100 beste filmer gjennom tidene

Alejandro Jodorowsky Prullansky, den berømte chilenske-franske filmregissøren, dikteren, dramatikeren og musikkomponisten, sa en gang: 'Jeg har alltid trodd at kinoen er den mest komplette kunsten av all kunst.' Jeg er enig. På flere måter er kino faktisk en sammenslåing av alle andre viktige kunstformer: maleri, skriving og musikk. Det kan ikke være tilfeldig at kino også er den mest moderne kunstformen. Tross alt var evolusjon av andre kunstformer nødvendig for at kino kunne oppstå. Det faktum at den forblir den mest populære kunstformen nesten fra det øyeblikket den ble til, forteller deg både dens styrke og svakhet: den er lett tilgjengelig og derfor mer kommersialiserbar.

Med det i bakhodet er jeg spent på å presentere listen over The Cinemaholic’s 100 beste filmer gjennom tidene . Før du begynner å utforske listen vår over de 100 beste filmene som noensinne er laget, la oss minne oss om igjen, at lister etter sin natur aldri er perfekte. Så vi hevder ikke at dette er den hellige gral på listen over absolutt beste filmer i verden. Men det jeg kan forsikre deg om er at mye forskning har ligget bak å sette sammen denne listen. Tusenvis av filmtitler ble vurdert og hvert endelige valg ble diskutert. Jeg er sikker på at du vil finne at mange av favorittfilmene dine mangler fra listen. Mange av favorittene mine mangler også! Men i stedet for å bli frustrert over det, benytt anledningen til å se filmene du ikke har sett. Hvem vet, du kan ende opp med å oppdage din nye favoritt (er)!

100. Paraplyene i Cherbourg (1964)

Jacques Demy farger sin romantiske opera med en myk, overordnet raffinement som kommer ut som litt hipster. Men denne fargen er ikke bare den på veggene, klærne og paraplyene. Det er også på kinnene til en ung jente umulig forelsket når hun krysser gaten for å hilse på kjæresten sin og fraværet når vi ser ansiktet i et slør, den unge jenta nå andres brud. Det er også farger i måten folk snakker, eller for å være mer presis, synger til hverandre. Men deres lyriske samtaler rimer ikke som de fleste sanger. Når alt fra kjærlighetsyrker til bekymringer om penger er omgitt av uforståelig lidenskap, ville det ikke være så bra for deg å fiske etter rim eller grunn. Mens filmen og alle dens melodiske åpenbaringer, forsterket av Michel Legrands jordiske musikk, er hjertelig romantiske, er alle beslutninger som karakterene våre tar, som alt i livet, bestemt ikke det.

For et plot så kjedelig kjent, etter å ha sett det være grunnlaget for utallige popsanger og såpeserier, er hver eneste ramme av ‘The Umbrellas of Cherbourg’, sprengende av melankoli, forlokkende frisk, uvant selv. Du kan tilskrive det hvor ekte følelsene er, og hvor oppriktig deres uttrykk er. På en så ydmyk skala som den gjør, ødelegger ‘Paraplyer’ deg med de minste refleksjonene. Jeg ble forbauset over hvor betydelig virkningen av to tomme stoler, en gang fylt av de to elskere, kunne være. I Demys kjærlig tilberedte delikatesse marsjerer vi i karnevalene fylt med bånd og konfetti, vi pynter juletrær og gir hverandre gaver og tømmer alle følelsene våre et sted i hjørnene våre, for uansett hvor vanskelig noens fravær er å bære eller fortiden er å glemme, alt vi kan gjøre er å leve i dagens fantasi.

99. Trainspotting (1996)

Det er litt vanskelig å forklare cinephiles som oss selv om fanatismen til ‘Trainspotting’. Det kom rundt en tid da virkeligheten av narkotika akkurat hadde begynt å synke inn. Man vil si at det glamoriserte narkotikamisbruk og til en viss grad er det sant. Det faktum som kom ut av det, var Danny Boyles forsøk på å vise høye og lave nivåer av narkotikamisbruk, uten å ta side. ‘Trainspotting’ er en kultfilm som forteller en historie om fire venner og deres prøvelse med avhengighet. Skandaløst og bisarrt er de eneste to ordene som beskriver det. En narkoman som ønsker å bli ren, bare for å vakle på hvert trinn på grunn av sin dypeste trang til å bli høy. Generøst overdosert med humor prøver filmen å understreke et faktum med fullstendig alvor: Til tross for luksusen som livet byr på, fornekter ungdommen dem med mye forferdelse. Og årsakene? Det er ingen grunner. 'Hvem trenger grunner når du har heroin?'

98. Graduate (1967)

Ah, ungdommens dager! Bekymringsløs og gledelig. Moro fylt med ingenting å bekymre seg for. Ingen omsorg for fortiden, som har blitt etterlatt og ingen bekymringer for fremtiden, som ennå ikke kommer. Benjamin Braddock levde dette bekymringsløse livet etter endt utdanning fra college. Og da han endelig kom tilbake til hjembyen, der møtte han fru Robinson. Flammen til en affære begynner å brenne. Livet tar en lurvende sving når unge Ben feiler sex for følgesvenn. Det blir urolig uro når han faller for datteren hennes. En tankevekkende film, i antrekket til en komedie, ‘The Graduate’ er en av de morsomste filmene noensinne. Med Dustin Hoffman i hovedrollen har den den ikoniske linjen - 'Mrs Robinson, Prøver du å forføre meg?'

97. The Double Life of Veronique (1991)

Kanskje ingen andre filmskapere forsto kvinner i så dyp følelsesmessig dybde som Krzysztof Kieslowski gjorde. Mannen elsket dem bare, og han viste det med en slik lidenskap og intimitet at du ikke kan unngå å føle deg forelsket av den rå emosjonelle kraften. 'The Double Life of Veronique' kan bare være hans største kunstneriske prestasjon. Filmen handler om en kvinne som begynner å føle at hun ikke er alene, og at det er en del av henne som bor et sted i verden i en annen sjel. Veronique og Weronika er de to identiske kvinnene som ikke kjenner hverandre og likevel deler en mystisk intim følelsesmessig forbindelse mellom dem. Slawomir Idziaks svært stiliserte kinematografi maler filmen med et ømt melankolsk preg som bryter deg inn og ikke klarer å slippe taket. Det er følelser og følelser vi synes det er veldig vanskelig å sette ord på, og filmen gir liv til de uforklarlige følelsene av ettertenksom tristhet og ensomhet. ‘The Double Life of Veronique’ er et fantastisk kunstverk som skildrer menneskesjelen i all sin vakre svakhet og ømhet.

96. Cinema Paradiso (1988)

Mange ser på kino som en overbærenhet, en fritidsaktivitet, en underholdning som ikke har noen konsekvens i livet overhodet. Men jeg, med en hær av ivrige cinephiles som iherdig støtter meg, kan uttale meg med absolutt overbevisning om at kino er like nødvendig for livet som livet er for kino. Og ‘Cinema Paradiso’ er en vakker, om ironisk måte, å komme med mitt poeng på. Den vellykkede filmregissøren Salvatore kommer hjem en dag til nyheten om at Alfredo er død, hvor han blinker tilbake til hjembyen på Sicilia fra 1950-tallet. Ung og rampete Salvatore (kalt Toto) oppdager en varig kjærlighet til filmer som lokker ham til landsbyens filmhus Cinema Paradiso, hvor Alfredo er en projeksjonist. Etter å ha fått lyst på gutten blir den gamle boblen en farlig skikkelse for ham da han omhyggelig lærer Toto ferdighetene som vil være springbrettet for hans suksess med filmskaping.

Å se Toto og Alfredo diskutere kino med ærbødighet, og å se Alfredo gi livsråd gjennom klassiske filmsitater, er ren glede. Gjennom Toto's coming-of-age-historie kaster 'Cinema Paradiso' lys over endringer i italiensk kino og den døende handelen med tradisjonell filmproduksjon, redigering og screening mens de utforsker en guttes drøm om å forlate sin lille by for å streife inn i verden utenfor. En av de beste ‘filmene om filmer’ som noen gang var.

95. One Flew Over the Cuckoo’s Nest (1975)

En av de sjeldne filmopplevelsene som får deg til å føle en mengde følelser på en gang. Det er morsomt i deler, oppløftende i noen og rett ut hjerte knust i andre. Det er også en av de andre sjeldne prestasjonene i forenklet, effektiv historiefortelling, og forteller om Randle McMurphy, en kriminell som i håp om å unngå fengselsstraff, forfalsker å være psykisk syk, og erkjenner ikke skyldig på grunn av galskap. Da han ankom en mental institusjon, gjør han opprør mot den autoritære sykepleieren Rached (spilt av en stående Louise Fletcher) i et klassisk scenario mot kaos. Filmen fastslår at det faktisk ikke er noen bedre å spille karakterer med klask og sjarm i like stor grad enn Jack Nicholson selv, og henter ham en fortjent Oscar-seier for sin opptreden i filmen. Det som starter som en varig og hjertevarm film, eskalerer til en tragisk, om enn håpefull slutt, etter urovekkende scener som involverer selvmord og elektrokonvulsiv behandling på pasienter. Filmen lar oss likevel aldri seerens oppmerksomhet og patos for karakterene på skjermen, og fremkaller ekte følelser og hurra for den menneskelige ånden som kommer ut selv om den ikke får tilbake autoritet.

94. Pyaasa (1957)

Tett med ideer om sosial forandring, og skarp kommentar til den sittende ondsinnet og stigmaene i samfunnet, 'Pyaasa' innbegrepet ikke bare gullalderen til indisk kino, men var også en refleksjon av den indiske borgerlige selv. Det er en film som har en subtil kvalitet om seg selv, der alle de fresende sannhetene og de harde realitetene i samfunnet putrer under overflaten og venter på å bli utforsket og ekstrapolert av det oppmerksomme publikum. ‘Pyaasa’ er en tidløs klassiker ikke uten grunn. Selv etter 60 år etter løslatelsen, er det fortsatt relevant i moderne tid, fordi India fortsetter å bli plaget av de samme samfunnsforbannelsene - korrupsjon, kvinnehat, materialisme - som ‘Pyaasa’ direkte eller indirekte adresserer.

93. Modern Times (1936)

‘Modern Times’ er en humoristisk film med et kraftig budskap. Med Chaplins varemerketemaer om håp og fattigdom, fokuserer dette bildet på skadevirkningene maskiner og andre former for teknologiske fremskritt har på folket, ved å trekke en fabrikkarbeider inn i rampelyset hvis liv går gjennom mange vendinger mens han prøver å takle den nye verden. Selv om slapstick er tårevåt morsom, er det alt inne i et kar av tristhet. ‘Modern Times’ bruker smarte, subtile elementer for å stille viktige filosofiske spørsmål innimellom. Klimaks er et av de mest rørende noensinne, med en trist form for lykke og ingen reelle svar eller oppløsning. Denne filmen kan veldig godt være Chaplins best skrevne verk, og det er overraskende hvor relevante ideene som presenteres her er til og med i dag. Etter å ha utvilsomt stått tidens teste, er den stien Modern Times går for å dele sine tanker, trolig det beste aspektet av denne filmtrifen.

92. The Thin Red Line (1998)

Terrence Malick ’Tilbake til filmproduksjon fra en 20-årig pause ble preget av dette fantastisk imponerende krigsdramaet som ikke utforsker krig, men følelser av å kjempe krig. Filmen er virkelig malikisk i naturen, med mer vekt på det visuelle enn historien, slik at du kan suge opplevelsen av den. Filmens geni ligger i Malicks visjon om å se skjønnhet i noe så mørkt og blodig som krig. Det krever et absolutt geni å gjøre noe så brutalt og blodig som krig til en slik hypnotisk opplevelse som overskrider realitetene i krigen og i stedet lar deg suge inn i følelsene til karakterene. Det er en så oppslukende opplevelse som ber deg om å føle menneskene bak våpen og bomber. Dette er ødelagte sjeler akkurat som oss, og lengter etter en delikat berøring, savner varmen i pusten til sine elskere og koner mens de må takle den styggeste virkeligheten langt borte fra dem. ‘The Thin Red Line’ er ganske enkelt en opplevelse som ingen andre; en som må sees, føles og reflekteres over.

91. Blade Runner (1982)

Final Cut av Ridley Scotts ‘Blade Runner’, tror jeg er den største dystopiske filmen noensinne er laget. Selv om Metropolis er et diskutabelt valg, må man observere den uautentiske grafikken som er knyttet til den tyske ekspresjonistiske kinoen. ‘Blade Runner’ er derimot mer enn perfekt når det gjelder å bygge opp en verden som lider av økonomisk ulikhet, befolkningsboom, mangel på noe naturlig fordi selv kjøtt ikke kan stole på her. Den glitrende belysningen er kontekstuell naturlig, fordi den er en elektronisk verden og Jordan Cronenweth bruker den på samme måte som de hverdagslige lysende objektene i film noir. Selv om det kanskje ikke stiller spørsmål så vidtgående som ‘A Space Odyssey’, men får oss til å lure på om “androider drømmer om elektriske sauer”.

90. Fargo (1996)

Voldelig, morsom, varm og brutalt intens, ‘Fargo’ er en av de fineste amerikanske filmene på 90-tallet og en av de største krimdramaene som noensinne er laget. Filmen handler om en mann som ansetter to menn for å kidnappe kona og utpresse penger fra sin rike svigerfar. Coen Brothers ’strålende bruk av mørk humor gjennomsyrer filmen med en varme luft som gir en veldig særegen tone til filmen. Det er denne mesterlige blandingen av komedie, drama og vold som gjør ‘Fargo’ til en så minneverdig filmopplevelse. Det nydelige åpningsskuddet av et snøfylt Minnesota, vakkert komplimentert av en hjemsøkende poengsum, setter tonen for filmen og skaper en følelse av dyp tristhet som ligger under volden og humoren filmen er fullpakket med. Frances McDormand er helt klart stjernen i filmen og stjeler showet og viser en gravid politimester som er fanget i en verden av ondskap og brutalitet, men klarer å finne lys og håp. ‘Fargo’ er et følelsesmessig rå, brutalt intens, kjærlig morsomt og smertefullt realistisk stykke ren, medrivende kino.

