25 største kortfilmer noensinne laget
Det er mange som ikke kan sette av 90 til 120 minutter om dagen for å se en film. De er opptatt og har en rekke oppgaver å bry seg for tiden. Vel, kortfilmer er en perfekt oppløsning for slike mennesker. Det er folk som vurderer alternativer i forskjellige kunstformer, men hardcore-filminteresserte må ha en visuell filmlignende opplevelse, og jeg er i enden av spekteret, tro meg at jeg vet hva de går gjennom. En film eller en film er en serie stillbilder når den vises på en skjerm som skaper en illusjon av bevegelige bilder, og det er ingen tidsbegrensning overhodet.
Som en ivrig lærer må du forstå at alt begynner med en kortfilm, et eksperiment for å måle ditt eget talent og underholde samtidig. Noen gode kortfilmer har påvirket og definert kino i en grad mange ikke er klar over, og de fanger vanligvis en blomstrende regissørs essens sublimt. Med begrensningene ved din side og filmløshet, har du alltid muligheten til å utforske kortfilmer, og noen av de største filmene hadde blitt unnfanget etter de korte filmene. Det er tusenvis av kortfilmer på nettet, med ikke alle nødvendigvis av kvalitet, og det er oppgaven å søke med den minimale informasjonen som er gitt om dem, helt åpenbart på grunn av den minimale eksponeringen.
Nå som en skrekkfilmfan, pleier jeg alltid å lete etter shorts som skraller meg og ikke bare tjener formålet med å skremme meg, du må være enig i at hoppskrekk bare er spennende i løpet av deres varighet, men ikke har noen minneverdig effekt. Psykologiske eller atmosfæriske skrekkfilmer er vanligvis det beste av partiet, og til tross for deres relativt lave budsjett er det vanskelige fordi de krever finesse gjennom teknikk, mens teknikken kan være av visuelle bilder eller historier eller forestillinger.
Med det sagt, her er listen over topp korte filmer noensinne som vil blåse i hjernen din. Du kan se noen av disse beste kortfilmene online på Youtube, Netflix, Hulu eller Amazon Prime.
25. Kode 8
'Code 8' ble produsert i 2016 av Stephen Amell (Arrow) og Robbie Amell, regissert av Jeff Chan som også laget 'Operation Kingfish', prequel-kortspillet til Call of Duty: Modern Warfare 2. Amell-brødrene og Chan gjorde dette kort filmen som en teaser for en full lengdefunksjon som de hadde planlagt, og hadde til hensikt å bruke denne videoen for å få prosjektet sitt crowdfunded. Beslutningen om å gå ned på indie-ruten var å utøve full kreativ kontroll på filmen deres, ettersom produksjonshusenes innblanding med filmer har økt kraftig. Grunnen til at jeg likte den var fordi den ikke går fullt ut med sine cyberpunk-elementer, den hviler et sted mellom vår verden og den i ‘Blade Runner’, i likhet med Carpenters ‘Escape from New York’. Filmen har også et lignende konsept som ‘X-Men’ med et mindretall av muterte mennesker som står overfor tyngden av den eksklusivt undertrykkende regjeringen.
24. Jiminy
Folk som er kjent med karakteren til Pinocchio, må være klar over Jiminy Cricket, og det er her filmen får tittelen sin fra. Nå har historien om Pinocchio to versjoner, den originale som er dyster og forstyrrende, og den fra Disney tonet ned for et bredere publikum. ‘Jiminy’ er en futuristisk reimagination av en verden der folk har cricket-lignende kontrollerende sjetonger som gir dem et alternativ til å utføre enhver oppgave til perfeksjon. Sjetongene på overflaten ser ut til å være veldig hjelpsomme og støttende som Disneys versjon, men mens vi fortsetter, forstår vi omfanget av kontroll de har på folks tankesett, og gjør dem til en mentalt hul tilstand i sitt underskudd.
