De 10 beste europeiske filmregissørene gjennom tidene

Europa har alltid vært kjent for å produsere forfattere. Hvis Amerika er det kommersielle knutepunktet for kino, er Europa absolutt det kreative knutepunktet. Selv amerikanske filmskapere garanterer for europeiske filmskapere som deres inspirasjon. Så jeg tenkte hvorfor ikke lage en liste bestående av bare europeiske filmskapere - fra Frankrike, Storbritannia, Italia, Russland osv. Mens jeg laget denne listen, har jeg tatt hensyn til alle de europeiske regissørene og de innflytelsesrike europeiske filmskapere gjennom kinohistorien. . Her er listen over de beste europeiske filmregissørene noensinne.

10. Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock er lett et av de mest gjenkjennelige navnene i filmhistorien. Hans tittel “The Master of Suspense” lever i dag, nesten to tiår siden han døde. Filmene hans har en så tydelig stil at publikum som ser en lignende stil i andre filmer, pleier å kalle den 'Hitchcockian' på grunn av sammenlignbar bruk av spenning og uhyggelighet. 'Psykopat' (1960) , en av hans tidligere filmer, er kjent for etableringen av Slasher-sjangeren. 'Vertigo' (1958) gikk nylig over Orson Welles ‘Citizen Kane’ (1941) på Sight and Sound sin høyt respekterte liste over største film gjennom tidene. Jeg kunne ha vurdert mange av disse filmene som hans største, men etter min mening ‘Bakrute’ (1954) er Alfred Hitchcocks fineste verk da han skaper en illusjon om å være for fanget inne i hovedpersonens synspunkt. Mens du gir av deg begrenset frihet og begrensede muligheter, får publikum til å sitte på plassene sine og holde pusten i påvente.

9. Michael Haneke

En filmkritiker før han vendte seg mot filmskaping, viser den østerrikske fødte regissørfilmene muligens den beste skildringen av vold og urovekkende bilder på skjermen. Haneke er en filmskaper som du beundrer, og kan se filmene hans på grunn av beundring, ikke fordi du liker filmene hans. ‘Seventh Continent’ (1989) , debutfilmen hans - og allment ansett som hans beste verk - følger historien om en familie som planlegger å emigrere til Australia, som ble plaget av en mindre ulykke. Haneke skildrer historien på en slik måte at han høytidelig konsentrerer seg om hverdagsoppgavene som å spise frokostblandinger og legge seg i dvale, med fokus på gjenstandene og handlingene vi tar for gitt, snarere enn den distinkte følelsen av fortvilelse som er vitne til gjennom oppførselen til familie. ‘Cache’ (2005) får deg til å vri og skjelve under huden ved å idealisere deg for å bli forfulgt. 'Cache' tilbyr også et av de største mysteriene og psykologiske dramaene i kinohistorien, da det følger en familie som mottar anonyme bånd. Haneke skreller tilbake lag av filmen en etter en som dissekerer historien nøye for å avsløre dens urovekkende hemmeligheter.

8. Jean Renoir

Jean Renoir er på kino hva Tolstoj er i romanen; en filmskaper av bysantinsk kompleksitet som pakker hver av sine karakterer og scenarier med innsiktsfulle og engasjerende kommentarer om sosialitet, identitet og forhold. Det som redder hans tungt belastede historier fra å synke, er en regiøkonomi som er laced i forførende visuelt språk og skarp vidd som gir alle disse temaene og ideene sunt rom for å puste og utvide. En regissør som aldri gir opp tempoet i hendelsene og alltid involverer så mange karakterer som mulig for å effektivt formidle tankekartet til publikum, peppere filmene sine med spillere som fungerer med kirurgisk presisjon ved å gli gjennom hans superlative innramming, blokkering og kameraarbeid . Fra ‘En dag i landet’ ravishingly lyrisk flukt til 'The Great Illusion's' fryktinngytende ærlig titt på første verdenskrig, og til slutt den deilige festen for øynene, ørene, sinnet og hjertet som er 'Spillets regler' , Jean Renoir representerer det glitrende høydepunktet av den franske kinoen før Nouvelle, samt å være en av verdens største mestere innen filmproduksjon før 1960.