89. Eraserhead (1977)

‘Eraserhead’ er en lærebokbit om atmosfærisk skrekk. Forteller historien om en mann med merkelig hår som prøver å oppdra en familie på egenhånd, blir denne filmen mer til et surrealistisk mareritt for hvert minutt som går. Ved å bruke lyd og nærbilder for å gi en følelse av klaustrofobisk frykt og tilpasse dette til et plott som gir liten mening ved en første se, viser David Lynchs debut seg å være en av mesterregissørens aller beste, noe som i seg selv er høy ros. Det som ‘Eraserhead’ gjør er å skape en dystopisk verden - sprutet med stygge bygninger og mekaniske grep dyppet i ondskapsfull svart-hvitt - og kaste inn i seg karakterer som er mer eller mindre forvirret av omgivelsene. Selv om det å forstå 'betydningen' av dette bildet er nesten umulig, må man innse at dette aldri er meningen. ‘Eraserhead’ plasserer i hodet på publikum en følelse av fullstendig ubehag, både ved hjelp av det visuelle og den surrealistiske stilen, og finner en måte å manipulere tankene sine på. Bare en håndfull bilder er like vakkert strukturerte, men unektelig truende som denne, og det er noe bare noen som Lynch kan trekke frem.

88. Boyhood (2014)

‘Boyhood’ er en kjær påminnelse om svunne år med uhemmet glede, urokkelig optimisme og boblende uskyld. Den er avhengig av å hente skjønnhet, glede og følelser ut av menneskers vanlige liv og ikke fra noe økt drama (brød og smør for de fleste filmene). Det er fascinerende å se hvordan fra scene til scene, ikke bare er det endringer i karakteristikk, men du vil også legge merke til transformasjonen i deres mote, frisyre, musikksmak og generelt perspektiver på livet. ‘Boyhood’, på en måte som veldig få filmer gjør, overskrider kinoens grenser og blir en liten del av vår egen eksistens og erfaring. Linklater minner oss igjen om hvorfor han er den beste i bransjen når det gjelder å fortelle enkle historier om vanlige mennesker.

87. Himmelens dager (1978)

Terrence Malicks utvikling til en fullstendig kontrollert, autoritativ filmvisjonær er en av de største tingene som noen gang har skjedd med amerikansk kino. Det er tydelig fra hans tidlige arbeider at han var desperat etter å hoppe ut av kinoens konvensjonelle grenser. Filmer som ‘Badlands’ og ‘Days of Heaven’ hadde tilsynelatende greie fortellinger, men dette var filmer som prøvde å være noe mer. Noe mer enn bare en historie. En opplevelse. ‘Days of Heaven’ oppnår dette mer glimrende enn ‘Badlands’. Mange har ofte kritisert filmen for den svake historien. Jeg kunne ikke si at de er helt feil, men historien er uansett ikke det viktigste i en film. Det Malick gjør her er å bruke kinoens visualitet som legger vekt på historiens stemning snarere enn selve historien. Hans intensjoner er ikke å gjøre deg emosjonell ved å bruke karakterenes vanskeligheter, men å la deg observere dem, føle skjønnheten i landskapet og duften fra stedet. Og å lage en slik opplevelse med innflytelse er intet mindre enn et mirakel.

86. Grav av ildfluer (1988)

En gripende, rørende film som er på høyde i alle aspekter du kan tenke deg, med de andre live actionfilmene som fremhever krigsbyttet. Denne japanske animasjonsfilmen sentrerte seg om gruene fra andre verdenskrig ved å fokusere på livet til et søskenpar, brøt hjertet mitt på en måte som ingen annen film har klart å, og fortsatte å trampe på brikkene helt til slutten. Å være en krigsfilm, gjør den også underverker på den menneskelige fronten, og vakkert innser og utvikler det ømme forholdet mellom Seita og Setsuko i møte med motgangen som var andre verdenskrig. Meldingen er høy og klar. Ingen krig er virkelig vunnet, og all ære som medfører seire er også ledsaget av jammer av uskyldige liv ødelagt i krigen. Jeg vil applaudere filmen for ikke å være åpenlyst følelsesmessig manipulerende for å få oss til å rote på karakterene; men gjør ingen feil, dets kraftige og kompromissløse synspunkt på krigen og travestiene som søskenparet har gjennomgått, vil redusere deg til et hulkende rot. Det er SÅ trist. Når det er sagt, er det ingen annen måte jeg vil ha det på. Det er perfeksjon, i sin mest hjerteskjærende form.

85. Manhattan (1979)

Romantikk i Woody Allens filmer har alltid følt seg smertefullt sannferdig og deprimerende realistisk til tross for den deilig gripende sansen for humor han pakker dem med. Mens 'Annie Hall' forblir hans mest dristige film, kommer 'Manhattan' ut som et mer modent verk, kunstnerisk. Filmen har Allen som spiller en kjedelig, forvirret New Yorker, nylig skilt, med en ungdomsskolejente, men ender med å bli forelsket i elskerinnen til sin beste kompis. Allen tonet litt ned humor for denne filmen for å la oss virkelig føle tristheten som slukte karakterene hans, noe som gjør den til en følelsesladet drenering. Det er bare et dypt gripende portrett av sviktende forhold og mangelfulle mennesker som sliter med seg selv og deres eksistens, og søker desperat etter lykke som de aldri vil gjenkjenne og oppnå. Og det er denne søt delikate, gripende erkjennelsen av den menneskelige tilstanden som gjør ‘Manhattan’ til en så kraftig film.

84. Marketa Lazarova (1967)

Det tsjekkiske ikonet Franti & scaron; ek Vláčils inkorporerte drømmelandskap, Marketa Lazarová, er ganske enkelt en av de mest utrolige kunstverkene som har kommet ut av de 20^thÅrhundre. Dens avantgardistiske tilnærming til filmspråk passer knapt til grensene for den ofte fordømmende vendingen - for det er noe mer. En fantastisk sammensmelting av syn og lyd, unhackled av konvensjon, struktur eller noen skriftlig regel opprørske kinoforskere har slått på filmformen gjennom årene. Til sammenligning ser alt annet så tett kontrollert ut - så unaturlig og konstruert i utførelsen. Marketa Lazarová er rå, visceral og oppsiktsvekkende dynamisk. Kort sagt: det er gratis - et sant høydepunkt av mulighetene for å utforske hvert centimeter filmmedium. For det ligger det blant de største filmene som noensinne er laget.

83. Singin ’In The Rain (1952)

Singin ’In The Rain er den mest definerende musikalen i Golden Age of Hollywood. Det er umulig å glemme bildet av Gene Kelly som danser ved gatelykten når vi snakker om de skinnende øyeblikkene i kinoen. Filmen feirer ikke bare sin egen ferdighet med glede, men også kinoens overgang fra å være et visuelt medium til et resonans og stimulerende. En monumental prestasjon i Technicolor-kino, Kellys regiinnsats ble i første omgang morsomt forkastet av kritikere og publikum. Jeg tror relevansen av denne klassikeren blir sterkere dag for dag, ettersom avstanden mellom tidsperioder dekket av filmen (virkelige og hjuls liv) og nåtiden vokser stadig mer. Vi mister kontakten med en viktig tid, og denne filmen svermer deg med sin nostalgi.

82. Don't Look Now (1973)

Det er veldig vanskelig å finne et visuelt kunstverk som er like hypnotisk som Nicolas Roegs 'Dont Look Now'. På mange måter er dette mesterverket som den avskyelige dvergen på slutten. Det er vakkert drapert i ekstatisk farging, men har den verste delen av livet: døden. Uansett hvor effektiv Sutherlands karakter er, tror jeg dette er en følelsesdrevet film, ettersom Roeg plasserer jakten på tapt kjærlighet over en avgjørende historie. Det gotiske fundamentet er et veldig kraftig instrument for å utbryte viktigheten av båndene den er avhengige av, den av faderlig og familiær kjærlighet, så vel som for å gi en vag form til spøkelsene som hjemsøker hovedpersonen. 'Noen steder er som mennesker, noen skinner og andre ikke'.

81. Fight Club (1999)

Innimellom kommer det et kunstverk som definerer en generasjons psyke. Så vidt kino går hadde 50-tallet ‘Rebel Without A Cause’, 60-tallet hadde ‘The Graduate’ og 70-tallet hadde ‘American Graffiti’. Og til og med to tiår senere passer ‘Fight Club’ til den generende, misfornøyde, anti-etableringsetikken i vår generasjon som en hanske. Som så mange flotte filmer er ‘Fight Club’ veldig splittende og kan tolkes filosofisk på mange forskjellige måter - noen finner det å definere moderne manndom, mens andre mener det forherliger vold og nihilisme.

I det vesentlige en thriller, blir filmen fortalt fra POV av en ikke navngitt hovedperson som lider av søvnløshet og misfornøyd med sin monotone jobb som krysser veier med en impulsiv såpemaker ved navn Tyler Durden. Durden og hovedpersonen starter snart en underjordisk ‘Fight Club’ som en måte for misfornøyde medlemmer av samfunnet å lufte sin sinne. Men snart kommer Tylers planer og fortellerforholdene utenfor hans kontroll, og fører til et eksplosivt klimaks (bokstavelig talt!)

Sammen med den djevelske omsorgsholdningen den forplanter, er ‘Fight Club’ også et kjennetegn på en eller annen retning fra den moderne legenden David Fincher. Den dystre fargepaletten, skarp redigering og glatt kameraarbeid har inspirert en horde mørke thrillere etter filmen. En vannskillefilm fra 1990-tallet.

80. Før solnedgang (2004)

Her er sannheten om menneskelig evolusjon som ingen vil fortelle deg: Menneskeheten kommer snart til å miste samtalekunsten. Teknologiske fremskritt har en stor bivirkning: Folk blir stadig mindre interessert i å få til ekte samtaler - fordi de har teknologi å gjemme seg bak. Og det er nettopp derfor Before Series holder i tiår framover. En serie filmer som handler om to personer som er engasjert i ekte samtaler, er en sjeldenhet selv for denne generasjonen. I fremtiden vil ikke slike filmer bli laget i det hele tatt. Det er derfor fremtidige generasjoner kommer til å se tilbake på Før-trilogien i ærefrykt og undring. Og jeg vil ikke bli overrasket om trilogien finner sin fortjente plass i ikke bare filmhistorie, men også alle filmskoles bibliotek.

Blant de tre Before-filmene skiller ‘Before Sunset’ seg ut fordi den er den mest hjerteskjærende vakre. En film som iboende handler om det sterkeste menneskelige ønsket: ønsket om å være sammen med noen du kan tilbringe resten av livet ditt med. Hvis du ser nøye etter, blir 'Before Sunset' til slutt et speil, ved å se på hvilke, kan du bedømme dine egne forhold: Hvor du gikk galt? Hvem var egentlig “den” for deg? Hvilke muligheter savnet du? Hva kunne ha vært? Det er en av de sjeldneste av sjeldne filmer der din egen opplevelse i livet vil berike og gi næring til din opplevelse med filmen.

79. Matrisen (1999)

En genial, smart idé gjengitt på skjermen av Wachowskis, som resulterte i en film som fikk mange seere til å være skeptiske til den virkeligheten de befant seg i. Det er sant, når 'The Matrix' ble laget, var det ingen vei tilbake, den endret seg tingene. Ikke bare brøt filmen noe nytt i historien, den revolusjonerte også måten science fiction og actionfilmer ble unnfanget etterpå. Suksessen til 'The Matrix' som en film ligger også i hvordan den mesterlig dabler mellom temaer, inkludert filosofi, eksistensialisme og til og med religion, hele tiden iført dekke av en handling og sci-fi-film. Neos evne til å manipulere den simulerte virkeligheten til å utføre tilsynelatende umulige bragder og bruken av 'bullet time', en handlingsteknikk som ikke er noe mindre enn ikonisk nå, legger til filmens oppfinnsomhet. Sjangeren kan være overfylt nå, men da den først kom ut, er det trygt å si at publikum ikke hadde sett noe lignende.

78. Det syvende kontinent (1989)

Å kalle Michael Hanekes ‘The Seventh Continent’ en skrekkfilm høres veldig galt ut for meg, men det er slik det blir referert til av de fleste som har sett den. Det er vanskelig å krangle med dem, fordi en visning av denne filmen etterlater en håpløs, deprimert og redd. Denne klassikeren fra 1989 har å gjøre med en familie som hater verden og livet generelt, og tar en kald og fjern holdning for ytterligere å isolere de tre spillerne fra resten av samfunnet, noe som sakte men sikkert får publikum til å føle dypt for dem som deres eksistensen tar en mørk sving. Hanekes debutstykke er en av de mest urovekkende filmene som noen gang har prydet sølvskjermen, og håner betrakteren og slipper aldri taket. Hvis publikum kaller det en skrekkfilm, gjør de det med henvisning til en skummel film som er ulik noen annen. Dekket i tvetydighet og realisme, Det syvende kontinentet er en personlig, intim og skremmende gjenfortelling av en sann historie som etterlater deg i stillhet, for i minst et par minutter etter at den er avsluttet, blir du ikke i stand til å si et eneste ord.

77. Zodiac (2007)

‘Zodiac’ er ikke din konvensjonelle thriller; det er sakte og fokuserer mer på humør og karakterer enn plot. Det er en aura som David Fincher bygger så mye at du kan kjenne stemningen i filmen i beinene dine. Det er ikke en film som vil forlate deg lykkelig når den slutter. Det er også en film der den dårlige fyren vinner, de gode taper. Og det er derfor det er så bra. Ikke bare bra, men et moderne mesterverk. Når en film klarer å trekke deg i hele to og en halv time, og la deg tenke i flere dager, må den ha fått mange ting riktig som de rutinemessig laget thrillere ikke gjør. Etter min mening er ‘Zodiac’ Finchers beste film, der han med sin disiplin og sine ferdigheter viser hvorfor noen ganger “less is more”.

76. Magnolia (1999)

‘Magnolia’ er utvilsomt Paul Thomas Andersons aller mest personlige arbeid. Den hysteriske stemningen Anderson tilfører filmen med en viss følelsesmessig flyt i melodrama som er så utrolig vanedannende og katartisk i sin energi. Filmen foregår helt i San Fernando-dalen med forskjellige sammenhengende karakterer som går gjennom forskjellige faser i livet, og sliter med å håndtere sine egne indre demoner og emosjonelle konflikter. Anderson elsker disse menneskene, han kjenner dem og forstår dem, men presenterer dem som unapologetically hvem de er; sterkt nakne mennesker, rå og rene, konfronterer og overvinner deres dypeste frykt og svakheter. Det som gjør ‘Magnolia’ så spesiell er at det er en film som forteller så mye om filmskaperen sin. Vi får en titt på Andersons liv, stedet han tilhører og menneskene i livet hans. Det er bare så mye av Anderson i hele filmen. En film som ‘Magnolia’, hadde den blitt regissert av en hvilken som helst annen filmskaper, ville ha følt seg datert og virket ganske mye som et produkt av sin tid, men med Anderson legger det bare til filmens appell.

