men mannen spiller på den for hvert andre sprikkende publikum med små twinger mot det første sverdet som trekkes før han endelig løser seg i en bitter, brutal og til slutt blodig affære som fortsetter med de ubarmhjertige strenghet Kobayashi bærer av seg så bra: En enestående evne til både å konstruere den terminale uunngåelighet av karakterenes situasjon, så vel som empati med dem hvert trinn på veien. Det er i Samurai Rebellion at denne selektive humanismen når sine mest stemningsfulle høyder - og gifter seg med karrierekulminasjonen til en av Japans største kunstnere.

10. Eros + Massacre (1969)

Av alle New Wave-regissørene som er synonyme med psykoseksualitet, har ingen noen gang matchet den spennende forsikrede labyrinten av Yoshishige Yoshidas djevelsk kreativitet. Derimot slår Oshima og Imamura bare til de samme fagene, den ene mer overbevisende enn den andre, med bare Kiju som klarer å gjennombore kjernen i deres eksistensielle kontemplasjon med en slik forbløffende filmisk bravado. Ikke hvor er denne fascinerende mestring av psykoseksuell fortelling og estetikken den innkaller rikeligere enn i Eros + Massacre , Yoshidas episke avantgarde-lignelse på 215 minutter, en uforståelig eufori av synet, lyden og håndgripelig berøring ...

9. Min nabo Totoro (1988)

Glimrende med barndommens magi, min nabo Totoro er en grenseløs gledelig film. Jeg oppdaget det bare endelig i en alder av 18, men det er utrolig skjønnhet og undringskapasitet som inviterte meg inn i et yngre sinn igjen - eller kanskje bare et mindre kynisk. Den ofte tunge byrden av menneskelig erfaring etterlater oss enten krevende escapisme eller ønsker fortsatt realisme, men det Totoro gjør som løfter den over kanskje andre animerte funksjoner som noensinne er laget, er å ignorere publikumets ønsker og presentere en historie som i stedet lar deg komme til den forlokkende med sin frodige visuelle design, hoppende karakterer og oppdagelsen av de skjulte naturskattene sammen med dens ledere. I stedet for å appellere til barnet vi en gang var - tillater Totoro seg å få en større følelse av eventyr og håp investert i det dypere mysteriet på planeten vår. Belønningen for en slik tro er en glitrende diamant av Japanimation: Lysende, universelt bevegende og helt kvintessensiell.

8. The Face of Another (1966)

En uhyggelig epokal diagnose av det moderne liv gjennom stille trente hårkors av mørk fantasi, Face of Another utforsker opplevelsen til en vansiret mann etter at hans mirakuløse nye ansikt begynner å overvelde hans gamle personlighet. Teshigaharas verk er alltid nyansert nok til å dukke opp på armlengdes avstand mens de stille klør under med skjelettfingrene, og hans mesterverk fra 1966 kommer nærmest til å avsløre sin sanne natur: Å bringe regissørens illevarslende komposisjoner og sterke skrekkbilder rett inn i metropolen og se ut i det urbane avgrunnen med den samme løsrevne visjonen som så levende førte Travis Bickle til liv i drosjesjåfør et tiår senere. Et stykke arbeid for å konkurrere med Persona og eclipse Seconds samme år for sin utfordrende provokasjon av begjær, personlighet og identitet - Face of Another er viktig kino: En ruvende triumf av Teshigaharas metode og et stykke arbeid så tett såret i sin egen upåklagelig ideer og atmosfære ville det være kriminelt å røpe flere av sine hemmeligheter. Se for deg selv…

7. Rashomon (1950)

En av mine personlige inngangspartier til verdens kino, Akira Kurosawa’s Rashomon har blitt så integrert i filmkulturen at det er blitt innviet til språk for å beskrive den psykologiske effekten det har karakterer: Hver av dem gir motstridende vitnesbyrd om en voldsom voldtekts- / drapsak. Kurosawas vitalitet er på full skjerm, banebrytende kamerateknikker som å skyte direkte mot solen og skjule den gjennom et rot av løvverk, slik at hver scene i skogen ble like abstrakt som sin motpart i retten. Den avvæpnende enkelheten til Rashomon’s uimotståelig plotkrok skåret rom for kommentarer til menneskelig sannhet, moral og en rikt filmopplevelse med Kurosawas berømte utstillinger av rasende sverdmannskap. Det er lite å legge til i dialogen rundt Rashomon annet enn at den fortsetter å føle seg flere tiår foran sin tid. Man kan bare forestille seg følelsen av å se denne veien tilbake i 1950.