7. Béla Tarr

Selv om jeg kunne ha vurdert en av de mange mesterlige østeuropeiske regissørene for dette stedet - inkludert ungarske medarbeidere Miklós Jancsó som bare knapt ble kantet ut - er det få regissører i dag som kan hevde at de forstår den samme arresterende magien som Béla Tarr. Hans tidlige arbeider ‘Autumn Almanac’ (1984) og ‘Damnation’ (1988) representerer fascinerende utforskninger i filmstil, der en yngre regissør praktiserer håndverket sitt med sonder på teknikkene som vil bli stift for hans storhet i årene som kommer. Eksperimenterer med musikk, lang tid, farger og komposisjon for å skape en apokalyptisk bakvannsverden som brenner med en bitter gnist av overlevelse Tarr trekker så effektivt ut av skuespillerne og landskapene de blir tvunget til å gjøre sitt liv i. Mannen har skapt en av de tre beste filmene fra 90-, 2000- og 2010-tallet med ‘Satan Tango’ (1994), ‘Werckmeister Harmonies’ (2000) og henholdsvis ‘The Turin Horse’ (2011); når et dypt nivå av kosmisk skrekk som er både utmattende og likevel fullstendig overbevisende for hver eneste ramme.

6. Theo Angelopoulos

Gresk kino har aldri blitt velsignet med en mester som er så prescient, kraftig og nyansert i stil som Theo Angelopoulos - enkelt som det. Hans faglig kontrollerte filmmetode klarer å overskride sin egen omfattende koreografi og høykunstige natur for å bli like umiddelbar og ren som en dokumentar; fri fra mediets iboende bøyler og fikk observere den menneskelige tilstanden med humor, surrealisme og ødeleggende kraft. Hans episke bilder er vektlagt av tusen tablåer, mens han aldri er redd for å kaste det ytre filmbildet og fokusere på miniatyrmikrokosmos av menneskelig følelse. Fra den intime tragedien til ‘Landskap i tåken’ (1988) til det mytiske omfanget av ‘Alexander den store’ (1980) [ikke interessant om mannen du kanskje tenker på]. Theo Angelopoulos gir oss noe så vakkert skilt fra resten av den etablerte filmmetoden at hans arbeid rett og slett må sees.

5. Alain Resnais

Å bryte ned båndene til formalistisk filmskaping ytterligere er Alain Resnais, som i stedet for å forsøke å ødelegge kinoen fra fortiden a-la, bestemte hans samtidige Nouvelle Vague seg for å lage noe helt nytt. Hans dristige sammensmelting av fortelling og hukommelse dyrker en bitter-søt intimitet med karakterene som står foran oss: Trekkes til både deres glede og rådende smerte gjennom tiår med livet vi er så veldig heldige å få et vindu inn i. Resnais ’eksperimentering i filmform ga mediet med både det oppsiktsvekkende originale 'Hiroshima, min kjærlighet' (1959) og ugudelige ‘Last Year at Marienbad’ (1961), og til og med gå så langt som å utvikle dyp stilistiske følelser innen dokumentarsjangeren i ‘Night and Fog’ (1956) ; inspirerende utallige kommende pionerer innen håndverket med sin målte revolusjonerende stil. Uansett hva han jobber med, tar Resnais en kreativ risiko. Vær resultatene helt mirakuløse eller dessverre halvstekte, mannens visjon er alltid verdt å se.

4. Jean-Pierre Melville

Melville er først og fremst kjent for sine intense krimfilmer, og regnes av mange som kongen av sjangeren. Effektiv bruk av stillhet er kanskje det mest gjenkjennelige elementet i Melvilles unike stil, slik at publikum kan omfavne stemningen i filmene hans. Melvilles bruk av kalde farger er en veldig distinkt og iboende del av hans verk. Pierre Lhomme - filmfotograf for ‘Army of Shadows’ (1969) - sa under et intervju at ‘Melville hatet dagslys, hatet steder, hatet varm farge’. Melvilles tillit til hans evner spilte en stor rolle i filmene hans og viste hvor dominerende og kontroll han kunne være, for meg heist-scenen fra ‘The Red Circle’ (1970) , scenen varer i 25 minutter og har ingen dialog. Dette viser høydepunktet av hans tillit til hans evne til å skille dialog og film.