75. Rosemary’s Baby (1968)

'Rosemary's Baby' er et mørkt, vridd kunstverk som leker med uskyld for å bygge en følelse av skrekk. Å ha å gjøre med en kvinne som opplever komplikasjoner under graviditeten, tar filmen en helt ny rute med plottet ved å la rituelle elementer spille en hovedrolle. Det er så mye om denne filmen å elske, med utgangspunkt i de velskrevne karakterene helt til det fjerne, rugende miljøet som omgir enhver hendelse som oppstår. Det er alltid en følelse av spenning gjennom hele bildet, og det er delvis takket være den stille, dvelende kinematografien utført med Polanskis stramme regissørstil. Mia Farrow gir karrieren den beste forestillingen her som Rosemary Woodhouse, en kvinne som blir svakere når hun sliter med smertene som følger med å bære et barn. Samlet sett blir atmosfæren fanget av denne filmen matchet av få andre, og måten den siver inn i huden din er virkelig noe annet.

74. Det gode, det dårlige og det stygge (1966)

Å entre figurer spilt av legendariske skuespillere, uhemmet, brutal slengaksjon, hekting på musikk og intens kinematografi - den tredje delen av ‘Dollars’-trilogien, sies å være fødsel av spaghetti-vestlige, er overbærende, fengende, underholdende kino på sitt beste. Blondie or No Name (The Good), en profesjonell pistolslinger og Tuco (The Ugly), en ønsket forbryter, danner en uvillig lojalitet når de hver finner ut en viktig detalj om et gullstopp skjult av en flyktet konføderert. som Angel Eyes (The Bad), en hitman, er kontrakt for å drepe. Trio-reisen danner kjernen i et nittende plot som ender i en klassisk vestlig stil. Clint Eastwood som Blondie er bildet av machismo, Lee Van Cleef som Angel Eyes er ond personifisert og Eli Wallach som Tuco legger til en karakterkompleksitet av impuls og raseri til de enklere, men mer prangende Good Vs Evil-handlingene til de to større stjernene. Men tøylene er alltid regissør i Sergio Leones hender - han bruker viltvoksende langskudd og intens nærbildefilm etter behov for å skape en spenning i prosessen. En sjangerdefinerende film Quentin Tarantino, en av de største eksponentene i det moderne vestlige, en gang kalt 'Den best regisserte filmen i verden.'

73. De reisende spillerne (1975)

Altfor lenge var Theo Angelopoulos intime, delikat sammensatte epos kjent for få filmentusiaster, og kanskje verdsatt av enda færre. Dens staselige, gradvise oppføring av et filmmonument for vårt esoteriske, kryptiske forhold til tiden er forståelig nok ikke for alle. Men for de nysgjerrige blant oss, har det vært kjent å gi trøst, gi visdom og gave en oppfatning som hjelper til med å finne konstanter å henge på i denne universelt og grusomme dynamiske verdenen. Blant de mange tingene denne filmen får rett på, er dens uberørte grep om åpenbaringene i fortellingen om ‘Orestes’. Mytologien knyttet til den tragiske figuren er fanget med en sinnsløs ydmykhet, og likevel klarer filmen å transportere oss gjennom sin smidige visjon til et melankolsk, dvelende syn på midten av det 20. århundre Hellas. Den tidsmessige elegansen rettferdiggjør visningshistorien ved å stå ved siden av troppen: utenfra og inn. Du har en tendens til både å ane hardheten i den og reflektere over dens opprettelse. Det er en sjelden antifascistisk historieleksjon fordi den aldri forteller oss hva vi skal tenke. Det viser oss bare hva vi skal føle. Angelopoulos og filmfotograf Giorgos Arvanitis plasserer oss i hjertestoppende omgivelser og vasker dem ut med periodens ødeleggende ondskap. ‘The Travelling Players’ er en ydmyk, sjelden perle som føles som om den ble reddet fra opprørsbelastede gater og overlevd gjennom sult. I enklere termer fortjener vi det ikke.

72. Cache (2005)

Michael Haneke blir ofte beskyldt for alltid å handle med dystre fortellinger. Denne karakteriseringen er helt urettferdig fordi det han egentlig gjør er å gi menneskelig innsikt i mørket som omslutter oss alle, hvordan våre feiloppfatninger fører til pinefull isolasjon og hvordan vrangforestillinger reduserer sjansene våre for å overvinne den isolasjonen. ‘Caché’ er ikke bare et massivt, sårende dokument som peker på ondskapen i Seine River Massacre i 1961, og vår umenneskelighet som samfunn, men også en poetisk universell karakterstudie. Georges, vår hovedperson, oppfatter livet og hans tilstedeværelse som et sosialt vesen i en forvrengt følelse av glede. Han stikker av fra komforten ved å stole på og kommunisere med andre. Han liker sin fremmedgjøring, akkurat som han fremmedgjør så mange som holder ham så kjær. Med det håner Haneke generasjonen som ønsker å være alene. Kameraet hans er til tider uvanlig fjernt, akkurat som så mange av oss er i forhold til omgivelsene. Men i hans kontroll må vi konfrontere vår uanstendighet, vår hensynsløshet, vår virkelighet. En av de mest utfordrende kinobitene du noensinne vil se.

71. Spirit of the Beehive (1973)

Den spanske mesteren Victor Erice laget bare tre spillefilmer før han gikk av med pensjon. Fremdeles i dag, filmene som El Sur, Quince ‘Tree of the Sun’ og spesielt Spirit of the Beehive, hans udefinerbare debut, som får oss alle til å ønske at han fremdeles laget filmer. En parabilisk fortelling om to barn, det ene utforsker hans eksistens med uskyldig, ofte forvirrende fascinasjon og den andre besatt av filmen ‘Frankenstein’ som spilte i deres lokale teater. Dens mystifiserende portrett av det spanske hjerteområdet blir etterlatt i forlokkende tvetydighet av Erices karakteristiske nøytrale retning - sjelden våger seg inn i en filmmetode til fordel for stille observasjon. Det resulterende arbeidet er forvirrende, oppslukende og vil la deg lure på den iboende gåten i selve livet: Dens ubesvarbare spørsmål, dets store mysterier og deres forbløffende utilgjengelighet. For å etterlate deg helt ødelagt eller uforlignelig rørt, er det ingen tvil om at til ekstrem ‘Spirit of the Beehive’ vil være en viktig opplevelse.

70. Alle presidentens menn (1976)

Watergate. Ett ord som brakte gardinene ned på Richard Nixons presidentskap og fikk folk til å innse at selv en person av presidentens vekst kan bøye seg ned i lavest mulig grad for å få gjort tingene sine. Mens kammeratene til presidenten var opptatt med å rydde opp i rotet han skapte, var det to journalister som fikk lukten av det. Til tross for truende trusler jobbet de utrettelig, forfulgte selv de minste lederne og til tider brakte de fare over seg selv i prosessen for å få fakta til folket. Basert på boken med samme navn, skrevet av journalister, Bob Woodward og Carl Bernstein, er 'All the President's Men' en klar observasjon av hva ekte journalistikk skal være. Regissert av Alan J Pakula, ble dette nominert til åtte akademipriser, til slutt vant tre og forøvrig mistet det beste bildet til ‘Rocky’.

69. Army of Shadows (1969)

Jeg tror et utmerket sammenligningspunkt for nykommere i Jean-Pierre Melvilles verk er Stanley Kubrick. Begge praktiserer ekstrem teknisk presisjon og utstråler absolutt tillit til hver eneste arbeidsrulle de legger ut over lange og kreativt lukrative karrierer. Når det er sagt, er en billig, men utfordrende klage hvem som helst kan sende inn til den amerikanske regissøren hans ‘sjelløshet’. En ledig stilling av menneskelig uttrykk. Slik er det ikke med Melville. I ‘Army of Shadows’ brenner Melvilles karakterer med en bitter fortvilelsesdrevet gnist som får enhver handling til å ose av menneskeheten. I den dødelige verdenen av krigstidens motstandsbevegelse kan ett falskt trekk resultere i fullstendig ødeleggelse, og det er med den nevnte nåde og virtuose kontrollen over kinoen hans at Melville syr frøene til en helt troverdig, overbevisende død verden. ‘Army of Shadows’ er en av de mest stille, spennende og monumentalt påvirkende arbeidene som kommer ut av fransk kino - og å savne en slik kriminelt oversett klassiker, ville være å gjøre deg selv en alvorlig bjørnetjeneste.

68. The Shining (1980)

Med sin tilpasning av Stephen King-klassikeren opprettet Stanley Kubrick i 1980 en film som fortsatte med å omdefinere skrekkgenren. Her er det ikke bare historien eller karakterene fødselen frykter. Miljøet og måten det er blitt filmet på, hjelper fantastisk til å la tankene som gjør dem forbløffe og trenge inn i publikumets sinn. Filmen følger Jack Torrence, en nyutnevnt vaktmester på The Overlook Hotel, og hans familie mens de tilbringer en periode med fullstendig isolasjon i den mystiske bygningen. Gjennom fantastiske forestillinger og utmerket kameraarbeid sørger Kubrick for at innholdet i filmen synker dypt ned i underbevisstheten vår. Måten han manipulerer lyd og atmosfære på er helt utrolig, og skaper for en uforglemmelig samt ryggradssøling i to og en halv time. Verden av ‘The Shining’ er vakkert mørkt og griper deg tett ved kragen under hele den fantastiske tredje akten.

67. Chinatown (1974)

Det er film noir og neo-noir og rett mellom disse to, sitter Jake Gittes, kledd pent med en skarp fedora for å komplimentere det gliset i ansiktet hans. Selv om han er en stor beundrer av Polanki, er det alltid noe som ikke samsvarer med sluttproduktet av filmene hans. Bortsett fra Chinatown. Dette banebrytende mesterverket skapte ikke bare en identitet for seg selv, men blir alltid sett på av filmskapere som låner stilen for å skape en identitet for filmen sin. Polanski er en tryllekunstner på jobben, og lurer oss med kjennelige ledere så vel som klassisk noir-pacing og setting. Men så kommer Chinatowns siste akt, som så raskt bryter ned hver konvensjon som opprinnelig var knyttet til lignende mysteriefilmer, du sitter igjen med en overveldende følelse av sjokk og fortvilelse. Dens manglende evne til å slå Godfather II puslespill meg fortsatt, men etter et halvt århundre har folk glemt Sicilia, men aldri Chinatown.

66. Satan Tango (1994)

Tilståelse nummer én: Jeg så nesten aldri Béla Tarrs viltvoksende, vidunderlige mesterverk. Man ville anta sin all-time cinephile favorittstatus og det enestående rykte det har samlet blant amerikanske kunsthuskretser og blant noen av de mest informerte filmkritikerne over hele kloden ville ha meg fascinert. Men den enorme enormen av varigheten (ca. 432 minutter) og det lorislignende tempoet jeg hadde hatt så stor glede av i Tarrs ‘Werckmeister Harmonies’ virket skremmende. Bekjennelse nummer to: Jeg så ‘Sátántangó’ for første gang på en gang. Jeg ble hypnotisert av dens pragmatiske sans for den virkelige verden og dens tålmodige, forsiktige sans for kino. Den observerte mer enn den reflekterte og tenkte mer enn den ga pent utformede uttalelser. Den mytiske, dystre realismen var for god til å være sann og altfor brutal til å ha blitt realisert med et slikt øye for skjønnhet.

Alt jeg ønsket å gjøre til slutt, var å lukke alle vinduene mine og omslutte meg selv i mørket, fordi filmen for meg hadde vært som den galne i kirken og dens jammer hadde gitt for mye mening. Bekjennelse nummer tre: Jeg er glad for å rapportere at ‘Sátántangós’ sagnfulle sosiale og politiske refleksjoner har begynt å gjøre seg tydelige for meg da jeg har kommet tilbake til den gjentatte ganger. En sommer som ble brukt til å sluke László Krasznahorkais roman, som fungerer som kildemateriale for filmen, var spesielt minneverdig. Alt jeg kan gjøre nå er å håpe å fortsette å høste utbyttet av denne lykkelige ulykken.

65. Eksorsisten (1973)

William Friedkins ‘The Exorcist’ er perfekt regissert. Mannen er beryktet for en uberegnelig karrierevei som ser at klassikere faller inn med sjokk (og ofte krysser de to gruppene over for noen fascinerende utforskninger av filmløs skamløshet). Med sin beste film bestemte Friedkin seg for å skyte et drama som tilfeldigvis handlet om demonisk besittelse: Sy patos for sine komplekse karakterer og visceralt oversette originalforfatter William Peter Blattys tekst fanget mellom tro og lammende tvil. Sluttresultatet av to fantastiske artister som jobber på toppen av spillet for å levere en glitrende klassiker av amerikansk kino: En som formørker nesten alle filmer i sin sjanger (bar kanskje den ubevisst skremmende 'Wake in Fright' eller Tobe Hoopers serendipitous tour-de -makt Texas motorsag massakre ). Rett og slett fantastisk.

64. Suspiria (1977)

'For i drømmene våre går vi inn i en verden som er helt vår egen' - J.K. Rowling. Og hva om en av kinoens mest vridne sinn bestemte seg for å spraye underbevisstheten hans på et stykke film. Dario Argentos Suspiria anses å trosse filmlogikk med sin underlig strukturerte historie. Men jeg tror det er et neoekspresjonistisk mesterverk som fanger den sanne essensen av kino, som er å få oss til å føle oss virkelig, virkelig levende. Argento forstår verdien av rom, og viser dermed større fokus mot film og scenografi, som er de dominerende innbyggerne i filmen hans. 'Suspiria' representerer ikke bare Argentos stil, men hele italiensk skrekk, en sjanger som er preget av kunstens estetikk.

63. En mann rømte (1956)

Upåklagelig presis og inspirerende økonomisk, ble Robert Bressons oh så sjeldne bullseye slått med 1956s ‘A Man Escaped’. Toppen av mannens kvikksølvkrefter som filmskaper, følger den franske motstandsagenten Fontaines forsøk på å unnslippe et stadig farligere nazifengsel og finner mening i hver eneste ramme. Fra den forbløffende menneskelige skildringen av hovedrollen av ikke-skuespilleren François Letterrier, hvis sunkne kinn og utblåste øyne så overbevisende uttrykte den knusende vekten av å leve i krigstid, til Bressons minimalisme som klarte å dyrke en sårende intimitet mellom publikum og sa den desperate mannen : Fra hyppige POV-er og elegante komposisjoner som ikke overforbrukte teknikker som Bressons omkringliggende arbeid noen ganger har druknet i. Jeg ville ikke kutte bort en eneste ramme - og dermed fungerer flicket som en helt viktig utdannelsesmåte for spirende filmskapere: Til mal noe så levende og tett uten at det noen gang føles nedlatende.