6. Harakiri (1962)

Harakiri er omtrent like sterk som filmer blir. Åpner med omtrent det som påvirker et skudd som man kunne forestille seg, regissør Masakai Kobayashi lager et fenomen som fortsatt er en av de mest anerkjente filmene gjennom tidene: Rangerer blant de mest perfekt scorerte filmene på et stort flertall av brukerstedene til tross for det jeg hadde først antok var avtagende appell. Det er en møysommelig tålmodig, lurt inspirert utforsking av den japanske æreskoden - et fortsatt sviktende sår i etterkrigstiden 1962 som Kobayashi nærmer seg ikke bare som landsmann, men som menneske. Hver dråpe blod sølte inn Harakiri snakker til kunstnerens pinefulle hat mot død og vold: Nesten som om det gjør ham vondt å sette slik brutalitet på skjermen. I dagens verden er en så streng menneskelig retning guddommelig å se på - og fungerer som en hjørnestein for avslutningen av filmen. Uten hengivenhet fra alle involverte, Harakiri ville ha blitt glemt som nok et gimmicky drama, tett utformet, men ellers ydmyk. Harakiri sitter her oppe i dag fordi Masakai Kobayashi bryr seg mer enn du kunne forestille deg, og jeg tror at den i sin egen skarpe, lykksalige eleganse plasserer den midt i de største filmene på 1960-tallet.

5. Seven Samurai (1954)

Seven Samurai, den mest anerkjente filmen som noensinne har kommet ut av Japan, brente et uutslettelig merke på mediet og holder fremdeles røtter i dagens actionkino. Kurosawas regnfylte klimaklimaks med flere kameraer formørker ikke helt den profetiske dypheten til Rans borg beleiring, men den fortsetter å informere måten vi kutter sammen handlingssekvenser, selv om moderne redaktører kanskje ikke legger merke til at det er innflytelse. Langt over den vedvarende kulturelle kraften ligger Seven Samurais overbevisende karakterisering: Å skape en hel verden av rike figurer hjulpet enormt av Kurosawas omhyggelige metodes utvidelse til og med den minste delen for å gjøre hans visjon om det feudale Japan så fengslende som mulig. Denne egendefinerte smeltedigelen av mesterlig handling og lysende historiefortelling resulterer i et banebrytende stykke kino som påvirker, elektrifiserer og til slutt etterlater oss med en så modig og kraftig filmavslutning som jeg noen gang har sett. En fortjent stift på pantheon til internasjonal kino.

4. Blek blomst (1964)

Hvis det ikke var bare to ord spredt i en liste over de store japanske filmene, ville ikke navnet Masahiro Shinoda sneket seg innen ti meter fra denne listen. Tatt i betraktning hans bidrag til stor japansk kino som er en gråtende skam - og å tenke at et slikt mesterverk nesten unnslapp av forskning, er å si noe om hvor mange filmer der ute som ber om å bli gjenoppdaget. Roset på utgivelsen og stille utgitt av Criterion Collection, Blek blomst er en av de største kriminelle filmene gjennom tidene. Bare å se på en gambler og hans nyfundne kjærlighet falle i en fortvilet-drevet spiral av nedbrytning og lidenskap - det er fortsatt en av de mest dristig mørke, visjonære arbeidene for å unnslippe leppene til den japanske nybølgen: En som er drapsskarp fra ramme en til slutten, og som gir en like transcendental filmisk effekt som noe mindre ekstremt arbeid av Ozu eller Kurosawa. Shinoda kommer aldri til å bli holdt opp som en av de største, i det minste av allmennheten - men jeg håper i det minste at folk blir drevet til å oppdage kinoen hans fra denne smeltedigelen med kriminell perfeksjon: Et verk så rå og ukjedet som de overstimulerte boltene til overdreven motkultur og samtidig så dypt delikat og kontrollert som enhver film jeg noensinne har sett. Dens omhyggelige, mirakuløse og ubevisst undersynte. Løs det.