3. Franti & scaron; ek Vláčil

Frakturen av filmform når sin uoppnåelige topp med den tsjekkiske nybølgens Gud Franti & scaron; ek Vláčil. Filmene hans er helt uforklarlige triumfer av det kunstneriske mediet; tar alt vi vet om kino og knuser det så sømløst at selv de dyktigste mestrene i surrealisme bare kan riste på hodet i forbløffelse. Vláčil angriper sansene ved hver sving med bombastiske musikalske dønninger, skurrende skråstreker gjennom fortellingsflyten og poetisk progresjon gjennom rom og tid som så perfekt komplimenterer de lysende fablene han velger å jobbe med. Mannen skyter kino med en estetisk drøm: et fantastisk rush av bilde og lyd som føles mindre designet og mer tryllet av en uvanlig trollmann. Uforklarlig, glødende og rett og slett guddommelig.

2. Ingmar Bergman

Den svenske hjernen til kinoen. Mer enn 60 filmer under beltet hans i de 59 årene som filmskaper, med kvaliteten på hver film svært sjelden. Flertallet av hans tidligere filmer skaper en følelse av klaustrofobi med små rollebesetninger som snakker på begrensede steder, men dette tar ikke bort fra hans unike evne til å nå ut til ordløse hemmeligheter skjult i menneskelige følelser, og utsetter dem for en følelse av varme og medmenneskelighet. samtidig som du er urovekkende i sin rå følelse og psykologiske intensitet. Ingmar Bergman fant dysterhet og fortvilelse etterfulgt av håp i sine undersøkelser av den menneskelige tilstanden. Bergmans filmer viste for det meste filosofier om død, sykdom, tro og svik. Hans beryktede ‘Faith Trilogy’ er et godt eksempel på hvordan han tester troen på karakterene i historien, viser eksistensialisme, død og menneskelige forhold, på den mest naturlige måten. Ingmar Bergman er allment kjent som en av de største filmregissørens regissører. Han har vunnet over 3 akademipriser for beste fremmedspråklige film, noe som er ganske imponerende med tanke på temaene regissøren ofte skildrer. Bergmans filmer handlet om smerte og pine, begjær og religion og fokuserte på realistiske aspekter som det uformelle publikum kan gjennomgå i livet.

1. Andrei Tarkovsky

Andrei Tarkovsky var en visjonær, hans tilnærming til filmtid og hans lidenskap for hjemsøkende, estetisk forbløffende bilder inspirerte ham til å endre måten kinoen ble sett på for alltid. Selv om han bare laget syv filmer i løpet av karrieren, er han allment kjent som en av mestrene på kino, om ikke de herre. Tre av triumfene hans har dukket opp i Sight and Sound-listen som er ‘Mirror’ (1974), ‘Andrei Rublev’ (1966) og ‘Stalker’ (1979) . Selv om Tarkovsky ikke engasjerte seg direkte med politiske spørsmål, provoserte disse tre filmene de pågående fiendtlighetene fra de sovjetiske myndighetene. Som mange andre østeuropeiske direktører i Sovjetunionen møtte Tarkovsky utallige kamper med myndighetene, noe som ga ham en klarere visjon på hvilken måte han ønsket å gå inn på. Bergman sa en gang ‘Tarkovsky er for meg den største, den som oppfant nytt språk, tro mot filmens natur, ettersom den fanger opp livet som en refleksjon, livet som en drøm’. Tarkovsky dannet sitt eget filmspråk ved å bruke den ubegrensede strømmen av menneskelig følelse og poesi på skjermen. Hans teknikk på både filosofi og kunst pulserer fortsatt gjennom verden lenge etter hans død. Tarkovskijs visjon lar oss se hans minneverdige avtrykk på filmfortelling i generasjoner framover.