62. To Kill A Mockingbird (1962)

I tider som disse er det ingen bedre film enn 'To Kill A Mockingbird' for å forklare nynazistene om den sanne betydningen av kaste, tro og rase. Sett i tidslinjene til et rasedelt Amerika, blir en afroamerikansk mann anklaget for å ha brutt beskjedenheten til en hvit kvinne. På toppen av raserettferdighet, når en domstol full av hvite mennesker søker etter blodet hans, kommer det ned til en mann å bekjempe saken hans. En hvit mann, kalt Atticus Finch. Han kjempet tappert for å fremføre det faktum at alle mennesker er skapt like i domstolen, enten det er farget eller ikke. Hans innsats blir nytteløst, da retten uttaler mannen skyldig. Men det som holder igjen med betrakteren, er leksjonen Atticus Finch innprenter i barna sine. Det vil si: ‘du forstår egentlig ikke en person før du vurderer ting fra hans synspunkt’. Basert på Harper Lees bestselger med samme navn, er ‘To Kill A Mockingbird’ en av tidenes største filmer.

61. Bakrute (1957)

Det som skiller et mesterverk-thrillerfilm fra kloakkavløpet som er stablet regelmessig over oss, er at i sistnevnte kommer vriene raskt, og hviler mer på vårt sjokk enn sannheten til vrien for å få innvirkning. Men i filmer som ‘Rear Window’, viser det seg små ting fra den gangen rullestolritt profesjonell fotograf L.B. 'Jeff' Jeffries ser seg ut bakruten og dråpe for dråpe til de flommer, og får den uskyldige Jeff til å mistenke at en mann som bor over gårdsplassen har begått et drap. Hitchcock bruker kameraet sitt mesterlig som en illusjonists verktøy for å holde seerne spente, lurte og gjette til kjevnefallen avslører. Gjennom Jeffs obsessive forfølgelse av hans interesse, kommenterer Hitchcock voyeurismens feilslutninger, hvor fristende det kan være og dysterheten i ensom urbane livsstil som fører til den. Enda mer utrolig, det er like mye en kommentar om betrakterens voyeurisme som Jeff; ettersom vi er betatt av Jeffs fengsel. Å se når det ikke blir sett på er en ond glede; Hitchcock vet det, beundrer det og trekker oss inn med det.

60. 4 måneder 3 uker og 2 dager (2007)

Noen filmer beveger deg; noen får deg til å le; noen knuser hjertet ditt. ‘4 måneder, 3 uker og to dager’ tilhører en spesiell kategori av filmer: de som gjør deg engstelig og nervøs. Som du ville gjettet er slike filmer sannsynligvis den sjeldneste av sjelden rase. Filmen følger to venner som prøver å arrangere abort i det brutale Ceausescu kommunistregimet i Romania. Visceral og kompromissløs, filmen griper deg i nakken og lar deg aldri gå. Å se denne filmen er som å oppleve den magefølende følelsen du får når du nervøst venter på at en av dine nærmeste skal komme ut av et operasjonssal etter en operasjon. Det er ikke bare realistisk kino på sitt beste; det er også en av de livsforandrende filmene du noensinne vil se.

59. Siste året på Marienbad (1961)

Alan Resnais '1961-film' Last Year At Marienbad ' er det nærmeste vi har kommet til å visualisere en drøm, og det gjøres på en så merkelig måte som mulig. Musikken som tar bakgrunnen for det meste av kjøretiden, fungerer som et beroligende middel som setter publikum i en somnolent tilstand. Til tross for dette er det ganske umulig å holde øynene utenfor skjermen, fordi det skjer så mye gjennom hele bildet, men bare lite vises. Jeg liker å tenke på ‘Last Year At Marienbad’ som en film forestilt seg fra underbevisstheten, på grunn av sin repeterende og forvirrende natur. Karakterene er forvirret over den bisarre verdenen de også har blitt satt i. Det er et modent og sofistikert stykke, og jeg finner kjerneplottet - som involverer en mann og hans forhold til en merkelig kvinne som han tydelig husker at han møtte året før, selv om hun ikke husker det samme om ham - veldig oppslukende, original, lidenskapelig, romantisk, drømmeaktig og selvfølgelig strålende.

58. Villjordbær (1957)

Har du noen gang vært på en biltur hvor du ikke har noe bedre enn å se ut av vinduet? I en viss tid ser du på utsikten utenfor, før tankene dine kommer inn og det som er utenfor, er nå bare en mal - det holder ikke oppmerksomheten din lenger. Slik skjer med Isak Borg, hovedpersonen til Bergmans klassiske stemningsstykke som har funnet sin plass i utallige alltid beste filmlister, inkludert en samlet av Stanley Kubrick i 1963. Han reiser sammen med sin svigerdatter for å motta graden. av “Doctor Jubilaris” fra alma mater. Hun liker ikke ham og planlegger å forlate sønnen. Men professoren vår, som spilt av den briljante Victor Sjöström, er ikke mye interessert i fremtiden. Hans tanker og som en konsekvens, kaster filmen, katapultert av de mange menneskene han kommer over sin reise, bare på fortiden hans. Sett gjennom Bergmans tilgivende, sikre linse, er minnene enkle, kjente og menneskelige. De forherliger ikke livet hans eller avviser hans prestasjoner. De er rotete, som de fleste av våre og bevisst forvrengt. Når han endelig kommer til stedet for å få æren, innser vi at han aldri trengte en belønning. Han fikk den allerede i de jordbærene han samlet sammen med barndommen, kjæresten som husket ham, det urolige forholdet til kona, det gode og det dårlige, det forløsende og det tilgivelige. Det samme gjør vi i form av denne mystiske, uforklarlig bevegelige filmen.

57. Spillereglene (1939)

Jean Renoirs geniale, bitende oppførselskomedie klarer å holde seg overraskende godt etter alle disse årene, samtidig som de forblir like lekne og hjemsøkende som alltid. Den ble unngått på tidspunktet for utgivelsen av både kritikere og publikum, noe som resulterte i at Renoir kuttet ut en betydelig del av filmen etter den katastrofale premieren - en del som for det meste inneholdt karakteren til Octave, som ble spilt av Renoir selv. Knapt overraskende er veksten i vekst siden den gang. Filmen er i sin lure, autoritære sjonglering av karakterer, temaer, toner og setting, alltid underholdende, men aldri mindre flittig eller mindre overdådig utformet enn det beste fra verdens kino fra perioden. Dens nøye smidde bilder pulserer av raffinement, men innsatsen blir aldri sett, og filmen lar deg gapende lure i hvor dypt viklet du var i den dyktig bygget atmosfæren. Filmfotograf Jean Bachelet og Renoir leker med kameraet på en måte som gir filmen en luftighet, men deres nådeløse kontroll er det som gjør den til en stadig spennende satsing. Hvis alt dette ikke er tilstrekkelig, bør du vite at Alain Resnais en gang sa at filmen var den mest overveldende opplevelsen han noen gang hadde hatt på kino. Det ville være vanskelig å finne en mer glødende anbefaling.

56. Den tredje mannen (1949)

Film-noir er en sjanger assosiert med filmer som overdådige mørke smug, hemmelighetsfulle, forførende karakterer, en følelse av mystikk og kremaktig svart-hvitt for å belegge det hele. Selv om mange av disse bildene er spennende og tilbyr god tid, er det få som prøver noe innovativt og annerledes. The Third Man er en av de største film-noirene som noen gang er laget, fordi den forteller sin forbløffende historie eksepsjonelt godt, og bruker imponerende nederlandske tilter, slående lys og vakker musikk. Filmen har å gjøre med en mann og hans selvdrevne etterforskning av drapet på hans økonomisk velstående venn. Handlingen til Den tredje mannen er foret med romantikk, mørk humor, vendinger og spenning. I sitt hjerte kan filmen kalles en søt kjærlighetshistorie, men med alt annet som kastes inn, er den forelskelsen overlatt til tvil. Carol Reeds magnum opus spiller et mesterlig skrevet manus, og holder deg i utkanten av setet ditt helt fra den ydmyke, letthjertede første akten til en slutt som kan være den smarteste finalen til ethvert bilde du har ' Jeg får se noen gang.

55. Cries and Whispers (1972)

Ingmar Bergmans tragiske familiedrama handler om en tristhet som både er immaculately desperat og feber presserende. Det er ikke tålmodig bygget scene for scene og leveres på et fat til slutt. Du er laget for å inhalere den fra åpningen av filmen som introduserer hovedspillerne og deres herdede, brennbare sorg med nydelige nærbilder som gjør deres kvelende ubehag tydelig. Alt dette er dekket av en uforgivelig overflod av rødt, i form av den karmosinrøde som veggene i huset historien foregår i er malt med. Bergman gjør oss bevisste på stanken til døden som omgir kvinnene med en så imponerende retning at en faktisk død ikke er noen grunn til alarm. Kvinners iboende voldelige lengsel gjorde alt i filmen til et hjemsøkende, blod gjennomvåt minne i mitt sinn. Sven Nykvists gjennomgående fascinerende visualer tempereres av Bergmans subtile forfatterskap og skuespillernes mesterlig innbyggede forestillinger. Den lysende Liv Ullman ser ut til å mystifisere og trollbinde hver gang kameraet er på henne, mens den vantro Ingrid Thulin og Harriet Andersson er så uberørte i sitt arbeid at det føles invasivt å komme i kontakt med følelsene sine. Bergman gir oss ikke klare ideer å ta med oss ​​hjem, men nekter oss alle de andre opplevelsene enn de hans karakterer opplever. Vi lurer på hvor langt hans tilgang til følelsene våre går, og han utvider den i hver eneste sving. Til syvende og sist er ikke 'Cries and Whispers' å tro, det skal leves.

54. Once Upon A Time In The West (1968)

Kanskje det er Morricones hjemsøkende poengsum eller kanskje Delli Collis visjon som er like stor som Vesten eller kanskje den ujevne grusen som er yrende i øynene til Bronson og Fonda, og kanskje er det kulminasjonen av alle disse aspektene i nesten alle bilder av maestroen, Sergio Leone . Hvis du trenger en vestlig som har både skjønnheten til John Ford og den tilgivende villheten til Sam Peckinpah, så er det rett og slett ingen i nærheten av Leone. I sin magnum opus oppnår han det som tok ham tre filmer tidligere, for å skape en mystisk verden midt i blinken. Selv om det kanskje ikke er noe åndelig på overflaten, har filmen guder. Gods sportslige kroner fylt med 10 liter krutt og grus som de svelger med vann. Også Henry Fondas rollebesetning som en antagonist var sannsynligvis avgjørelsen fra det tiåret, ettersom hans iskalde blå øyne var ulik noe Vesten noen gang hadde sett.

53. Annie Hall (1977)

Ingen kan hevde å forstå den forvirrende, altoppslukende gåten som er kjærlighet som Woody Allen. Og ingen Woody Allen-film kommer i nærheten av å vise den i sin ekte, sære herlighet enn denne fortellingen om Alvy Singer, en nevrotisk, nihilistisk komiker i New York som faller i 'mer enn kjærlighet' med den svimmel, flyktige, blide Annie Hall, og faller så ut av det. Filmen utforsker også kjønnsforskjeller i seksualitet gjennom Alvy’s og Annie ‘Yin and Yang’ slags forhold. Til slutt aksepterer selv Alvy kjærlighet som ”irrasjonell og gal og absurd”, men nødvendig i livet. Bruken av flere innovative fortellingsteknikker, som den improviserte brudd på den fjerde veggen, rask veksling av fortid og nåtid gjennom glatte kutt, og viser i undertekster hvordan Alvy eller Annie føler mens de faktisk snakker noe helt annet, og tillegg av en ' historien i en historie 'som klimaks, løft den allerede engasjerende historien. ‘Annie Hall’ er trolig den første virkelig modernistiske romantikken på celluloid og har inspirert en generasjon romantiske komedier i stedet for. Ingen er like sjarmerende som den de søker å etterligne.

52. M (1931)

Utbruddet av stemmeopptaksteknologi, et fenomen som masthodet sto for som 'The Jazz Singer' fra 1927, førte til en absurd metning av dialog i filmer. Teknologien ble tatt for gitt som en direkte oppgradering, snarere enn et verktøy som skal brukes i forbindelse med det etablerte filmspråket. Fritz Lang, en mann som begynte sin karriere innen stille kino med en rekke mesterlige verk, inkludert Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen og det eksepsjonelle Metropolis. Hans lydmigrasjon traff sitt høydepunkt i 'M' i 1931 - en film som i motsetning til alle omkringliggende kilder hadde fjernet nesten all omgivende støy. Resultatet er en lydløs talkie med en overveldende livløs atmosfære: En som så effektivt underbygger fortellingen. Den aktuelle historien slår ut mot en barnemorder og den tyske regjeringens inhabilitet til å fange ham - danne sin egen kenguruerett for å straffe drapsmannen. Det Lang kommuniserer her er av utrolig modenhet i budskapet: Rettferdigheten som fortjener å bli servert fullstendig undergravd av tidens politiske kontekst - med Nasjonalsosialistpartiets registrerte dødshjelpspolitikk og stadig mer voldelige idealer som manifesterer seg som en ond svulst på folks beskyldninger . Peter Lorres opptreden, rik på patos og torturert humanisme, hjelper hamre med det dype bedraget fra ‘M’-en som forblir umåtelig bevegelig til og med i dag.

51. 12 Angry Men (1957)

Svaret på om gutten var skyldig eller ikke, vil vi aldri vite. Men en ting 12 Angry Men bekrefter er at logikken alltid vil seire over intuisjon, hvis det er en sunn mann midt i en verden av dårer. Og er dårskap en sykdom eller bare et biprodukt av uvitenhet? Sidney Lumets drama ber deg ikke om å bruke hjernen din over hjertet, men streber etter å nå et punkt der du kan ta en beslutning, med begge å jobbe sammen. Sammen med sitt fascinerende manus som sitter stolt i læreplanen til alle filmskoler rundt om i verden, er kameraarbeid og iscenesettelse rett ut av en japansk New Wave-klassiker. 12 Angry Men kan skryte av en uforglemmelig forestilling fra ensemblebesetningen, og er et monument over American Cinema.