3. Kvinne i sanddynene (1964)

Hvis Kiju Yoshida og hans Eros + Massacre er forkjemper for høykunst psykoseksualitet - så Hiroshi Teshigahara’s Kvinne i sanddynene er mytisk til sammenligning. Transponert fra den langvarige samarbeidspartneren Kōbō Abes berømte kilderoman, er Teshigaharas nærmest ondsinnede metode både på den mest ondskapsfulle og torturøst medfølende her. Dunkle lys fra undertrykt menneskehet skinner gjennom den skiftende sanden som omgir våre to plagede hovedpersoner - mennesker som er tvunget til å være den mest opprinnelige tilstanden av å være for den forbitrede overlevelsens skyld. Faktisk i Kvinne i sanddynene , motstandsdyktighet er innlevering. Ingenting er hellig. Ingen steder er trygt for de grusomme øynene til de nesten alt fraværende landsbyboerne som fordømmer heltene våre til deres helvete grop. Det er et perfekt konsept, upåklagelig utført filmatisk av Hiroshi Teshigahara, i tillegg til å produsere det jeg vil hevde er den legendariske komponisten Toru Takemitsus mest effektive partitur. Tegner sammen tre utrolig sikre artister i samme retning som De Niro, Scorsese og Schrader i Drosjesjåfør - Kvinne i sanddynene er sitt eget, like deler menneskelig og uunngåelig skremmende dyr. Et forferdelig, essensielt kunstverk.

2. Sen vår (1949)

Sent på våren er en åpenbaring av moderne monotoni: En eksorsisme av demoner dette stedet og tiden krever ikke bare holdes under lås og nøkkel - men skjult som om de ikke eksisterer. Selv om det smertefulle ønsket om å uttrykke disse skrekkene aldri er helt unhacked, kan vi oppdage det i hjørnet av hvert øye, mellom ordene i hver linje og ofte sur i midten av hvert rom. Og så for en verden som er så overfladisk mettet av tunge smil og ømme melodier - Ozu’s Sent på våren har også en atmosfære av fullstendig fortvilelse: En frykt for at vi ikke vil bli akseptert - at hvert uttrykk kan føre til nederlag, og derfor kaller vi best banen uigenkallelig i stedet for å ta sjansen og stå midt i sporene. Hans tilbakevendende målestein av sammenstøtende generasjoner er kjernen i Sent på våren nøye håndtert drama, men jeg tenker her, mer enn noen av hans andre verk (eller kanskje noen film de tiårene rundt produserte): Ozu klarte å finne en perfekt slutt. Å nå klar summering av temaene dine og følelsene til karakterene dine er ingen enkel prestasjon, enda mer å finne et øyeblikk som er så knust som det ble født her, og dermed foreslår jeg alle i sving av dramatisk skriving, regi, produksjon eller bare cinephilic interesse pinner Sent på våren rett øverst på overvåkningslisten. Stol på meg: Det vil gi deg gulv.

1. Høy og lav (1963)

High & Low er en iboende umulig filmoppgave. Den strekker seg etter et unnvikende element med en så konfliktfylt kjerne at det ser ut til å være noe å finne. På overflaten mangler den den nyanserte, men ikke desto mindre overveldende kraften til Seven Samurai, så vel som det langsomt brennende infernoet som raser i dødelig stillhet på slutten av sen vår. I sannhet blander High & Low begge deler: Å tråkke så forsiktig midt i hverdagens mennesker av frykt for å komme inn i mer sykdom, fordervelse og avhengighet - til mer grådighet og sjalusi og nådeløs amoralitet rundt det som oser uendelig bak hvert gatehjørne. Det er en film livredd for hva den ser i den menneskelige tilstanden, noe som så tydelig smerter Kurosawa å sette på skjermen - og det er hans svingende strøm av kreativ selvundertrykkelse som sikrer sin ærverdige betydning. High & Low har frimodigheten til å kvadratere seg til den helt håpløse, banale grusomheten som lurer i alle våre hjerter - til hvor stygg og overveldende hele verden er i sin metning av sjelløs selvbetjening. Kanskje, for å endelig snu og gjenkjenne det, blir vi bedre mennesker i prosessen. Kunne forstå at det er greit å være redd, så lenge du godtar tilstedeværelsen av det uforklarlige. Det uavbetalelige. At til slutt den eneste trøst du noen gang kan finne er tilgivelse. Hvis du kommer til å gjøre alt du kan for å se hvilken som helst film på denne listen: Lag den til denne.