23. Darth Maul: Lærling
Da jeg gikk gjennom forskjellige kortfilmer, var dette et navn jeg generelt ikke hadde valgt på en million år. En fan laget '21. århundre' Star Wars-film, man kan bare forvente det minste ut av det. Men jeg ble overrasket over kvaliteten på filmen, og for å være ærlig er dette et av de beste live action ‘Star Wars’-verkene jeg har sett. Å være en Star Wars fanboy, foraktet jeg behandlingen av Darth Maul som var begrenset til et springbrett for den forferdelige Anakin Skywalker-utviklingen. Her får vi se den dyktige krigeren vokse til en Sith-herre og drepe det som ligner en vag versjon av Obi-wan og disiplene hans i prosessen. Kampscenene er veldig koreograferte og utført med smidighet som forventes av mennesker som har viet livet sitt til kunsten.
22. Kung Fury
Jeg vet ikke hva som etterlot meg mer uthvilt etter å ha sett ‘Kung Fury’, hyllesten den gir 80-talls retrounderholdning med sin groovy syntetiserte atmosfære eller det faktum at jeg endelig fant kilden til “Hackerman” memene. Kortfilmen av David Sandberg streber inn i den fantaserte fremtiden og parodierer også lignende filmer fra retro-tiden. Kung Fury, vår helt blir rammet av lyn som gjør ham til en uslåelig kampsportkriger, og det som følger videre er noe du bare vil tro hvis du sjekker det ut. Filmen spilles best med en oppløsning på 240p, slik at du kan la deg oppslukte av VHS-nostalgi, og hvis det ikke er nok, lager Knight Rider David Hasselhoff en komo også.
21. Frankenweenie
Jeg så dessverre denne 30 minutters klassikeren av Tim Burton fra før det 21. århundre etter å ha sittet i 90 minutter gjennom 'Corpse Bride' revet av versjonen. Dette var den tiden da Burton ikke fylte hver eneste tomme skjerm med en ekspresjonistisk era inspirert palett. Denne kortfilmen fikk regissøren sparken fordi Disney anså det som upassende for det målrettede unge publikum. Det fungerer som en moderne gjengivelse av Frankenstein med en hund som blir oppreist av sin sønderknuste unge venn. Hunden har vært menneskets mest trofaste venn, og man kan spørre voksne om hvor mye deres barndoms kjæledyr betydde for dem, og om de ville gjøre noe for å redde det. Selv om voksne kan komme til enighet med døden, men barn ikke, og dette gir et veldig solid grunnlag for formålet med filmen.
20. Nostalgisten
'The Nostalgist' kan faktisk nostalgi over fans av Steven Spielbergs 'A.I. Artifical Intelligence ’. Filmen foregår i en dystopisk verden der folk kan bruke modifiserte visirer som presenterer en virtuell virkelighet. Filmen presenterer båndet mellom en far og sønn, og fikk meg til å tenke på hvordan begrepet 'far-sønn' er veldig subjektivt. Faktisk kan den ene elske og ta vare på den andre som far, og den andre kan gjengjelde respekten som er knyttet til sønner. Selv om den er 17 minutter lang, sammen med nylige sci-fi-filmer, ser denne bort fra det som anses som 'forutsetninger' for å være i et forhold.
19. Jeg er her
Jeg leste Shel Silversteins 'The Giving Tree' da jeg var liten, og selv om jeg kom over forskjellige versjoner av den, står ingen like høye som Spike Jonzes kortfilm. 'I'm Here' spiller Andrew Garfield som en robot i en verden der de blir behandlet som underordnede, de blir ikke 'misbrukt', men sett ned på som freaks. Garfield’s Sheldon er en introvert som lever et ensformig liv, som ligner Theodore fra ‘Her’, som var modellert etter dette. Sheldon forelsker seg i den hensynsløse roboten Francesca som er det motsatte av ham, og filmen utforsker hans ubetingede kjærlighet til henne. I motsetning til historien er Francesca ikke egoistisk, hun ender med å gjøre uskyldige feil som koster paret mye.
18. Elektronisk labyrint: THX 1138 4EB
Selv om George Lucas er kjent for å starte Star Wars-serien, forblir debutfunksjonen 'THX 1138' hans beste verk og en av de beste science fiction-filmene gjennom tidene. Bortsett fra å være en kjølig skildring av den orwellske verden, hjalp filmen til å starte en kategori av filmer som blandet sci-fi med sosial satire. ‘Electronic Labyrinth’ er grunnlaget for innslaget, og Lucas laget det for sitt filmuniversitetsprosjekt. Selv om det mangler kvalitet på grunn av et lavt budsjett, fikk Lucas tilgang til begrensede marinekvarterer, og det føles derfor som en projeksjon av en fjern verden.