50. City Lights (1931)

Ikke mange tidlige filmskapere har anerkjennelsen og populariteten i dagens kultur som Chaplin nyter. Dette kan være av mange grunner. Filmene hans snakker til alle og er magefullt morsomme, men mer enn det, historiene hans ser på melankolske situasjoner i et humoristisk lys. Slik er tilfellet med det som trolig er hans mest personlige bilde, 'City Lights', som forteller historien om en tramp og hans innsats for å imponere og hjelpe en dårlig blind flowergirl. Han gjør det under en fasade og later som om han er en rik mann for å fange oppmerksomheten hennes, men får problemer mens han gjør det. Når en film fortsetter å være like morsom og rørende i dag som for 75 år siden, betyr det vanligvis at det er noe den gjør riktig. 'City Lights' har satt sitt preg på verden med sin skildring av fattigdom og liv i de harde årene av depresjonen, som er så godt gjennomført og følte at den aldri unnlater å bevege publikum, samtidig som det gir dem håp om en bedre i morgen.

49. Come & See (1985)

Sistnevnte halvdel av et utrolig dyktig filmteam, regissør Elem Kilmov var gift med Larisa Shepitko - den lysende virtuosen bak ‘Wings’ og ‘The Ascent’. Da hun så dessverre døde i en bilulykke, avsluttet Kilmov arbeidet med sitt eksepsjonelle uferdige prosjekt 'Farvel' (som bare kunne ha tatt dette stedet) - og jeg tror det som gjør all denne sammenhengen så kraftig er måten mannens sorg blør inn i hver ramme av arbeidet hans. Kilmovs kino ser ut med uuttrykt raseri og desperasjon: Hulking i sin egen overveldende vekt av følelser - og få filmer som noen gang er laget har pulsert med en så kraftig følelse som Kom og se . Uten tvil, den den beste krigsfilmen noensinne er laget, dens helvete skildring av Wehrmacht-invasjonen av Hviterussland ekko med øredøvende eksplosjoner, marerittfulle bilder og en verden som sakte blir drenert av livet - scenene skutt i et nydelig, hul lys. Likevel, i all denne kvalen, finner Kilmov sin vei til forståelse i sin transcendentalt modne konklusjon. Kanskje, i sin forpliktelse til å tenke på livets forgjengelighet, finner han endelig styrke til å begrave beinene til sin avdøde kone. Man kan bare håpe.

48. Det syvende segl (1957)

Fra de aller første bildene av Bergmans ikoniske dokument om tro, frykt og tilfredshet er det en trylleformular som kastes på deg. Det skarpe, kornete blikket på havet, kysten og på det en modig ridder og hans skjebnesvangre møte med personifiseringen av døden definerer filmens klarhet av objektiv, selv om det gir rom for en forførende, nesten skremmende uklarhet å være til stede hele tiden. Dra nytte av en magnetisk forestilling fra den makeløse Max von Sydow og et skuespillergruppe som løfter Bergmans forbløffende materiale, basert på stykket hans, 'Wood Painting', til uventede nivåer, 'The Seventh Seal' i sine magre 90 minutter har innflytelse av en gammel fabel gått gjennom generasjoner som driver fantasien langt mer ekspansiv enn den selv kan håpe å inneholde. Gunnar Fischer’s glitrende, skarpe svart-hvitt sørger for at den opprivende intensiteten kryper under huden vår. Den strømlignende fluiditeten er et resultat av en fortelling som er utfoldet med sublim selvtillit og en håndgripelig planhet. Det kan være en grundig enkel historie som likevel har verdifulle ideer i sin favn, men den er sydd med et stoff som er så intrikat og dristig, at du ikke kan unngå å se på det om og om igjen for å oversettes til et varig minne.

47. La Dolce Vita (1960)

Fellinis forsiktige, tålmodig og poetisk mykgjorte virtuose vises på full visning i sin Palme d’Or-vinner som i sin sjelfulle og skyggefulle glamour fanger en måte å leve på som virker for unnvikende og på noen måter altfor ekte. Tempoet understreker hovedpersonens følelse av målløshet og tvinger oss til å bade i det symfoniske arrangementet av livets liv og hvor flyktig det hele er. Denne hovedpersonen spilles av en karriere-beste Marcello Mastroianni, som bruker denne tidsgaven for å fylle øynene med en uimotståelig verdensutmattelse. Å stille spørsmål ved betydningen av visse seksjoner av ‘La Dolce Vita’ som kan virke blottet for filosofisk import eller narrativ relevans, er å avvise muligheten for å la de pikante detaljene vaske over deg og deretter vurdere konsekvensene. Mens Nino Rotas himmelske poengsum fører oss inn i den svimlende verden av Roma, sett gjennom Fellinis illusoriske øye, ser du bare det han vil at du skal se, og det blir raskt det du også vil se.

46. ​​Psycho (1960)

Mennesker kan i beste fall beskrives som særegne. Det menneskelige sinn som er i stand til mange forbløffende ting, er også i stand til å degenerere seg utover forståelse. Alfred Hitchcocks ’Psycho’ trenger ikke introduksjoner da den holder hodet høyt, midt i tidløse kinoer. Bortsett fra å være en klassiker, er det også en trist kommentar til menneskets sviktende moral. Og det er ikke Norman Bates! Det kaustiske grepet til fru Bates som setter Normans liv i tromme rett gjennom barndommen og til slutt voksenlivet, er en påminnelse om hvordan kjærlighet kan kveles. Famous, Mr.Hitchcock vedtok merkelige retningslinjer for 'Psycho', som inkluderte å ikke tillate sene deltakere i filmen. Den ble vedtatt for å sikre full rettferdighet til filmens pulserende klimaks. En thriller i sin virkelige form, ‘Psycho’ er en historie om en sønn, moren og deres usunne bånd av besittelse. Hitchcock ble så voldsomt bevoktet over finalen, at han promoterte filmen denne tagglinjen - 'Don't give away the ending - It's the only one we have!'

45. Solaris (1972)

Tarkovskys ‘Solaris’ er ganske som fenomenene som er avbildet i filmen. Fra å forvirre meg med sitt dypt forankrede konsept, til å utvikle seg til en enhet som jeg ikke kan skille oss fra, er det en opplevelse som får meg til å lure på den glemske naturen til hvert molekyl som utgjør universet. Vi er kanskje klar over de vitenskapelige dimensjonene, men kan ethvert instrument beregne mengden kjærlighet eller sorg man har i et nanogram av hjertet? Kan noe finne hjernecellen der et uforglemmelig minne ligger? Fra Bachs fortryllende musikk i åpningssekvensen til den flerårige motorveiscenen, er Tarkovskys bruk av tid til å løsrive seeren fra funksjonen til en normal verden mesterlig. Solaris er et rike der følelser sender deg til et snurr med sinnssykdom, men hvem ville ikke gi uttrykk for når galskap er vakker å ta på, og visceral nok til å frigjøre deg fra deg selv.

44. Schindlers liste (1993)

En viktig film som drar stor nytte av Spielbergs teft for det dramatiske, er en like urovekkende og følsom opplevelse for seg selv. Filmen er, som mange andre på denne listen, en mesterklasse i noe jeg liker å kalle forenklet, innflytelsesrik historiefortelling. Fortellingen følger Oskar Schindler, en tysk forretningsmann som reddet livet til mer enn tusen jøder ved å ansette dem i fabrikkene sine under Holocaust. Alle de tre lederne, Liam Neeson som Oskar Schindler, Ralph Fiennes som Amon Goth og Ben Kingsley som Itzhak Stern er i kjempefint form og gir de mest oppriktige forestillingene. Spesielt en scene mot slutten av filmen, der Schindler bryter sammen med tanke på hvor mange liv han kunne ha reddet, er dypt rørende og forblir etset i mitt sinn som en av de mer kraftfulle, hjertegjengivende scenene på kino. At filmen ble skutt i svart og hvitt, med sjelden, sporadisk fargebruk for å symbolisere eller fremheve et viktig element, øker opplevelsen. Enkelt, Spielbergs beste film, er den fortsatt en viktig filmopplevelse.

43. Lawrence Of Arabia (1962)

Kino som medium blir stadig større. Med banebrytende teknologi til rådighet, tilbyr dagens filmskapere oss noen viscerale filmopplevelser. Men det er noen filmer laget før CGI var i moten, hvis rene og monumentale skala ikke har funnet en likemann. David Leans episke historiske drama basert på livet til T. E. Lawrence , en av Storbritannias mest kjente personer, er en slik film. Den spiller Pater O'Toole som Lawrence og forteller om hans opplevelser på den arabiske halvøya under første verdenskrig. Helt fra begynnelsen tegner David Lean et strålende levende bilde av den uendelige ørkenen i all sin prakt, hjulpet av filmfotograf Freddie Young og en gripende poengsum av Maurice Jarre. Men det ofrer på ingen måte følelser for ekstravaganse. I sitt hjerte er 'Lawrence of Arabia' en fantastisk karakterstudie av Lawrence - hans følelsesmessige kamp med den personlige volden som ligger i krigen, hans egen identitet og hans splittede troskap mellom sitt hjemland Storbritannia og dets hær og hans nyfunnte kamerater i de arabiske ørkenstammene. Denne sunne kvaliteten gjør ‘Lawrence Of Arabia’ til en av de mest innflytelsesrike filmene som noen gang har eksistert.

42. The Searchers (1956)

Uten tvil den største westernen noensinne er laget, den fineste filmen i John Fords store karriere, 'The Searchers' er en amerikansk klassiker, blant de fineste filmene som har dukket opp fra femtitallet. Selv om den ble beundret og respektert på den tiden, ble den spredte, svimlende kraften ikke anerkjent på noen få år, men i begynnelsen av syttitallet ble den hyllet som en klassiker av sjangeren og kanskje den fineste vestlige som noen gang er laget. Sikkert har tiden erodert noen av filmens makt, men ikke den ruvende, rasende forestillingen fra Wayne, og heller ikke rasismen i filmen som gir fyr og sinne. Den drivende fortellingen om filmen, Ethan og hans søk er tidløs, like kraftig i dag som den var den gang, kanskje mer fordi så mange av de subtile historiepunktene nå er klare.

41. Pather Panchali (1955)

Filmen som førte frem indisk kino til verden og ga kino en av de beste forfatterne, Satyajit Ray. Basert på romanen til Bibhutibhusan Bandopadhay, forteller ‘Pather Panchali’ historien om en fattig familie som prøver å trives gjennom mange livsmotstander. Man kan hevde at det romantiserer fattigdom, ettersom seeren er vitne til de mange prøvelsene som familien står overfor, og tjener levebrødet. Til tross for det er det øyeblikkene, ispedd maestro Ravi Shankars musikk som forblir hos betrakteren. Det kjærlige forholdet mellom Appu og søsteren Durga, togsekvensen som er et av høydepunktene i filmen, tar filmen helt til et annet nivå. ‘Pather Panchali’ har gjennom årene blitt en av kultfilmene og vises regelmessig i listene over største filmer gjennom tidene, og fortjent.

40. Casablanca (1942)

Den typiske amerikanske klassiske filmen. Det er kanskje noe så smittsomt ved sjarmen at du fremdeles blir forelsket i det, selv i alle disse årene. Bortsett fra den enorme re-watchability-faktoren, gir den minneverdige poengsummen (As Time Goes By!) Og den svært siterte dialogen en sterk sak. Enkelt sagt, det er en godbit når alle elementene i en flott filmopplevelse er tilstede i akkurat de riktige mengdene!

Historien er mildt sagt enkel, nesten grenser til banal til tider. En kynisk, sønderknust mann som driver den mest berømte nattklubben i Casablanca, befinner seg i veikryss når damen han elsket dukker opp sammen med mannen sin. Plottapparatene her er de berømte transittbrev, men historien handler rett og slett om de to elskere satt på bakgrunn av de tidlige stadiene av andre verdenskrig, og den tøffe avgjørelsen Bogarts karakter står overfor, å henge på eller gi slipp. Imidlertid, som med mange filmer av denne sjangeren, gjør utførelsen susen, og forvandler ‘Casablanca’ til et av de mest overbevisende romantiske dramaene gjennom tidene som også er utrolig godt skuespiller; Humphrey Bogart og Ingrid Bergman er på topp, og støttes dyktig av spillere som Paul Henreid, Claude Rains og Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Når man ser på kino som en kunstform, kan man ikke benekte Barry Lyndons perfeksjon, fra vakker film, fascinerende scenografier, fremragende musikk til kraftig regi. Som en historie snakker den om livet til en ung mann i det 18. århundre Europa mens han klatrer trinnene mot aristokrati, bare for å bli ført ned igjen av hans dårlige skjebne. Bildet har i seg selv noen av de største scenene noensinne er filmet, og bruker kjevefallende lys, farger, fysiske egenskaper, etc. Det er ingen bedre måte å oppsummere livet til en person enn å se på det objektivt, og det er det denne filmen har gjort ved hjelp av en upålitelig forteller. Det er kaldt og fjernt, og gir sjelden publikum en sjanse til å føle på hovedpersonen. Fra dette perspektivet, Barry Lyndon er en overdådig karakterstudie, med rike karakterer, et realistisk preg og en poetisk måte å kommunisere følelser på. Det er rett og slett kino på sitt beste.

38. Generalen

En av de eldste titlene på listen, 'The General', fungerer som en påminnelse om at mange moderne actionmesterverk sitter i en veldig lang skygge av ingen ringere enn det stille komediegeniet Buster Keaton. Den sistnevnte kunstnerens elskelige trampe har en så imponerende verk som til og med Charlie Chaplin, og bytter med en kavalkade av herlig dumme karakterer i Keatons tilfelle; alt omgitt av bustende filmforskning som strakte mediumets grenser i flikker som Sherlock Jr. og The Cameraman. Alt dette uten å nevne magnum opus, 1927’s The General: Etter en konføderert ingeniør som skyndte seg for å advare sin side om de fremrykkende unionstroppene under den amerikanske borgerkrigen. Fortellingen danner en mal for George Millers nylige 'Mad Max: Fury Road' og stort sett hver eneste katt-og-mus-film noensinne laget, og holder ut med sin morsomme komedie, imponerende spesialeffekter og bravado-stuntarbeid som ser at Keaton setter livet i fare mer enn en gang for beundring av hans kjærlige publikum. General er fortsatt en av, om ikke den, fineste actionfilmen noensinne laget - en som har det gøy med hvert unse av sitt vesen og klarer å innkalle så mange suverent håndterte øyeblikk av episk skala for å konkurrere med CG-lastet bolte laget i dag.