17. En tur til månen
Det er 115 år siden En tur til månen ble gjort, ta et øyeblikk og la den synke inn. George Melies avbildet romfart i 1902, flere tiår før den første raketten som var i stand til å tilbakelegge langdistanse til og med ble bygget, og mer enn en halv århundre før noen til og med kom med designet som kunne sende mennesket til verdensrommet. Hvis dette ikke var nok, avbildet han til og med Martian som lignet romvesener på skjermen. Melies var en sann visjonær og hans arbeid indikerer tidlig surrealisme og magisk realisme, og hans forelskelse i geometri er nesten hypnotiserende. Den er tilgjengelig i både sort / hvitt og fargeversjon på YouTube, og jeg vil råde den førstnevnte da den sistnevnte føler seg frarøvet ektheten på grunn av den evige restaureringsprosessen.
16. Jetee
Jeg antok en situasjon, antar at Chris Marker så La Jetee på et lokalt teater en dag som barn, og hvis han senere senere ble sendt tilbake i tid og ville ha innsett at han var skaperen, ville han endre måten filmen var på laget? Jeg hørte at han ikke hadde råd til et videokamera, og valgte derfor å kompilere stillbildene, som jeg synes synkroniseres veldig bra med brå tidens strøm fra perspektivet til hovedpersonen. Interessant, ifølge sin egen kreasjon kunne han ikke, for uansett hvor vag og metafysisk tidsreiser er i filmen, er det rett og slett ingen flukt fra nåtiden. Ditt eksistensplan er begrenset til nåtiden, som sannsynligvis er det eneste som betyr noe, fordi det er det eneste som kan påvirke deg. La Jetee er eksperimentell, det er knapt noe realistisk med filmen; forutsetningen, prosessen, kjærligheten, alt er bare en øvelse i bedrag.
15. Alexia
Starter med ‘Alexia’, en argentinsk kort med en dominerende sosial media-cyber-skrekkplott. Den har en overnaturlig oversikt over hendelser, som mangler sannhet, men som kompenserer for manglene med stor oppmerksomhet på detaljer. Alexia var en jente som begikk selvmord etter at kjæresten hennes (ledelsen) brøt med henne, og vi ser ham gå gjennom profilen hennes, et tegn på skyld og hengivenhet som sannsynligvis ligger innenfor. Etter å ha snakket med sin nåværende kjæreste på nettet, bestemmer han seg for å unfriend Alexia.
Kameraarbeidet og redigeringen er fenomenal med nærbilder som fanger den totale forvirringen i lederens øyne og hans økende angst gjennom fingrene og den forsinkede markørbevegelsen. Kameravinklene og byttingen er litt overdrevet, men de ber om riktig oppmerksomhet og lykkes med å skape en forvirrende stemning. Teknisk sett er filmen veldig sunn, med VFX til tross for at budsjettet ikke lurer publikums intellekt, spøkelset og irisskuddet er fine prestasjoner. Alexia viser seg å være mer enn bare et virus som ødelegger datamaskinen, og utsiktene på slutten er skremmende og får deg til å gruble over lederens skjebne. Skriptet er ikke noe bra, og det stoler på hoppskrekk, men den virkelige effekten av filmen finner bare sted når du relaterer den på et mer vanlig nivå, og tenker på det uten å tilbøyelig til det overnaturlige aspektet.
14. Den smilende mannen
‘The Smiling Man’ kaster et barn mot djevelen, og ungen har ingen superkrefter eller evner som er karakteristiske for en Hollywood-film. Nei. Gutten er laget for å konfrontere ren ondskap og terrorens fødsel, fordi ordet 'frykt' blir begrenset til spøkelser og hekser i barndommen, og alt dette foregår midt i døden. Jeg har ikke tenkt å diskutere plottet fordi det ikke er noen mulig måte å fokusere på viktige plottpoeng i løpet av den syv minutters kjøretiden, da det ville ødelegge opplevelsen.
Inntrenging er et rutinemessig emne for skrekkfilmer, og det som får noen til å skille seg ut er måten de blir skutt på. Helt fra begynnelsen får du et inntrykk av tilstedeværelsen av en overnaturlig kraft, men det du oppdager er en fysisk utførelse av den og ikke en gassete skapning eller en usynlig tilstedeværelse. Den bruker hvert triks i boken for klovner for å lokke ungen mot en uheldig begivenhet, og denne behandlingen utgjør kanskje ikke hoppskrekk, men det forstyrrer deg, og en skrekkfilm fungerer bare når den henger igjen i tankene dine etter at du er ferdig med den. Denne filmen er ikke foreskrevet for noen personer som har en tendens til å være urolig i selskap med klovner.
13. Han tok av huden for meg
Å plassere det bare under horror ville være synd. Dette er den delen av listen hvor vi lar utslitt konvensjonell skrekk til side og fokusere på horror som er forårsaket av materie og dens realistiske egenskaper. Den 12 minutter lange kortfilmen overholder tittelen og fokuserer på en mann som tar av seg huden for å bevise sin kjærlighet til kjæresten sin. Den hudløse hovedpersonen er forsterket av fantastisk sminke og null bruk av CGI, og er et syn å se (når det gjelder teknikk for publikum og følelsesmessig for kjæresten sin, som ikke kan uttrykke sin reaksjon på hans overveldende skjønnhet). Den skinnfrie fyren kommer under huden din (ordspill ment), men dette dreneres sakte ut av parets aksept for situasjonen som fungerer veldig bra som en mørk komedie. Lenger inn i filmen er det en økende spenning, og kjepphesten begynner å slites ut og etterlater seg spor av det overalt, spor de ikke vil føle siden de ikke er komfortable med det lenger.
Filmen er nydelig med feilfri skriving, skuespill og kameraarbeid (nærbilde av stekt kjøtt og langskudd med avtrykk over hele huset er veldig smart) og kan tolkes som en metafor for gjennomsiktighet. Ved å ta av huden hans, viser ledelsen alt og holder seg ærlig i forholdet deres ved å åpne opp selv om partneren ikke gjengjelder. I begynnelsen blir de mer intime med sannheten som løfter båndet, men etter hvert som tiden går, merker vi selvtilfredshet i ham, da partneren hans bare hjelper til med å løse sakene, men aldri følger ham, til det punktet hvor det er en tydelig spenning mellom dem, noe som resulterer i sjokkerende siste scene.
12. Canis
Canis er en horror-kortfilm med stop motion som dreier seg om en gutt fanget i et hus omgitt av hunder som ville ha vært det perfekte kjæledyret for sjelene i ‘Night of the Living Dead’. Det er dystert, hjerteskjærende og er et stort NEI for folk som ikke tåler vold på grunn av den utenkelige utforskningen av blod, men dette burde ikke la deg distrahere deg fra det mesterverket det er. Innstillingen føles post-apokalyptisk på grunn av de overlevende plotpoengene som bevaring av mat, ruiner av sivilisasjonen, fødsel av et menneske, voldsomme dyr og det falmede monokrome.
Karakterene ble laget av tråd, stoff og tre og levendegjort (en veldig hard uttalelse) gjennom stop motion-teknikker av Anna Solanas og Marc Riba. Til tross for sin nihilistiske tone har den en slutt som med rette klassifiserer dette som et eventyr, med 'fe' -delen så dominerende som en klype blod i havet. En historie om fullkommenhet som ville få en 'R!' vurdering av voldtekt, artsdysfori, drap på en kjær, menneskespisere og kappede kroppsdeler. Det er alt annet enn en film for barn. Teknisk sett kan det bare forbedres av # 1-valget på denne listen med upåklagelig detaljering om produksjon og lyddesign, hvert arr blir spaltet med den perfekte galskapen og et enkelt blikk kan formidle historien bak.
Når han flytter til plottet, overlever Teo med hunden sin og en gammel mann (som muligens kan være bestefaren) og synes det er vanskelig å komme til rette med gravitasene til situasjonen de sitter fast i. Det hele endres når en feil fører til at han vergens død ved kjeve av de vilde hundene, og han må ta steget opp for å beskytte ham og hunden sin ved å drepe inntrengere. Han blir voldtatt av en kvinne som kler seg ut som en hund for å overleve og må ty til å spise hundekjøtt, mens vi ser at hunden hans blir stadig mer rastløs og vill på grunn av motgang og det eneste som skiller den og de andre menneskespiserne er bare et utseende. Historien utfolder seg i en enda grotesk og bekymringsfull fase som til slutt indikerer fullføringen av Teos transformasjon til en mann, klar til å ta verden.