37. Blow Up (1966)

Tiden ? De svingende sekstitallet. Plassen? London. Byen som blender og stråler. Levende og glamorøs. Sex, dop, og rock'n'roll. Alt i alt en dag i livet til Thomas, en motefotograf som lever et liv av, vel la oss si tvilsom moral. I løpet av en dag full av hendelser, mens han går gjennom fotografiene til et par som han fanget ganske skjult i en park, oppdager han en død kropp i den. Han går til samme sted og finner ut at kroppen er mannen fra paret. Redd kommer han tilbake til studioet sitt for å finne det ransaket, men med ett bilde igjen, det av den døde kroppen. Dagen etter forsvinner kroppen. Hvem myrdet ham? Og hvorfor kroppen forsvant? Hvorfor følte Thomas at han blir fulgt? ‘Blow Up’ er regissør Michelangelo Antonionis klasseakt som har inspirert mange filmskapere gjennom årene, inkludert Brian De Palma og Francis Ford Coppola.

36. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2003)

Den svimlende, surrealistiske åpenbaringen av kjærlighet og hjertesorg har aldri blitt utforsket på den måten og i den grad suksess som ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’ gjør. Frodig med vakre bilder og oppfinnsomme partiturer som ligner lydspor fra lyd-æra, er det umulig å forklare alt om ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’. Ingen tvil om at filmen er lagdelt med en vanskelig å følge fortellingen - selv om den faktisk er enkel når du begynner å følge - den er en av de filmene som er rikt givende rett og slett fordi du ikke kan hindre deg i å svømme over det svært gjennomtenkte konseptet og dypt rørende. filmen som det er. Men den virkelige stjernen i showet er forfatteren, Charlie Kaufman , som i form av ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, kan godt ha skrevet det mest dypt strålende manus noensinne i filmhistorien. En film som ikke bare er unik på sin egen måte, men som også kan ses uendelig med noe nytt å finne i hver visning.

35. Drosjesjåfør (1976)

I ‘Taxi Driver’ gir Martin Scorsese oss en av vår tids mest forstyrrede, usannsynlige, ennå lunefulle hovedpersoner i Travis Bickle. Filmen følger ham når han blir drosjesjåfør for å takle søvnløsheten og ser hvordan han sakte blir overvunnet av all galskapen i byen rundt seg. Den virkelige måten Taxi Driver vinner som en film er hvordan den lykkes med å snike seg mot deg og sakte jobbe seg gjennom sleaze og skrekk som ser ut til å fornærme Travis Bickle. I det tjener det med rette sitt skille som en psykologisk thriller mer enn et drama, og jobber ofte på flere nivåer enn bare de to. Filmen kan være en urovekkende klokke for noen på grunn av sitt mørke tema, en enda mørkere behandling og en håndfull vold, men for seere som er villige til å se forbi det, er det intet mindre enn et strålende forsøk på å forstå den delen av menneskelig psyke som ofte stammer seg selv i form av årvåkenhet. Jeg mener, hvem muse ikke om å stige opp til vår tids uriktighet og gi det tilbake? Det er den dyptliggende fantasien om at 'Taxi Driver' leker med på en svært effektiv måte. Filmen blir nå ansett som en av de viktigste filmene som noensinne er laget, og introduserte verden for styrken som var Scorsese.

34. Paths Of Glory (1957)

Før Stanley Kubrick marsjerte videre for å utforske de uforklarlige aspektene i samfunnet som ikke bare overskred tiden, men også seernes forventninger fra seg selv, lagde han dette medrivende krigstykket som jeg rangerer sammen med ‘Come and See’. I motsetning til sistnevnte trekker Paths of Glory ut sin hjerteskjærende gjengivelse av WW fra den samme overflaten av menneskeheten som dominerte Kubricks sistnevnte verk. I Kubricks verden er ikke demonene dekket av blod og gjørme, men med medaljer og stolthet, og helvete dykker på det mest hellige stedene, retten. I en tid da industrien hadde adoptert den attraktive 3 stripen, malte Kubricks monokrome krigen med en enkelt nyanse. Kroppene, filene, brakkene, røyken, asken, alt kamuflert med det vanlige synet av bekymringsfull smerte.

33. Tre farger: rød (1994)

Den tristeste delen av en kunstners død er når du tror at deres endelige arbeid tilfeldigvis er deres største noensinne. Dette var tilfelle med den polske forfatteren Krzysztof Kieslowski og hans siste film ‘Red’. Kieslowski hadde allerede kunngjort sin pensjon fra filmproduksjon etter filmens premiere i Cannes i 1994, men det er hans tragiske død nesten to år etter at han kunngjorde sin pensjon som gjør det enda dypere trist. ‘Red’ er den siste delen i hans høyt anerkjente ‘Three Colors’-trilogi og handler om en ung kvinne som kommer over en gammel mann etter at hun ved et uhell traff hunden sin med bilen sin. Den gamle mannen er en pensjonert dommer, løsrevet fra livet og alle slags følelser og bruker tiden sin på å spionere på andre mennesker. Et usannsynlig bånd med subtile romantiske undertoner utvikler seg mellom de to. ‘Rødt’ handler om sjanser og tilfeldigheter som slår oss hver dag og vår manglende erkjennelse av skjønnheten og betydningen av det. Det er en uforklarlig følelse av melankoli som går gjennom filmen om tragedien til menneskelig skjebne og tid og hvordan vi som mennesker i verden alle er koblet sammen på en eller annen måte. ‘Red’ er en forbløffende bragd innen filmskaping og er rett og slett en av de største filmene som noen gang er laget.

32. Skatten i Sierra Madre (1948)

Som navnet antyder, forbinder vi ofte skattejakt med det pulserende eventyret og adrenalinkicket som er knyttet til det. Men veldig få historier er der som snakker om følelsene folk gjennomgår mens de legger ut på en reise for å få det gullet. Det sies ofte at motgang får frem din sanne karakter. ‘The Treasure Of Sierra Madre’ forteller en historie der lysten etter gullet medfører ubehagelige endringer i karakterene, og til slutt resulterer i deres individuelle øde. Mens fokuset er på grådigheten som ødelegger samvittigheten, er det studiet av menneskelig karakter under ugunstige situasjoner som forblir hos betrakteren. En tragisk fortelling om grådighet og svik, denne filmen vant akademiprisen for beste regissør, best tilpassede manus og beste birolle. Gjennom år har dette blitt en kultklassiker for filmelskere over hele verden.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fiction, et begrep som er betegnet med magasiner eller bøker som fremhever vold, sex og kriminalitet. Disse elementene fikk magasinene til å selge som varme pannekaker. Tarantino tok disse elementene, blandet dem rundt tre historier og skapte en fortelling som ikke var mindre enn et filmisk geni. En av de mest unike popkulturfilmene som har blitt laget, blir betrakteren introdusert for verdenen til pøbelhitmannen Vincent Vega, hans partner i kriminalitet og motormouth Jules Winnfield, gangsterens kone Mia Wallace, bokseren Butch Coolidge og blir blåst bort med dens stilige behandling av kriminalitet og vold. Et av de viktigste aspektene av filmen som bidro til suksessen var Samuel L Jacksons opptreden. Som hitmannen Jules Winnfield som siterer bibelvers som punchlines, var han fenomenal. En av de største filmene i denne tiden, ‘Pulp Fiction’ har blitt en lærebok for ambisiøse filmskapere over hele verden.

30. Slaget om Alger (1966)

Få filmer har brukt byrden av politikk på en måte som beriker deres filmeffekt, men overlater det til glattkalt italiensk maestro Gillo Pontecorvo å ta det fortsatt kokende flammepunktet fra slutten av 50-tallet fransk kolonitrykk av det algeriske folket og gjøre det om til noe helt overbevisende. De fremdeles presciente parallellene til Pontecorvos beundringsverdig nøytrale observasjon av terror og terrorisme begått av begge sider, trekker i dag, og gjør opplevelsen av 'Slaget ved Alger' til en fascinerende intellektuell utfordring for vår forståelse av svart-hvitt krigføring, a-la den impalende kulden i Miklós Jancsós uutslettelige filmografi. Dessuten er redigeringsteknikk for nyhetsruller et landemerke i filmisk kommunikasjon og i mitt sinn benyttet langt sterkere Nouvelle Vagens hektiske skjæringsteknikker enn mange av de utforskende masthodene. En gang sett, aldri glemt- ‘The Battle of Algiers’ er ganske enkelt et banebrytende stykke verdenskino.

29. Goodfellas (1990)

Det er en regissørs drøm å lage en filmepoke til perioden den er laget i. Men for Martin Scorsese er det en vane. I hvert tiår han har vært A-Lister, har han laget en film som regnes som en av de største i perioden. Han laget ‘Taxi Driver’ på 1970-tallet, ‘Raging Bull’ på 1980-tallet, ‘Goodfellas’ på 1990-tallet, ‘The Departed’ på 2000-tallet og ‘The Wolf Of Wall Street’ på 2010-tallet. Og det er 1990-gangsterdramaet basert på den sanne historien om gangsterforeningen Henry Hill som ble en av målestokkene i sjangeren. Filmen, fortalt i første person av Hill, beskriver hans oppgang og fall som en del av New Yorks mafia fra 1955 til 1980. I motsetning til all gangster-ekstravagansen i 'Godfather' eller 'Scarface', handler 'Goodfellas' om autentiske detaljer i det daglige gangsterlivet, med fokus på like mye fokus på Hills forhold til kona Karen som hans bedrifter med gjengkameratene. Men Scorsese bruker alle pilene i triksene hans for å gjøre denne saken fristende dette legendariske lange sporingsskuddet , en minneverdig dialog og en eksplosiv handling av Joe Pesci som Tommy DeVito, Hill's stormfulle medarbeider. Når det gjelder krimsjangeren, er ‘Goodfellas’ så bra som det blir.

28. Raging Bull (1980)

Martin Scorsese er kjent for å skildre historier om ødelagte, feil, ofte selvdestruktive hovedpersoner i filmene sine. Og han har ofte gjennomsøkt historiens annaler for å finne sine falne helter i sanne historier. ‘Raging Bull’ er livshistorien til den legendariske bokseren Jake LaMotta, hvis selvdestruktive og obsessive raseri, seksuelle sjalusi og animalistiske appetitt, som hadde gjort ham til en mester i ringen, ødela forholdet til kona og familien. Filmen er helt tatt i svart-hvitt, for å skildre den tiden den ble satt i og den mørke, deprimerende stemningen den definerte. Scorsese forventet at dette skulle bli hans avsluttende prosjekt. Dermed var han møysommelig krevende i sin filmskaping. Like dedikert var Robert De Niro, som spiller i hovedrollen. Han gikk opp 60 kilo og trente faktisk som bokser. Han suger inn de kort sammensmeltede mannerismene til LaMotta med brennende perfeksjon når han fullstendig nedsenker seg i karakter. Han fikk en fortjent for sine problemer. Dette er Scorsese-De Niros største triumf. En intens, kraftig magnum opus.

27. The Godfather: Part II (1974)

I historien om andre avdrag har det vært kjent at få filmer lever opp til den første herligheten, la alene overgå dem i noen aspekter. Hvis det lages en liste med slike filmer, blir 'The Godfather: Part II' dens kronjuvel. Å leve opp til arven fra den første var en enorm oppgave i seg selv, men denne fortsettelsen av ‘The Godfather’ saga lyktes ikke bare i det, den utvidet også arven til å bli en del av den største amerikanske historien om organisert kriminalitet som noen gang er fortalt. Filmen presenterer to parallelle fortellinger; den ene som omhandler Michael Corleone som den nye sjefen for Corleone 'familiebedrift', den andre viser en utmerket Robert De Niro som en ung Vito Corleone, og hans oppgang til makten. De to historiene er dyktig vevd, og gir en fristende fortelling som ikke mister grepet om betrakteren en gang. Al Pacino gjør noe av sitt beste her, hans nyvunne blikk tygger praktisk talt naturen hver gang han ser ut på skjermen. En av de nærmeste perfekte filmene som kan sees uavhengig av tid, sted og siste visning, og du ender fortsatt med total innsending og ærefrykt for det. Hvis del I er det hellige alteret, er del II brød og vin.

26. A Clockwork Orange (1971)

Det første som sannsynligvis kommer opp i tankene når vi blir bedt om å beskrive denne filmen med ett ord er ‘urovekkende’. Den eneste filmen på listen jeg tør å besøke igjen, jeg fanget meg selv mens jeg flinket flere ganger mens jeg så på denne filmen. ‘A Clockwork Orange’ er sosial kommentar på sitt mest kompromissløse, og gir skarpe bilder som man kanskje aldri kommer seg fra. Det er mørkt, det er vridd, og det gir ikke forløsning for de som søker det i en film med sannsynligvis den dystre gjengivelsen av en dystopi i samfunnsmessige termer. Og der, tror jeg, ligger filmens suksess med å føre et urovekkende budskap hjem. Ukonvensjonelt på noen måte du kan forestille deg, det gir oss hovedpersoner som er uhyggelige til kjernen og hengir seg til handlinger av 'ultravold' og voldtekt; den kommenterer den sosialpolitiske tilstanden på ting på den mest harde måten du kan forestille deg, setter deg i en tilstand av forvirring da Alex DeLarge (spilt av en karismatisk Malcolm McDowell) blir utsatt for umenneskelige måter å renovere og ender med å etterlate publikum i en farrago av alle tingene som denne urovekkende opplevelsen får deg til å føle på en gang. Virkelig et verk av kubrickiske proporsjoner.

25. Vertigo (1958)

Historien om ‘Vertigo’ går slik - tidligere detektiv Scotty (James Stewart) lider av akrofobi på grunn av en hendelse som skjedde i plikten. Han blir kontaktet av en gammel venn for å holde øye med kona Madeleine som han mener er besatt. Opprinnelig skeptisk blir Scottie snart selvdestruktivt besatt av den vakre damen, som ser ut til å være mye mer enn hun lar. Alfred Hitchcocks glans ligger i det faktum at hans største filmer, spennende å se første gang, ser ut til å åpne et nytt lag med forståelse for betrakteren ved hver påfølgende titt. Visst, med et kort blikk, ‘Vertigo; er et godt utformet psykologisk drapsmysterium. Men når du ser på det igjen og igjen, begynner temaene for mannlig aggresjon og konstruksjon av kvinnelig image i en manns sinn å utfolde seg som en uendelig boks og sluke deg. Sannsynligvis den finest aldrende filmen noensinne er laget, og Vertigos langsomt brennende glans vitner om at filmen blir ansett som en av de største filmene som noen gang er laget når den åpnes for blandede anmeldelser. Et mesterverk fra mesteren av thrillere.