11. FUCKKKYOUU
‘FUCKKKYOUU’ er en urovekkende surrealistisk film og et vitnesbyrd om innflytelsen fra Lynchian-skrekk. Skutt i kornet monokrom med uskarpe visjoner og partituret av Flying Lotus som spiller symfoniene til ‘Eraserhead’, dette er en film Lynch ville være stolt av. Filmen begynner med en orientering som minner om 30-40-talls skrekkflikker og en vansiret skapning som ligner ‘The Elephant Man’. Jeg syntes det var vanskelig å konstruere en teori som forklarte hendelsene, og hjernecellene mine ble helt tiltrukket av Element of Surprise, og jeg måtte referere til virtuelle kilder. Filmen dreier seg i utgangspunktet om en humanoid skapning som sliter med sin identitet og kjønn når den står overfor avvisning som foregår gjennom vekslende tidsperioder, hvor fortiden bortfaller av virkeligheten etter at den ble snudd av injeksjonen som vi ble vist i begynnelsen.
Filmen er fylt med skrikende smerte og hylende fortvilelse, med den sjelløse musikken som virkelig er i stand til å forstyrre sjansen fra en sunn person. Tittelen på filmen er en indre vits, og den dukket opp under en økt der Flying Lotus jammet ut melodier tilfeldig og en av dem hørtes ut som 'F * ck you'. Det kan også tolkes som det siste ropet fra det muterte vesenet, et passende svar på de plantene som river gjennom ham. Når jeg mister ord, kan jeg bare be deg om å sjekke det ut selv fordi opplevelsen er rivende, og selv om du kanskje ender med å gjøre noe ut av det, vil det blåse hjernen din ut. Ta ordet mitt for det!
10. Cutting Moments
Jeg ville ha satt 'Cutting Moments' litt høyere på listen på grunn av den svært forstyrrende grafikken og emnet, men 'The Big Shave' som var en viktig inspirasjon for dette, hadde større innvirkning på en tid da bare Peckinpah våget å bruke farge rød mer enn det som ble ansett som normalt. Cutting Moments dreier seg om en amerikansk familie som ser normal utfra; en mann, hans kone og deres sønn, men lider av problemer som plager en betydelig mengde familier i det vestlige samfunnet, noe som resulterer i overskrifter som får deg til å skjelve.
Sarah og Patrick lever med undertrykte følelser og har foretrukket isolasjon, med Patrick som fullstendig benekter Sarahs eksistens. Kulden mellom dem er både på et fysisk og følelsesmessig nivå, med Patrick som avviker sin seksuelle trang til sønnen under en hendelse som er vagt presentert. Sarah prøver å kle seg på en erotisk måte for å behage Patrick, men når dette forsøket mislykkes, gjør hennes mentale stabilitet det også. I en fullstendig nedbrutt tilstand hengir hun seg til alvorlig selvlemlestelse som en siste utvei, som følges av hendelser som rett og slett er utenkelige og ville ha påvirket Lars von Triers ‘Antrichist’ til en viss grad.
9. The Big Shave
Martin Scorseses første kortfilm er det perfekte forordet til karrieren. Gjennomgående med sitt varemerke katolske ekstremistiske undertekst av synd, fysisk mortifisering og den indre kampen mellom tro og virkelighet overlappet av temaer om vold, anstrengelse og spenning. Hele filmen er satt på et bad, og i løpet av 5 minutters kjøretid involverer 'The Big Shave' en mann som lader ansiktet to ganger, en gang med den hensikt å kvitte seg med ansiktshår og neste gang med den hensikt å bli kvitt han selv. Det er eksperimentelt og det er for mange nærbilder enn Scorsese normalt ville brukt, men han får det riktig til å balansere mellom direkte (speilet) og indirekte (barberbladet) representasjon av handlingen, noe som gir den en identitet som er forskjellig fra en prangende hippiefilm .