24. Hiroshima, min kjærlighet (1959)

Født fra sinnet til den franske venstrebankvisjonen Alain Resnais, er ‘Hiroshima mon amour’ en film som gråter med transcendental kraft. Tidshistorien sammenflettet med hukommelse og arrdannelsen av begge som fant sted i Hiroshima under andre verdenskrig, fortalt gjennom to personer - en fransk, en japansk - mens de prøver å samle det rådende budskapet om ødeleggelsene som ble forårsaket der. Bortsett fra at det ikke er noe å hente, intellektuelt eller følelsesmessig, av en slik dårskap. Det er et stykke arbeid som er gjennomsyret av internasjonal sorg og når lenger enn selve konflikten og inn i sannhetene og undertrykkelsene som hjemsøker mennesker hver eneste dag. Gjennom etterklangene fra atomeksplosjonen finner vi en liten del av det som er så galt med oss ​​selv. Det faktum at Resnais rett og slett forstår denne uberørbare forvirringen, i stedet for å prøve å fikse den, er det som gjør ‘Hiroshima mon amour’ til et av kinoens store mesterverk.

23. Tilfeldig Balthazar (1966)

Robert Bressons øde mesterverk er en øvelse i følelse. Det styrer seg fra å definere en klar hovedperson eller et sentralt tema, med mindre du teller den mirakuløse naturkraften som er Balthazar, og hvis du tar filmen på pålydende, gjør du det ikke. Men hvis du tillater ham å være tilgangspunktet ditt til filmens emosjonelle og tematiske landskap, er det vanskelig å komme tilbake fra det uretmessig. Balthazars særegne, magre og kule visuelle stil virker nesten glamorøs i ettertid; dens rolige skjørhet innpakket i en resignert, enkeltvis følelse av kontroll. Selv den håndgripelige ærligheten skjuler et studert forsøk på å holde litt igjen, å gi næring til sin enkle innstilling og karakter en rikdom som er igjen til publikum å oppdage, og i noen fantastiske tilfeller, forestill deg. Fordi skuespillerne snakker så lite om situasjonen deres, opplever vi de tilfeldige, urimelige handlingene av grusomhet og føler den kvelende tristheten til dem. I en form der selv de mest dyktige kunstnerne bare tar sikte på å øke seernes sanser ved å tilpasse seg de velprøvde, ga Bressons bilder meg en lyrisk mal for å basere størrelsen på min medfølelse på, for til og med å vurdere hvor bevisst den medfølelsen er .

Alt dette bringer meg tilbake til min opprinnelige tanke. Å tildele hvert øyeblikk betydning i 'Balthazar' avhenger ikke av om vi antar at innholdet er allegorier av sosial eller til og med politisk karakter, men hvordan de gjør oss til føle ved å nyte deres kompleksitet og stillhet, i stedet for å stole på den tankeløse utstillingen de fleste filmer tyr til. Det gir altså full mening for hovedpersonen å være det eponyme eselet.

22. Andrei Rublev (1966)

Jeg tror ‘Andrei Rublev’ er det største eksemplet på den russiske forfatteren Andrei Tarkovskys konsept med skulptur i tid. Mye av hans sistnevnte arbeid var abstrakt, ettersom han behandlet utrolig personlige temaer og visualisering, som var spredt over perioder. Med ‘Andrei Rublev’ fanget Tarkovsky tiden selv og strøk den med de dypeste fargene til en kunstners sjel. Tarkovsky er trolig den eneste filmskaperen som kunne skalere den høyeste prestasjonen i å skildre en kunstners undertrykkelse. Han utforsker de undertrykkende regimene i Russland som er like urfolk for landet som dets dype litteratur som overraskende har stilt spørsmålstegn ved de mest overbevisende spørsmålene om det åndelige og metafysiske. Mange av Tarkovskys senere trekk, inkludert filming av naturstrømmen, kan observeres i Andrei Rublevs reise. Det er en film som filmer deg, knuser deg og får deg til å tenke - både under film og lenge etter at studiepoengene har rullet.

21. Eventyret (1960)

Hvordan føler du deg om et uløst mysterium? Eller en uferdig historie? Søker du nedleggelse ved desperat å lete etter den? Eller aksepterer du fakta og går så videre? Er ikke det livet handler om? Kompromiss og videre? Filmen som brakte Michelangelo Antonioni anerkjennelse over hele verden, ‘L’Avventura’ er historien om en ung kvinne som forsvinner, under en seiltur over kysten av Sicilia. Jakten på henne bringer hennes tidligere kjæreste og beste venn sammen, og et urovekkende forhold begynner. Mens historien er vevd rundt jakten på en savnet kvinne, er dens virkelige formål å konstruere en fortelling uten å være sentrert rundt en større begivenhet og fremdeles være i stand til å fange publikum. De sanne karakterene til de sentrale karakterene blir aldri forklart fullstendig, og når filmen slutter, blir betrakteren tvunget til å akseptere at noen hendelser forblir uforklarlige, akkurat som livet gjør. Et utvilsomt mesterverk!

20. Breathless (1960)

Lenge før Quentin Tarantino smadret seg videre til den amerikanske indiescenen med sin viltvoksende tilnærming til filmproduksjon som forbedret stilfokuset over stoffet, var det denne mannen som heter Jean Luc-Godard som fryktløst tok på seg de tradisjonelle filmatiske grammatikkene og uforsvarlig brøt dem ned, omdefinere og forme filmer slik vi ser det i dag med en film kalt 'Breathless'. Kanskje har ingen annen film klart å fange ungdommens flyktige galskap på en måte som ‘Breathless’ gjør med sin hensynsløse energi og berusende stemning. Den freaky bruken av hoppkutt oppmuntrer den iboende galskapen i premisset mens Godard voldsomt gir deg albuer fra karakterene sine og ber deg fokusere på de fragmenterte aspektene av historien i stedet for historien som helhet. 'Breathless' er en av de viktigste filmdebutene i kinohistorien, og mens den fortsetter å polarisere kinofiler og kritikere, kan det ikke benektes innflytelsen den har på moderne kino.

19. Seven Samurai (1958)

Akira Kurosawa er en av de mest originale, innflytelsesrike og refererte regissørene som noen gang har levd. Roger Ebert sa en gang om Kurosawa 'Det kan hevdes at denne største regissøren ga ansettelse til actionhelter de neste femti årene', og han kunne ikke vært mer sann. Sergeo Leones ‘A Fistful Of Dollars’, som skal ha født den Spaghetti Western-sjangeren, ble inspirert av Kurosawas ‘Yojmbo’. Vår nåværende oppføring er også et teknisk og kreativt vannskille og har inspirert utallige direkte gjenfortellinger, så vel som mange et visuelt element i moderne kino . Det episke dramaet beskriver historien om syv ronin (mesterløs samurai) som tar våpen for å forsvare en dårlig sivilisasjon som ikke lenger har plass for dem fra å raide banditter i det 16. århundre i Japan, noe som kulminerer i en voldsom klimakamp. Men glansen til 'Seven Samurai' ligger i det faktum at den forteller en rekke godt utformede historier som spenner over sjangre med hoveddramaet. Det er innslag av action, eventyr, romantikk og voksen alder til stede over hele filmen. Den består også av tegn som er rikt utviklet som en sjelden biff, som senere vil bli stifter av flere sjangre. Virkelig et inspirerende kunstverk.

18. Livets tre (2010)

‘Livets tre’ er den høyeste kinoformen: den forteller bare ikke en historie, men har som mål å endre livet ditt. Det er en film som vil ta tid å vokse på deg, og når den gjør det, vil du finne det vanskelig å ikke hele tiden tenke på det. Et filmdikt med ekstraordinær omfang og ambisjon, 'The Tree of Life', ber ikke bare publikum om å observere, men også reflektere og føle. På det enkleste er det en historie om reisen for å finne seg selv. På sitt mest komplekse er det en meditasjon om menneskelivet og vår plass i den store tingenes ordning. Det spiller ingen rolle hvilken tro du tror, ​​eller om du i det hele tatt tror på høyere enhet. Den virkelige følelsen av undring i filmen oppstår ut fra magien som selve livet er. Det vakreste ved filmen er at den blir bedre med tiden, som en god vin.

17. Nærbilde (1990)

Den avdøde store iranske forfatteren Abbas Kiarostami så ofte skjønnhet og poesi i de mest absurde verdslige episodene av menneskeliv. Med villedende enkle plotter og naturalistiske omgivelser utforsket Kiarostami universelle temaer som sømløst overgikk kulturelle barrierer på grunn av den typen menneskehet kinoen hans iboende var innpakket i. 'Close Up' er uten tvil hans mest fullførte arbeid og et av de mest originale, oppfinnsomme verkene. av filmkunst som noensinne er produsert. Filmen tar form av en doku-fiksjon for å krønike den virkelige livsforsøket til en mann som etterlignet iransk filmregissør Mohsen Makhmalbaf. Medvirkningen inkluderer folk som faktisk var involvert i rettssaken, og spilte seg selv i filmen. 'Close Up' er en forbløffende utforskning av menneskelig identitet sett med øynene til en vanlig mann som sliter med å takle seg selv og sitt liv, og av desperat tristhet og ekte kjærlighet til kinokunsten, går han i skoene til sitt idol til vet hvordan det føles å være virkelig levende, beundret og respektert. Dette er filmproduksjon av høyeste orden.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Brussel (1975)

Denne franske avantgarde-funksjonen med Delphine Seyrig i hovedrollen som tittelfigur er ikke bare en filmopplevelse. Det er nærmere en øvelse - en test, og påvirker deg på måter som få andre filmer har gjort før eller siden. Det uavhengige stykket fokuserer på tre dager i livet til en ensom, urolig husmann, mens hun går gjennom sin strenge tidsplan fylt med verdslige husarbeid. Hun er mor og enke som utfører sexarbeid for herrer om kvelden for å tjene penger. Problemer oppstår når den andre dagen hennes rutine blir litt forstyrret, noe som fører til en slags dominoeffekt som gjenspeiles i timene etter den. Jeanne Dielman trekker en inn i sin langsomme og meditative verden med Akermans særegne regissignatur, som involverer diegetisk atmosfære, og en hypnotisk aura fremkalt av den rolige, subtile og tålmodige personligheten til mesterverket, som er en smertefull feiring av tilværelsens monotoni.

15. Rashomon (1950)

En av de mest ukonvensjonelle og eksperimentelle filmstykkene for sin tid, ‘Rashomon’ ser på mesteren på jobb, og går fullstendig ut med sine fortellerevner. For å si det enkelt er det en beretning om en hendelse som skjedde gjennom fire forskjellige synspunkter, de tiltalte, ofrene og de som hevdet å være øyenvitner. Den skiller seg ut på alle tekniske grunnlag med nesten feilfri redigering og mesterlig regi, men filmen sikrer sine gevinster på de tematiske spørsmålene den tar for seg; spørsmålene om eksistensen av en absolutt sannhet. Er sannheten virkelig så objektiv og urettferdig som man gjør det, eller er det noe subjektivitet knyttet til den? Normalt er det objektivt, eller anses i det minste allment å være, med tilsynelatende ingen andre versjoner av det. Denne filmen stiller spørsmålstegn ved det på en måte som betrakteren selv blir oppgitt av spørsmål, og kommenterer ofte hvordan folk noen ganger ikke er helt ærlige overfor seg selv. Det er så tematisk komplisert som det blir, men tilsynelatende så enkelt som du vil at det skal være.

14. Stalker (1979)

Å holde sine mindre etterkommere, som inkluderer den enormt vellykkede TV-serien ‘Westworld’, i sjakk, kan ikke ‘Stalkers’ kolossale innflytelse på visuell historiefortelling overvurderes. Ideer - filosofiske, åndelige og vitenskapelige - så vel som deres dyktige, strålende filmutforskning i ‘Stalker’ har funnet sitt inntrykk på mang en science-fiction som kommer etter den. Det er ikke så mye glidende, transe-induserende og på punkter, abstrakt tempo eller den sjelsrørende bruken av monokromatisk sepia utenfor 'sonen' og de innprentende fargene på stedene i Estland, som har blitt speilet i arbeidet med filmskapere som Terrence Malick og Lav Diaz, for å nevne noen, men den varige tålmodigheten og ydmykheten. I stor grad overlater de filosofiske regjeringene til publikum, etterlater Tarkovsky så mye rom for seerne å oppdage flere metafysiske fasetter av filmen for seg selv, at til og med den uovertrufne bokstavelige og visuelle poesien virker like mye et oppfatning av vår fabrikasjon som den er av hans og hans samarbeidspartnere. Og likevel forblir filmen fjern, og leder oss inn i sinnets og hjertets uoppdagelige mysterier, og vi ender aldri med å løse dem ut, fordi den rette veien aldri er den rette.

13. Fanny og Alexander (1982)

Nesten 35 år etter den første utgivelsen, er Bergmans siste regissørfunksjon like fascinerende å dissekere som den var for kritikere over hele kloden på den tiden som alle syntes å slite med å sikre at deres meninger om det ble hørt. Disse meningene var mye mer splittende enn de er i dag, men filmens plass i Bergmans filmografi virker fortsatt vanskelig å definere. Det er i motsetning til, i tone, struktur og ren størrelse, alt Bergman hadde gjort til det punktet. Men det er også en ubestridelig sammenslåing av alle hans tematiske og visuelle instinkter krysset i dette livsbekreftende teppet til en familie tidlig på 1900-tallet i Sverige. Den pittoreske overflaten ser ut til å gi deg all din oppmerksomhet ved første visning med sine dypt oppslukende variasjoner av røde, grønne og milde, varme gule som danner en så berusende fargepalett at fraværet - når alt er drapert i hvite, svarte og harde blåfarger - virker straffende. Bergmans omhyggelig utformede kronikker stråler ut fra en familiepiknik og har kjennskapen til menneskelige bånd holdt sammen i flere tiår av ekte, skjør hengivenhet. I denne sjenerøst monterte gjengivelsen av liv er fødsel og død begge tilfeldige. I den lille verden disse tegnene, som de fleste av oss, bor, er omkretsgleder alt man kan håpe på, og de er nok for dem, slik de burde være for oss. Er det en illusjon? Å se dette gigantiske ensemblet gjøre slike underverker, man kan tro det. Hvis det er det, tro meg, du vil ikke at det skal knuses.