Nå skal jeg diskutere handlingen siden den fungerer som en metafor skjult i den alternative tittelen ‘Viet 67’ vist under sluttkredittene. Viet 67 er en referanse til Vietnamkrigen, et sterkt kritisert spørsmål i løpet av den tiden dette ble skutt med et klart bilde av krigen og president Johnson ble avduket for landet. Selvstympingen gjenspeiler USAs selvdestruktive involvering i krigen som resulterte i tap av 1 million amerikanske liv, menn som var normale mennesker som publikum og hadde minimal kunnskap om hendelsene de måtte møte.
8. Sacramental Melodrama
Helt motbydelig og elendig kinobit. Melodrama Sacramental er en 17 minutter lang innspilling av Alejandro Jodorowskys teaterstykke med samme navn med sin teatergruppe The Panic Movement. Gruppen kan betraktes som en kult, og deres motiv var å oppnå det Bunuel og Dali gjorde på 20-tallet ved å sjokkere publikum og gjenopplive surrealismen som hadde blitt petit borgerskap. Den spilte først og fremst Jodorowsky kledd som motorsyklist og presenterte ham som stakk halsen på to gjess, tapte to slanger på brystet og fikk seg avskåret og pisket. Andre scener inkluderte nakne kvinner dekket av honning, en korsfestet kylling, det iscenesatte drapet på en rabbiner, en gigantisk skjede, kasting av levende skilpadder i publikum og hermetiske aprikoser.
I forkledning av originalitet involverer denne korte dyreplageri og seksuell abstraksjon, men i motsetning til Bunuels verk ender den med å bli så rå, den verken sjokkerer eller gir sin surrealistiske patos til kunstformen. Det fungerer som 'Human Centipede' eller 'A Serbian Film', for å bruke meningsløs fysisk skrekk for å oppnå ingenting, og dette er et veldig overveldende bevis på Jodorowskys uvanlig storslåtte visjon, som ble formidlet gjennom 'El Topo' og 'The Holy Mountain'. Jeg liker ikke det, jeg siterer Rick Blaine 'Hvis jeg tenkte på det, ville jeg sannsynligvis gjøre det'.
7. Seks menn blir syke, seks ganger
David Lynch Sin første film, laget med et budsjett på 200 dollar, var en animasjonsshopp med stop-motion som ga ham en Memorial Award på filmskolens eksperimentelle maleri- og skulpturkonkurranse. Filmen består av et animert maleri, som skildrer seks dysmorfe figurer som kommer tilbake i rekkefølge med lyden av en sirenesløyfe i bakgrunnen. Kritikere har beskrevet det som et nyttig paradigme for Lynchs narrative sans, med mange som peker på likhetene som den deler med ‘Eraserhead’.
Selve plottet (for enkelhets skyld) går i et minutt med tilstanden til figurene som gjennomgår transformasjoner, deres indre organer blir synlige og magen blir fylt med et farget stoff, som beveger seg opp til hodet og får dem til å kaste opp , og dette spilles 4 ganger for å gjøre rede for dens 4 minutters kjøretid. Legg merke til de unormale utseendene, intensjonen om avsky (oppkast), bruk av fysisk redsel (skildring av indre organer), den blomstrende lyddesignen som var til stede i hans tidligere filmer, og den morsomme delen er at noen seere kan føle seg syke eller desorienterte etter å ha sett dette og folk som er helt i orden med det, uansett er vitsen mot deg og du representerer de seks syke menneskene.
6. Kjærlighet eksisterer
Selv om han er en mester i kinoen i seg selv, har Maurice Pialat unnslått bred anerkjennelse like mye som han unngikk eksisterende filmregler. Likevel vil de som er kjent med arbeidet hans sette pris på hvor klar hans innflytelse på utallige moderne filmer er. Det er vanskelig å forene Pialat i noen konkret kategori, ettersom filmene hans var forankret i en realisme så usentimental og følelsesmessig tett at den virket formalistisk. Et av hans tidligste arbeider er den 20 minutter lange dokumentarfilmen, L'Amour Existe, som er hans kommentar til byutbredelsen i Frankrike etter krigen og dens underliggende klassekonflikt. Den konstruerer en skudd for skudd-fortelling om den sordne virkeligheten i den parisiske utviklingen med forstedene som forfaller i forsømmelse, med en voice-over av Jean-Loup Reynold. Pialat fremhever med forseggjort tålmodighet hvor dystre livet i forstedene var i etterkrigstiden da reklame tok over virkeligheten og folk omfavnet et materialistisk og kjedelig liv.