12. Apocalypse Now (1979)

Det er krigsfilmer som viser krigsforstyrrelser (som 'Enemy At The Gates'), noen andre som gleder og avskyr forestillingen om det (som 'The Pianist'), og så er det den dristige 'Apocalypse Now', som ikke gir noe mening eller konklusjon, men viser i stedet en grafisk skildring av krigens redsler mens man herliggjør soldatene som tar del i den. Debatt raser til denne datoen om ‘Apocalypse Now’ er pro-krig eller antikrig. Elsker det eller hater det; det sikre er at du kommer til å huske det. En av de mest problematiske produksjonene i Hollywoods historie, forfatterregissør Francis Ford Coppolas endelige kutt endte med hans mest teknisk strålende arbeid. Den bare forutsetningen er enkel - kaptein Willard må 'avslutte med ekstrem fordommer' oberst Kurtz som har gått inn i fiendens territorium og gått AWOL. Men det er Willards svekkende reise over Vietnams opprivende slagmarker (forhøyet av Vittorio Storaros fantastiske filmopptak) som forblir etset i sinnene langt etter at kreditter ruller. Med den ene minneverdige scenen etter den andre og definitive forestillinger av Martin Sheen som Willard, Marlon Brando som Kurtz og Robert Duvall som ‘napalm-entusiast’ oberstløytnant oberst Kilgore, ‘Apocalypse Now’ som Coppola med rette sa “handler ikke om Vietnam. Det er Vietnam ”.

11. De 400 slagene (1959)

François Truffauts ‘The 400 Blows’ er et sant kunstverk stammer fra ekte smerte. Et virkelig oppriktig og dypt personlig stykke arbeid, viet Truffaut filmen til sin åndelige far og den internasjonalt anerkjente filmteoretikeren André Bazin. Truffaits egen barndom var tydelig selvbiografisk, og det reflekteres veldig tydelig i filmen. På utsiden handler filmen om ungdoms- og ungdomskriminalitet som ofte er drevet av samfunns- og foreldrenes forsømmelse. Se litt dypere, så finner du en film om håp; håp som er både intenst og terapeutisk. Antoine Doinel, hovedpersonen, er på en eller annen måte en sterk representasjon av samfunnet selv, et samfunn som skjuler sine egne svikt bak regler, straffer og dommer. Filmen flyter som en elv og tar publikum med på en reise med håp, fortvilelse, empati og enda ren sinne. Hvis du noen gang ønsket å se hvordan et mesterverk ser ut, se ikke lenger enn ‘The 400 Blows’.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch er ikke filmskaper. Mannen er en drømmer. Og ‘Mulholland Drive’ er den største drømmen han noen gang har drømt om. En drøm som innkapsler alle følelser som omfatter den menneskelige eksistensen. Det er vanskelig å forklare eller beskrive en film som ‘Mulholland Drive’ fordi dette er en film om opplevelse og hva du tar fra den i stedet for et plot som er drevet av en konvensjonell fortelling som gir deg svar du gjerne kan ta med deg hjem. Lynch har ofte uttalt at hans visjon for en film i utgangspunktet er bygget på mange ideer og følelser. Og dette blir en inngangsport til å forstå en film så kompleks og lagdelt som ‘Mulholland Drive’. Det er en labyrint av drømmer, ambisjoner, ønsker og mareritt. Lynch vet hva som skremmer oss mest og hva som driver oss til ren sinnssykdom. Og det er denne urovekkende intime refleksjonen av det menneskelige underbevisstheten som gjør ‘Mulholland Drive’ til et så dypt opprivende kunstverk. En som omgir deg med en følelse av varme og ømhet før du skjærer deg gjennom hodeskallen.

9. Sykkeltyver (1948)

“Enkelhet er den ultimate raffinementet” - Leonardo Da Vinci. En av de vanskeligste oppgavene innen filmproduksjon er å finne ut når du skal avslutte filmen. Slutten i Bicycle Thieves er så tonalt synkronisert med begynnelsen, ettersom vi starter fra Antonio, en hverdagsmann som kommer fra mengden til Antonio, en hverdagsmann, som forsvinner i mengden. Livet i Roma etter krigen hadde gjort hverdagen til en kamp, ​​og det var knapt noen som gjorde ut av det elendighetsmyret. Det er veldig få filmer som gir en så dyp introspeksjon som Bicycle Thieves. Det er en film som vil knuse hjertet ditt i stykker, og som likevel vil inspirere deg til å leve livet fullt ut. Sjelden er en film som er så enkel i sin forutsetning så strålende effektiv i sitt budskap. Det er praktisk talt umulig å glemme filmen når du har sett den. Selv om filmens største prestasjon er i hvor mange uavhengige filmskapere den inspirerte, som frem til i dag siterer 'Bicycle Thieves' som sin inspirasjon.

8. Tokyo Story (1953)

‘Tokyo Story’ er det enhver filmskaper som ønsker å fortelle en meningsfylt historie, ønsker. Åpenbart kommer alle sammen til kort! Det er ikke noe bedre eksempel på en film som gjengir en episk historie på en så enkel, men mesterlig, effektiv og uforglemmelig måte. Med ‘Tokyo Story’ oppnådde Yasujiro Ozu noe som er en levende filmskaperes drøm: å for alltid bo i publikums hjerte og sinn. Alle som har sett ‘Tokyo Story’ vil vite hva jeg snakker om. Filmen forteller historien om et aldrende, tradisjonelt japansk par som besøker barna sine i Tokyo bare for å komme til den harde erkjennelsen at barna deres er for opptatt med livet til å ta vare på dem og har vokst enormt fjernt fra dem, kulturelt og følelsesmessig . Det som også er så bra med filmen, er dens universelle tema som alle, hvor som helst, kan forholde seg til. Ozus filmstil sørger også for at du blir oppslukt av en fortelling som gir dyp innsikt i den skiftende menneskelige psyken med skiftende tider. Rett og slett strålende!

7. In the Mood For Love (2000)

‘In the Mood For Love’ er ganske enkelt den største kjærlighetshistorien som noen gang er satt på film. Periode. Det kunne så lett ha vært et skuespill eller til og med en poesi. Med vakre, fengslende bilder og utsøkt, sjelepiercing musikk, forteller ‘In The Mood For Love’ den komplekse historien om to enkle individer. To individer som går gjennom frykten og lokket av å bli forelsket; og en gang forelsket, den rene smerten ved å la den være ufullstendig. ‘In the Mood for Love’ skildrer kjærlighet i sin mest sårbare form. Og på den måten avslører det våre egne sårbarheter og hvor hjelpeløse vi er foran kjærligheten. Sjelden har en film som er så undervurdert og så reservert en slik innvirkning etter visning.

Jeg er ikke sikker på om regissør Wong-Kar-Wai hadde til hensikt å lage filmen han laget, med tanke på at han for det meste spilte filmen uten manus. Hvis du ser på historien, er de mest definerende kunstverk lykkelige ulykker. Tell ‘In the Mood For Love’ blant dem.

6. 8 1/2 (1963)

Nummer åtte og et halvt i den italienske maestroens filmografi, denne svirrende, saftige epos av fantasier, mareritt og en altfor gjørmete virkelighet er som en biscotti - resolutt absurd i sin form og bakt på en måte som ikke tillater å fortære den helt i en gang. Det skremmende, rastløse kameraverket komplimenterer Fellinis bevisste visjon om en filmskaper som prøver å kanalisere de mange forandrende opplevelsene han har hatt i løpet av sitt knyttede liv i sin nye film. Semi-selvbiografisk som den måtte være, '8 1/2' briser forbi publikum med all sin imponerende kompleksitet intakt i et så radikalt tempo, at jeg fant meg selv i å prøve å dekonstruere sine utrolig sammensatte bilder for å finne min egen plass i Fellinis ruvende spesifisitet, men klarte aldri å lande fast på bakken.

Å utnytte de skyggelagte gravitene til Marcello Mastroianni, Fellinis rene strøm kan være overveldende. Du henger på din oppfatning av et bestemt øyeblikk og gjenkjenner dens sultne rikdom bare for å oppdage at filmskaperen har gått videre til en annen flagrende, herlig klar sekvens. Hans ideer om kunstnere og deres forvirrende, latterlige besettelse med seg selv kan virke datert - eller verre, irrelevant - men dristigheten til deres konstruksjon og uttrykk går aldri tapt for oss. Det forhekser og forfører oss, lar oss aldri ta øynene av det og glir deretter gjennom fingrene når det går opp for oss at vi aldri hadde det i vår grep. Fellini er ikke mye forskjellig fra den klarsynte Maya i filmen som ser ut til å vite hva alle tenker: en ferdighet som hennes assistent tilskrev telepati. Når hovedpersonen vår, Guido, stiller spørsmål ved assistenten om hvordan hun gjør det, bemerker han tydelig: ”Det er delvis et triks, og delvis ekte. Jeg vet ikke, men det skjer. ' Ingen ord kunne være mer treffende å beskrive filmen med.

5. Person (1966)

Jeg tror det er trygt å si at ‘Persona’ brøt kino alene. Å være en skrekkfilm på overflaten, er Ingmar Bergmans klassiker fra 1966 mer en studie av individuell identitet enn noe annet. Denne filmen gjør bruk av innovative redigeringsteknikker, skarpe kameravinkler, kalde uttrykk, oppslukende dialoger og fantastisk regi, og forteller på en så tvetydig måte som mulig historien om en berømt skuespillerinne som mister stemmen og sykepleieren som tar seg av henne i et tilbaketrukket hjem, hvor deres særegne personligheter sakte begynner å smelte sammen. Å være regissørens mest 'filmatiske' satsing, sørger 'Persona' for å vri hver konvensjonelle regel for filmskaping for å prøve å frembringe en frisk og fortryllende opplevelse. Med noen av de største skuespillene som noen gang er satt på celluloid, hjelper filmens atmosfære oss med å sette pris på spørsmålene vi har om det, ved smart å skifte fokus til håndverket som blir satt i spill. Det eksisterer ganske enkelt ingenting som 'Persona', og det kan veldig godt være et faktum.

4. Gudfaren (1972)

Muligens den mest innflytelsesrike filmen som noen gang er laget. En av de sjeldneste tilpasningene som faktisk er bedre enn kildematerialet - i dette tilfellet Mario Puzos roman med samme navn - har filmen holdt ut gjennom tidene og er en klassiker i ordets rette forstand som bare fortsetter å bli bedre med hver visning. Filmen krønner en mafiafamilie under Don Vito Corleone og fokuserer på overgangen til sønnen når han tar over familiebedriften ved patriarkens død. Uten tvil er forestillinger en av de viktigste styrkene i denne filmen, med storheter inkludert Marlon Brando som Vito Corleone og Al Pacino som Michael Corleone omdefinerer skuespillstandarder med sine forestillinger. Alt annet, spesielt manus og stemningsinnstilling film og partitur, er forventet A-rate og sjangerdefinering. Med rette, det finnes ikke en filmfil som ikke har sett dette mesterverket av en film. Det er alteret hvor vi går for å be.

3. Citizen Kane (1941)

Den hellige gral av amerikansk kino. ‘Citizen Kane’ definerte nesten alle aspekter som omfatter kinokunsten. En film som brøt utallige filmkonvensjoner bare for å skape nye. Helt fra de banebrytende teknikkene, inkludert belysning, lyd og grafikk til dens svært innovative fortellestil, forandret ‘Citizen Kane’ måten filmene ble laget på. Filmen er en dypt dyp karakterstudie som tar form av et mysteriedrama som avdekker sannhetene i livet til en gåtefull forlagsmagnat hvis siste ord har vekket en reporters interesse. Han legger ut på en reise og utforsker et menneske som en gang startet sitt liv med rå ambisjoner og ønsker, men snart ville gi etter for de forførende kreftene til grådighet og autoritet. ‘Citizen Kane’ er et enormt kraftig kunstverk som feier i utforskningen av dype temaer og fanger de uendelig komplekse følelsesmessige fasettene ved å leve livet som menneske.

2. Speilet (1975)

Kan kunst være noen gang så personlig at man ikke greier å skille den fra skaperen? Dette er et spørsmål som slo meg da jeg første gang så Andrei Tarkovskys ‘The Mirror’. Dette er et kunstverk der kunstneren fullstendig gir seg til sitt arbeid som du ikke skiller mellom ham og arbeidet han gjør. Det er nesten som om Tarkovsky pustet hele filmen. Forfattere har laget sine mesterverk, forandret og formet kino slik vi ser det i dag, men Tarkovsky tok et skritt utover det og oppnådde det uoppnåelige; gir liv til kunsten sin. ‘The Mirror’ er bare å puste kino. Du kunne se Tarkovsky, familien hans, kulturen han vokste opp i. Faktisk kan du klare å se deg selv i den, moren din, og det er denne følelsen av Deja Vu som slår deg når du ser på disse stedene. Det er nesten som om du har vært der, kanskje i livet eller i en drøm mistet et sted. Og for at en kunstner skal lage noe som er personlig og intimt, er det noe som er utenfor ordene. Det er en film som underbygger det vi alltid har kjent: kino er den største kunstformen.

1. 2001: A Space Odyssey (1967)

Som alle andre oppføringer på denne listen er ‘2001’ også en leksjon i filmskaping. Flere filmskapere, inkludert slike som Christopher Nolan og Denis Villeneuve, har snakket om hvordan filmen har vært deres inspirasjon. Så ja, filmen er et teknisk vidunder. Men det er ikke grunnen til at filmen toppet listen over så mange flotte filmer. Den sitter på toppen fordi det er en film som våget å gå til et sted der ingen film har gått før. Helvete, ingen visste engang at det var et slikt sted der kinoen kunne sikte å gå. Og hvis kinokunsten noen gang krevde en grunn eller et bevis for å stadfeste at dens eksistenshensikt er mye mer enn bare underholdning, så er det her: den fullstendig overbevisende og ekstremt mytiske, ‘2001: A Space Odyssey’.

Stanley Kubrick utvidet kinohorisontene med nesten alle filmene sine. Med ‘2001: A Space Odyssey’ ga han også en ny mening til hva kino kan oppnå. Flertallet av filmskapere bruker kino som medium for å fortelle en historie. Men Kubrick brukte kino for å stille spørsmål. Hva spurte han om? Alt, fra Gud til formålet med vår eksistens. Mens ‘2001: A Space Odyssey’ er en svært intelligent science fiction-film i seg selv, er den også så mye mer. Jeg tror det er en film som er mer en filosofisk søken for å avgjøre om Gud eksisterer. Snakk om å sikte høyt!

.