L’amour Existe påpeker også hvordan den parisiske middelklassen og overklassen nyter bedre utdannelse, ikke bare faglig, men også kulturelt, mens forstadbarna mangler tilgang til teatre eller konsertsaler. Pialat beskriver de nye boligbygningene som sprang raskt opp som ‘konsentrasjonsleirer’ med bittesmå, horisontale vinduer der det ikke er noe å se på. Denne kortfilmen vant priser på filmfestivalen i Venezia og Prix Lumieres. Maurice Pialat fortsatte med å lage mange strålende filmer som A Nos Amours og Sous le Soleil de Satan, som vant Palme d’Or i Cannes.
5. Sigaretter og kaffe
Selv om sigaretter og kaffe bare var P.T. Anderson Andre gang bak kameraet, føles det på ingen måte som en amatørs arbeid. Filmen foregår nesten utelukkende i en spisestue, og vi blir prosedyrisk introdusert for fem karakterer, deres historier og en $ 20-note som forbinder dem. Det er en anspent og nervøs mann som forteller historien sin, og søker hjelp fra en mer sammensatt gammel venn som er veldig spesiell med å vente til kaffen helles og sigarettene tennes, ellers vil samtalen ikke ha noen reell betydning. I den andre messen er det et par på bryllupsreisen som har mistet alle pengene sine etter at kona blåser alt på pengespill. En stund senere går en skyggefull mann som tilsynelatende ikke er relatert til de andre inn i spisestuen. Imidlertid, som en $ 20-regning gjør veien fra en av tegnene til den andre, får vi vite at de kan være koblet til hverandre.
Denne 23-min korte har nok historie til en film før den og en annen etter den. Dialogen, innrammingen og kameraarbeidet i filmen viser at den er laget av noen som vet nøyaktig hva han vil. Det mest karakteristiske ved denne filmen er bruken av sporingsskuddet for scenepauser. Skuespillet i denne filmen er også spesielt bra. Anderson senere bearbeidet og utvidet denne korte til en spillefilm i full lengde, 'Hard Eight' - hans aller neste satsing.
4. Six Shooter
Martin McDonagh, som har regissert In Bruges and Seven Psychopaths, startet først med å lage en 27-minutters svart komediefilm i Irland, kalt Six Shooter - som fortsatte å vinne en Oscar og er en av de mest kjente kortfilmene av alle tid. Det er nesten overraskende hvordan en film så tungt lastet med død og personlig tap klarer å være så morsom og uttrykksfull samtidig. Den korte er ekstremt vellaget og intelligent slik at humoren føles annerledes fra både amerikanske og britiske merker av svartkomedie. Det følger en eldre mann, Donnelly, som nettopp har mistet sin kone, og på togturen tilbake fra sykehuset, finner han seg selv sittende med en rambunctious tenåringsgutt hvis mor nettopp har dødd. Ved siden av dem sitter et dystert par som nettopp har mistet sitt nyfødte barn.
Imidlertid tar denne tilsynelatende dystre innstillingen snart en mørkere sving, og ting blir rotere og morsomere på samme tid, med avsløringer om drap, selvmord, våpenkamper med politiet, eksploderende kyr og kjæledyrdødsfall. Alle som er kjent med McDonaghs andre filmer, trenger ikke ytterligere grunner til å se dette mesterverket. Imidlertid danner denne filmen viktig visning for alle som liker en intelligent svartkomedie, som ganske enkelt betyr alle.
3. En Coquette Woman
Sannsynligvis den mest produktive av alle New Wave-regissører, har Jean-Luc Godard laget filmer siden 1950-tallet med samme oppfinnsomhet som noensinne. Så langt har han regissert over hundre filmer, inkludert Contempt, Breathless og Band of Outsiders. Men Godard startet sin regissørreise med en mindre kjent kortfilm, Une Femme Coquette, i 1955. Basert på en historie av Maupassant følger den 9 min svarte-hvite korte en gift kvinne da hun plutselig blir fristet til å flørte med en fremmed etter å ha sett en prostituert tiltrekke seg elegante menn fra et vindu over gaten. Hun er ekstremt imponert over den grasiøse måten kvinnen tiltrekker seg fremmede på - med et uformelt, men innbydende smil som like gjerne kunne ha betydd 'For en vakker dag!'.
Etter å ha vært vitne til dette, bestemmer hun seg impulsivt for å smile flørtende til den neste mannen hun ser. Une Femme Coquette minner om andre tidlige verk av Godard - med et optimistisk lydspor, drevet av artikulert dialog, vidvinkelopptak og noe fartsfylt redigering. Filmen ble antatt å være tapt i lang tid til nylig da den dukket opp på YouTube. Kortfattet inneholder også en cameo av en 24 år gamle Godard, som burde være grunn nok til at cinephiles kan sjekke det ut. (Se det her )
2. Trikk
Krzysztof Kieslowski laget Tramwaj, en av de beste kortfilmene, mens han fortsatt var student på filmskolen. I denne 5 min lange filmen følger vi en ung mann en vinterkveld når han går ombord på en trikk der han legger merke til en vakker ung jente som sitter alene. Øynene deres møtes, jenta virker urolig i utgangspunktet, men varmes sakte opp til sin tilstedeværelse mens han lukker trikkedøren for å se hvordan luften gjorde henne kald og begynner å tygge en sukkerterning barnslig. Men før noe kunne skje, når trikken mannens stoppested, og han ombordstiger den. Han angrer straks at han savnet et så passende øyeblikk og blir overveldet av ønsket om å nærme seg jenta, så han løper bak trikken i håp om å ta henne. Helt i begynnelsen hadde vi sett mannen stå alene i en klubb hvor alle danser, og han ser ikke ut til å ha det bra. Han er sannsynligvis ikke veldig heldig med damene, og det er grunnen til at han må ha følt en tung følelse av klagesang og dermed hans impulsive løp.
Nesten alle bruksområdene har minst en gang følt en lignende varme når de ser en tilfeldig fremmed, noen annerledes enn resten, noen som er så tiltalende at vi vil bli kjent med dem. Den samme vanskeligheten ble også uttrykt av Mr. Bernstein i Citizen Kane når han forteller hvordan han fremdeles husker en jente som han så i bare et sekund da han var ung, iført en hvit kjole på en ferge. Bortsett fra plottet, er det som gjør det korte interessant, den mesterlige dyktigheten til Kieslowski bak kameraet og hans store talent for historiefortelling. Kieslowski har siden blitt et av de største navnene innen arthouse-kino og har laget flotte verk som The Dekalog og Trois Couleurs-trilogien.
1. En andalusisk hund
Den andalusiske hunden er en rase med opprinnelse i Spania, fødestedet til Luis Bunuel og Salvador Dali, de to skaperne av denne monumentale kortfilmen. På den iberiske halvøya er det hulemalerier som representerer hunder med sterk likhet med denne rasen, og ærlig talt er elementet av disig virkelighet fra hulemalerier det eneste filmen låner fra den andalusiske hundens eksistens. Selv om den surrealistiske bevegelsen allerede hadde startet på 20-tallet, lyktes den ikke med å trekke verdensomspennende oppmerksomhet, og Bunuel-Dali oppnådde dette ved å sjokkere publikum med bilder som ikke symboliserte annet enn undertrykkelse av kreativitet.
Rett fra åpningsbildet med nærbilde som involverer Bunuel selv, og skiver øynene til en kvinne med den sølte glasslegemet som rører hjernen din til det siste bildet av et dødt par begravet i strandsand, faller filmen aldri intensiteten en gang, og selv om en kunne krangle om det absurde mønsteret av scener som hjelper den saken, er det viktig å legge merke til hvordan de er ordnet på en måte som gir dem en gunstig kontinuitet. Teknikkene og bildene av kroppsskrekk i de fleste scener er studert og anvendt i utallige andre filmer bygget på drømmer eller temaer for skrekk. De mest bemerkelsesverdige eksemplene er 'Oldboy', 'Spellbound', 'Quills' og 'The Blood of a Poet'. Selv om et mylder av kritikker har tatt i bruk ulike teorier for å forklare filmens begivenheter, blir de begrenset til ordet 'teori', med Bunuel som ler av alle plausible forklaringer på det.